El grado de dependencia que la sociedad actual manifiesta a ciertos dispositivos tecnológicos está llevando a lo que algunos entienden como la deshumanización de las relaciones interpersonales. En esta problemática se centra "Disconnect".

Narrada a partir de una serie de historias independientes, el filme se muestra como una fuerte crítica a los niveles de incidencia que la tecnología, especialmente la Internet, ha llegado a influenciar en la sociedad de hoy. Sus protagonistas se caracterizan por convivir con la soledad, la ausencia de amor, por la frustración de no lograr entablar relaciones más cálidas con los que los rodean. Personajes cuyo contacto con el mundo se reduce a un laptop, a un celular o a una red social, y que se verán en situaciones conflictivas cuando la realidad los empuje más allá de la comodidad de la Red o del chat.

Liderada por un coherente Jason Bateman, la cinta ofrece momentos de gran brillo. Algunas escenas contienen grandes cargas de violencia psicológica y otras escenifican, de excelente forma, la soledad y frustración que conlleva la agitada y "moderna" vida del ser humano de hoy. El ritmo de los últimos minutos es altamente grato, así como el desenlace de alguna de las historias.

En la -increíblemente- poco conocida Crazy Love, presenciamos la frustrante vida sexual de Harry Voss en tres momentos específicos de su vida: niñez (10), adolescencia (19) y adultez (33). Voss, como uno de los personajes autobiográficos que creó Charles Bukowski, es un alcohólico que a lo largo de su vida ha experimentado el rechazo por parte del sexo femenino, lo que lo va forjando como un hombre solitario, con miedo social y con tendencia a la autodestrucción.

Vale decir que Bukowski aseguró que el terrible acné vulgaris que lo azotó en la adolescencia le causó el rechazo de la sociedad, en especial de las mujeres, generando una frustración que lo llevó a construir personajes con cierta reminiscencia biográfica.

La cinta tiene un formato sencillo, con tres momentos claramente identificables, en los que las tramas, los escenarios, el vestuario y los actores cambian totalmente.

Los tres actos están muy bien construidos, cada uno dotado de diferente tono y esencia: el de la niñez está cargado de inocencia, con un Voss inexperto y con afán de descubrir su sexualidad; el de la adolescencia es un relato semi-paródico, crudo, incómodo y con cierta carga de crítica a los valores estéticos imperantes; en el último, adultez, tenemos a un protagonista derrotado por la vida y por el alcohol. Es el acto más oscuro de todos, con elementos neoir-thriller, pero con una potente carga trágica y poético.

Cinta que versa sobre las distintas etapas de la vida, la derrota, la amistad y, aunque no lo crean: sobre el amor. Pero especialmente sobre el sexo. El sexo como motor de la historia humana.

Filme que recomiendo mucho y que considero una joya sin descubrir por el gran público.

Estamos ante un filme que presenta algunos tópicos bastante explorados en el cine, pero que utiliza el factor racial para otorgarle cierta actualidad. El filme se divide en tres actos en el que se muestran las diversas facetas y evolución del protagonista: el primero nos presentan los personajes, sus personalidades y nos introducen a una evidente injusticia favorecida por un sistema judicial laxo con los okupas. La segunda se enfoca en los problemas de la pareja y la crisis del prota y un tercer acto en el que se desata la barbarie.

Lo cierto es que se me hizo un filme muy largo, que llega a perder el horizonte y se hace tedioso. En el final cambia la perspectiva dramática de la cinta y se convierte en otro filme de terror de hombres enmascarados con sed de sangre.

Las actuaciones están bien, pero la pareja no cuadra mucho. Quizá se buscó una pareja dispareja para conseguir el efecto de fragilidad en el matrimonio.

Lo de meter la cuestión racial para justificar la debilidad del protagonista no me quedó muy claro. ¿Se supone que por ser negro se debe ser fuerte o valiente? Además, Francia tiene millones de ciudadanos negros integrados a la nación. Creo que a Abbou se le va la pinza.

En fin, un filme que adolece de un discurso coherente, quizá si se hubiese enfocado más en la fragilidad del sistema judicial sobre la propiedad privada, hubiese conseguido más que utilizar la carta del racismo.

Cine independiente de muy buena calidad. La pareja protagonista, Michelle Pfeiffer y Kiefer Sutherland, es de lejos lo mejor de la película: la primera haciendo una sobresaliente interpretación como una cincuentona divorciada desempleada, que cuida a su enferma madre, y el segundo como un alcohólico en busca de redención. Para subrayar a Pfeiiffer que hace una interpretación magnífica, mostrando una vez más (como en los últimos años) lo mucho que tiene para dar al Hollywood actual.

Aparte de las actuaciones me ha gustado mucho la dirección, la fotografía y la música, que están impecables. Mediante los planos grises, el ritmo lento pero eficiente, y una escenografía que juega con luces y sombras, el filme logra proyectar un ambiente de pesimismo, nostalgia y desesperanza que acompaña desde principio a fin a los protagonistas. La música ofrece por momentos un aire terrorífico a las secuencias, en particular al de la anciana en medio de la calle. Espectacular.

El mensaje del film es claro y sin adornos: "Where is Kyra?" es un retrato agrio sobre la vulnerabilidad a la que se ven expuestas las personas mayores de 50 años en la sociedad capitalista. Kyra es una mujer atrapada entre su angustioso desempleo; sus deudas; en su incapacidad para sanar las heridas emocionales de su divorcio y la muerte de su madre; el eminente desahucio de una impagable hipoteca; la soledad y un romance con un terno perdedor.

Es una película dura, pesimista, pero realista. No apta para quienes van buscando historias de triunfos y finales felices (tan propio del cine yanqui).

Y es que después de largos cinco años de haber salido la flojita Prometheus, Ridley Scott nos presenta la peor película de todo el universo Alien. Este es un producto Sci-fi light, muy lejos de la calidad y la intensidad de sus antecesoras.

El filme presenta un reparto que deja mucho que desear (víctimas de un guión mediocre) y del que sólo rescato al interesante M. Fassbender (los demás son rostros desconocidos).

Algunos (muchos) de los personajes carecen de carisma, y son más tontos que un calamar de plástico. Además, fastidia que entre los integrantes de la tripulación de la Covenant vayan novios, esposos, amantes, bla bla bla. Con esto el director busca de manera desesperada que el espectador se identifique con ellos, ya que, por lo demás, da lo mismo si el xenomorfo se los carga desde el primero minuto ¿Olvida Ridley que en Alien El Octavo pasajero y todas sus secuelas nunca hubo un beso?

Los diálogos filosóficos son muy pretenciosos para ser una película de monstruos (desde Prometheus el bueno de Ridley se le ha dado por ahondar el rollo creacionista, con gran influencia de la Cienciología ¿?), y dejando de lado lo que hizo grande a la Alien de 1979 y de sus secuelas: el suspenso y el terror. Y es que tanto en Prometheus como Covenant, los últimos dos esfuerzos personales de Ridley Scott por rescatar su ópera prima, se pierde la intensidad y oscuridad que caracterizó la saga. Y aunque es una película entretenida, se le exige mucho más por la carga histórica que conlleva llevar la palabra Alien en su título.

A diferencia de las demás películas de la saga, en A. Covenant hay un exceso innecesario de unos regulares efectos por computadora. Y es que algunos de los xenomorfos se notan demasiado artificiales. Algo que resulta inquietante, pues, ni en las Alien del 79 y del 86 (con menos recursos tecnológicos) lo hicieron tan mal.

Sigo en Spoilers: