Sin haberla visto nunca ya se saben muchas cosas acerca de "Shutter Island". En primer lugar, es por todos sabidos que Scorsese seguramente esté entre los mejores directores que ha parido Norteamérica, firmando a lo largo de su extensa filmografía más de una "obra de culto". También se sabe que DiCaprio es, sino el que más, uno de los actores contemporáneos que más veces ha merecido el Óscar en su carrera, y que por vaivenes del destino ha tenido siempre que sonreír sentado desde su asiento en la alfombra roja. No es su mejor actuación ni es la mejor cinta de Scorsese, pero "Shutter Island" es soberbia.

Es juguetona en sus planteamientos, en como de un modo retorcido juega con el punto de vista del espectador. El guión, a pesar de que en ciertos puntos peca de excesivo, es uno de los más redondos que puedan encontrarse. ¿Quieres un argumento que represente mejor que ninguno las curvas del circuito de Mónaco? Mírate Shutter Island y haz tus conjeturas. Porque mientras Di Caprio "desentraña" el misterio de ese montón de roca, de tramas conspiratorias gubernamentales y psiquiatras psicodélicos, al espectador le da tiempo a ir más allá de los pasos del actor. De este modo, un servidor ha encontrado el desenlace final (casi decorado con redobles de tambor) como algo verdaderamente esperado, no sé si fruto de una mente igual de perversa que la de Scorsese. Me lo esperaba todo.

Sin embargo, aunque puedas acertar en tus predicciones, la cinta te lleva muy bien de la mano en el rompecabezas particular de "Teddy". La tensión ambiental, esa terriblemente exquisita mezcla de géneros a lo largo de la película, esos pequeños detalles no difíciles de ver, esa magia, esa realidad. Qué cojones, me ha encantado Shutter Island porque, siendo un trabajo bastante comercial, intenta volver loco al propio espectador. Quiere que se dude de la propia realidad, un "efecto de inmersión" salido de un drama de Buero Vallejo.

El sorpresón que Scorsese se tenía guardado bajo la manga no ha funcionado del todo conmigo, no. ¿Y qué? Juzgándola en su conjunto, "Shutter Island" constituye una serie de puzzles la mar de interesante (¡faros, faros!), que no ha jugado conmigo pero sí me ha dejado a mí jugar con ella. Y eso, señores, créanme que es complicado de ver hoy en día.

Enfocarse en el aspecto sexual para valorar "La vie d´Adèle" es una soberana estupidez. Al contrario que otros ensayos del amor homosexual, como la fallida "Habitación en Roma", Kechiche utiliza el erotismo y el deseo como adornos que giran en torno a lo que verdaderamente se muestra en esta película: un romance real, sin conservantes ni colorantes. Uno de los sentimientos que más dificultad tienen de ser plasmados en una pantalla, más si se trata de algo tan tabú para muchos mente-cerrada como es el amor entre dos mujeres.

Y digo eso porque a mucha gente le atemoriza ver 15 minutos de sexo explícito en una película que dura exactamente 3 horas, es decir, ni tan siquiera un 10% del tiempo total que dura esta cinta. En primer lugar, hablar de esta película sin arrodillarse ante la señorita Exarchopoulos es casi una blasfemia. Los bellísimos primeros planos de su rostro, de sus ojos llorosos, de los mocos que le caen por la comisura de los labios, de su mirada curiosa tras hacer el amor... La cámara ama cada centímetro cuadrado de su piel del mismo modo que lo hará el espectador, que sea hombre o mujer simpatizará con ella instantáneamente. Por otro lado, Léa Seydoux cumple notablemente en su papel de Emma, una mujer que se nos presenta con un misticismo que pronto dará paso a la ternura y suavidad de su piel fielmente plasmada en el celuloide. Ambas son una maravilla.

Por otro lado, uno de los grandes aciertos de este largometraje es que el amor surge sin artificio alguno. El progresivo cambio en el personaje de Adèle se produce por sus propias circunstancias personales, por sus temores y anhelos más inconfesables. No existe un punto de inflexión que marque un antes y un después, todo fluye con la misma facilidad que el agua de un río. El hombre, lejos de ser un problema u obstáculo, se presenta como una tierna alternativa, como un elemento de equiparable carga sentimental que la propia mujer. Fue agradable desde el punto de vista masculino la inexistencia de carga crítica frente al hombre, elemento que se muestra como una vía de escape.

Vuelvo ahora al tema del sexo. En este aspecto, "La vie d´Adèle" no inventa la pólvora, no es la primera película en la historia que muestra imágenes semejantes y seguro que no será la última. El sexo y el erotismo son utilizados como vehículos en la autopista hacia el descubrimiento de la sexualidad de Adèle, tanto heterosexual como homosexual. Al mismo tiempo, no mencionar la química en pantalla de las protagonistas durante esas escenas supone un error de bulto, puesto que filmar con la veracidad con la que ha sido rodada esta película no es una labor fácil, menos si cabe para las dos actrices. ¿La vida de Adèle pornográfica? Si quisiera ver porno no me tragaría una película de 3 horas con apenas tres escenas de carácter semejante, es cuestión de lógica.

En conclusión, personalmente me ha parecido un auténtico gozo para los sentidos esta película. Cómo el objetivo de la cámara de Kechiche sigue a Adèle en sus sueños, en sus fantasías, en su lucha contra su entorno, en las noches en las que no le importa el modo de ser feliz. "La vie d´Adèle" simboliza el encuentro con la felicidad y su disfrute sin importar las circunstancias sociales y ambientales. Ser feliz, amando y siendo amado, "n´importe qui, n´importe quoi".

Habiéndome tragado toda la saga Alien este último mes, sólo me quedaba echarle un vistazo a "Prometheus", la grandilocuente precuela que tanto ha dado que hablar para la crítica especializada y para el público en general. Ambos parecen no coincidir del todo: mientras el grueso de los medios califican correctamente a la obra de Ridley Scott, los usuarios fieles a una de las sagas más iconográficas de la ciencia ficción se han sentido poco menos que horrorizados con lo visto en pantallas. Pues bien... ni la película tiene tantos aspectos positivos como señalan los críticos, ni traiciona tanto a la franquicia como dicen sus fans.

¿Podía haber alguien que, de verdad de la buena, pensase que Ridley Scott está a la altura de su sombra de hace 3 décadas? Ha pasado tiempo desde que el nombre del director norteamericano no es sinónimo de grandeza cinematográfica. Mientras cineastas como Steven Spielberg han abrazado amistosamente la pegajosa comercialidad de Hollywood, Scott se ha encontrado a sí mismo estancado, traicionando al espíritu que le hizo triunfar con obras como Alien: El Octavo Pasajero o Blade Runner. Hitos del cine de ciencia ficción que, si bien este último no encontró precisamente en las taquillas el éxito, le han hecho forjarse un nombre que a la postre tendría muchísima influencia en el cine.

Las películas de Scott han perdido ese halo misterioso, perturbador, esa sensación de que con poco se hace mucho. En su lugar, eso ha sido sustituido por gigantescos despliegues de medios, de efectos visuales, y, sobretodo, de caras bonitas que no transmiten nada (bueno, sí, transmiten rabia). Y esto se traduce en que el casting elegido para "Prometheus" es escandalosamente malo. La única excepción es la de Michael Fassbender que, a pesar de que su interpretación está a un notable nivel... no le llega a Bishop (Lance Henriksen) ni a la suela de los zapatos. No sé que tuvo aquel que no tuvo este, pero las comparaciones son inevitables y su robótico personaje no ha calado tanto como debería. Primer punto negativo, Sr. Ridley.

En segundo lugar, el argumento de "Prometheus" puede concebirse de dos maneras distintas, y en función de ello pasar de ser "correcto" a ser vergonzoso. Como película independiente o como primera entrega de una nueva trilogía, es entretenida: Buenos efectos visuales, personajes que no transmiten nada pero al menos son atractivos, dos o tres hilos conductores y subtramas decentes... En definitiva, que no está mal del todo.

Ahora bien, como precuela de Alien... Se toma tantas licencias, hace uso de tantos mecanicismos y juega de un modo tan atroz con los sentimientos de sus fans que... que... bueno, que hace pupa. En según qué momentos, el espectador llega a sentirse dentro del universo Alien. Cuando todo está oscuro, cuando se recrea un entorno orgánico y peligroso, cuando la tensión se adueña de la imagen... Son breves instantes, muy breves para una película de dos horas, pero te toca el corazoncito. La nave, por otra parte, también tiene esos elementos que tanto recuerdan a la Nostromo, haciendo que de vez en cuando llegue la melancolía, la nostalgia y la esperanza de creer que esa película que estás viendo puede encontrar su salvación.

Pero no hay ningún Alien. No hay nadie que recuerde o llegue al carisma de Ripley. No hay sensación de agobio, de "esto va a irse a tomar por el culo", de peligro. Y eso que quizá en esta película se abuse más de la cuenta del principio de que un pequeño error va a desembocar en una serie de catástrofes, desde luego que sí. Pero no lo consigue.

Viendo "Prometheus" me he encontrado a una película sin alma. Sin vida, hueca. Que no se llega a encontrar a sí misma por ningún sitio. Y entristece, porque los brillantes minutos que nos regaló Ridley hace más de 30 años parece que se hayan llevado consigo su talento a otra parte.

Junto a directores como David Fincher, Nolan es uno de esos cineastas cuya filmografía está solamente compuesta por éxitos. "Memento" sorprendió por su enrevesada y compleja estructura argumental, la saga de "El Caballero Oscuro" se ha convertido en una trilogía de culto inmediatamente, e "Inception" (para un servidor, su mejor trabajo) trazaba un camino para soñar. Para darle vueltas en la mente a ese tótem que nunca paraba de girar, para replantearnos desde la butaca hasta qué punto es o no realidad aquello que percibimos por lo sentidos. Es su esencia. La esencia del séptimo arte.

"Interstellar" ostenta, más allá de su innegable factura técnica y banda sonora preciosista, una serie de características que eran inauditas en un film de Nolan. La primera parte de la película teje, con pocos y bien escogidos elementos, los lazos paternales en torno a los que se erguirá el grueso argumental de la obra. Los viajes en el tiempo y en el espacio, los debates físico cuánticos y el resto de elementos de Ciencia Ficción deben su protagonismo a la relación entre Murph y su padre. Un Matthew McConaughey que, por otra parte, se reafirma tras "Dallas Buyers Club" como una estrella de primer orden internacional, a pesar de que el nivel interpretativo de esta última cinta esté ligeramente por encima de lo mostrado en "Interstellar".

Hay multitud de detalles criticables de la última película de Nolan, como que nos lo dé todo masticado o que el final se alargue más de la cuenta, vale. ¿Y qué? A pesar de las ciertas previsibilidades del guión o de algunos diálogos moralistas insípidos (Anne Hathaway reflexionando acerca del amor, ¿porque sí?), la obra en su conjunto, en su contexto global, embauca. Quien más o quien menos encontrará en "Interstellar" ese algo tan característico de Christopher que le enamorará. Esos viajes al pasado, esa nostalgia en un espacio donde sólo se encuentra el silencio, el miedo irremediable a que pasen los segundos. La nostalgia y la desconfianza. La soledad y el amor.

"Interstellar" puede pecar de querer abarcar demasiado, de meterse en terreno abrupto... Pero lo que consigue, lo que el guión y la fotografía alcanzan a expresar, supera toda esa ambición con la que comenzó a rodarse esta película. Más bien, sobrevive a ella. No revoluciona ni el género de la Ciencia Ficción ni un tópico tan explotado como el fin de la raza humana en la Tierra. Y aunque pretenda hacerlo y no lo haya conseguido, "Interstellar" es quien de brillar allá donde los precursores de su género no han sido capaces. De que en un espacio, donde solo se hayan confluyendo la oscuridad y el silencio, pueda vislumbrarse un rayo de luz.

Llevaba mucho tiempo queriendo escribir sobre Tarantino. Me excuso en primer lugar, y es que quien espere una crítica expresa sobre "Pulp Fiction" quizás se lleve un chasco. Es con abultada diferencia mi película favorita, la que me abrió las puertas a esto de amar el cine, de aprender a interpretar un celuloide desde otro punto de vista. Pulp Fiction es única, única en su montaje y en su puesta a punto, diferente en su planteamiento y culminación. No es la mejor película de la historia del cine, quizás ni esté entre las 10 mejores, pero para mí, para mi persona, es perfecta de principio a fin.

Ahora me refiero a su director, al carismático Quentin. Quien se haya leído su biografía, y todo lo que pasó hasta firmar la que creo es la mejor ópera prima de la historia (Reservoir Dogs), sabrá que pocos directores quedan que amen el cine del modo en que él lo hace. No utiliza su experiencia para "mejorar" su trabajo (que también), sino para enriquecerlo de todo eso que a él mismo lo marcó. Este argumento puede erróneamente calificarle como un director que sólo recicla ideas ajenas, algo que se aleja bastante de la realidad de su filmografía. Es un hombre que simplemente quiere ver en pantalla lo que a él le gusta y no lo que el público pretende esperarse. Su éxito se basa en que la forma en que lleva sus gustos personales a la pantalla es tan única, tan brillante y gozosa, que también enamora a millones de personas por el camino.

El comienzo de Reservoir Dogs, los títulos de crédito de Death Proof, la escena del bar en Malditos Bastardos, Di Caprio con el martillo en una mano y un cráneo en la otra, el baile entre Uma y Travolta, la lucha entre Thurman y Lucy Liu bajo flores de cerezo... Es el director que más escenas ha dejado grabadas en mi mente. Cuando pienso en cine pienso en Tarantino, cuando pienso en una buena banda sonora sólo escucho en mi cabeza la de Pulp Fiction... Pero es que también está "Little Green Bag", "Stuck in the Middle of You", "Bang Bang", "Chick Habit", "Hold Tight!"...

Por último, y volviendo de nuevo a "Pulp Fiction", no ha habido película que más me haya marcado. Hay historias mejores, montajes más acertados y pocos actores más talentosos que los que la protagonizan. Pero es, sin duda, una joya de la que todo el mundo debería tomar nota. Sobre cómo hacer cine sin traicionarse a uno mismo, y, al mismo tiempo, convertirla en un film de culto aclamado hasta 20 años después de su estreno. Es difícil, pero Tarantino consigue este efecto en cada obra de arte que sale de su jodida mente, y por eso tanto él como "Pulp Fiction", para mí, son los mejores de la historia.