Observando el cartel ya nos hacemos una idea de lo que veremos en pantalla y si se ha visto la obra de teatro esa idea todavía es más clara. Letras rojas, colores subidos, mucho contraste y cuatro rostros apilados y oprimidos con expresiones distintas que simbolizan personalidades diferentes. La popularidad de los actores y actrices hacen que la oferta sea más atractiva y puede condicionar la reacción del público, especialmente si sigue la producción audiovisual catalana. Tan solo con esa imagen, y el texto, ya apetece ir a verla. Es curiosa, y cierta, la frase: “La comèdia catalana de l’any. Bé, potser també l’única” que podemos leer en el cartel. Hay otras películas sobro escapes rooms o similares, y al menos una tiene el mismo título, pero en este caso, a pesar de ser de género, la calificaría principalmente como comedia.

El hecho de tener tan pocos personajes, básicamente solo dos parejas, requiere de una historia que no decaiga y esto lo consigue mostrando una serie de pruebas ingeniosas y divertidas que forzarán a los participantes a afrontar la verdad.

La adaptación del lenguaje teatral al cinematográfico no siempre funciona, pero en este caso el resultado es inmejorable. Al contar con los mismos actores que en la obra de teatro, exceptuando Ivan Massagué, se nota una gran complicidad y fluidez entre los actores (y actrices). Haber representado un papel tantas veces en teatro es una ventaja pero también puede complicar la adaptación interpretativa al cine, que es un entorno diferente. Es cierto que las películas no tienen la calidez y proximidad del teatro pero ofrecen recursos muy interesantes como la gran variedad de planos posibles, los flashback, la fotografía, la edición del sonido, etc. y esto sabe aprovecharlo el director.

La película funciona muy bien tocando diversos géneros y temáticas, pero es, sobre todo, una cómica reflexión de la hipocresía de nuestra sociedad. Trata de las convicciones cerradas y retroalimentadas que nos limitan y de lo próximos que estamos unos de los otros a pesar de que podemos sentir, e incluso creer, que somos mejores los demás. Condicionados por las circunstancias y los deseos no somos seres de una forma concreta, ni somos verdad absoluta, sino que más bien somos una mezcla que incluye la mentira y la debilidad. El engaño no es solo hacia los otros sino, principalmente, hacia nosotros mismos. Es de aquellas películas que cuando acaba continúa puesto que quieres seguir comentándola.

Cuesta encontrar buena comedia, que enganche, y todavía más superar la sonrisa y acabar riendo con ganas. En este caso los personajes nos atrapan y nos vemos identificados en sus comportamientos un tanto exagerados como corresponde a toda buena comedia.

Por todo el expresado, y el éxito teatral que todavía dura después de más de 500 funciones, la película promete y lo mejor de todo, no decepciona.

Su estreno será en los cines de Cataluña el próximo 11 de marzo. Os la recomiendo.

Se trata de una ficción política muy próxima a la realidad que nos muestra los mecanismos electorales para elegir y preparar, “adiestrar” como se dice en el film, a un candidato.
Pauline es una enfermera muy popular en su pueblo y por ello atrae el interés de la maquinaria electoral del Frente Nacional. Ella podrá darles acceso a la gente del pueblo para conseguir votos y llegar al poder. Su jefa y líder del partido es Agnès Dorgelle, un calco de Marie Le Pen afinando así el objetivo de la sátira.

La falsedad, el marketing, la falta de escrúpulos,… que hay en los partidos políticos se muestra aquí de forma clara y bastante cómica. Lo lamentable es que es muy real.

Las actuaciones son muy correctas destacando Émilie Dequenne y el siempre efectivo André Dussollier.

La película nos avisa de los problemas del extremismo que puede extenderse fácil y rápidamente por nuestra condición humana que nos lleva a aceptar más fácilmente que la culpa es de los otros antes que admitir nuestros errores y defectos. Los extranjeros, de un mundo que es de todos, serán fácilmente identificados y clasificados como problema. Una vez etiquetados como causa de todos los males, los “verdaderos” franceses podrán estar tranquilos y unidos frente a un enemigo común que actúa como factor de cohesión.

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Marjorie, que da título a la película, es una mujer de 86 años que vive con su hija y su yerno junto a una representación holográfica (un prime) que le ayuda a llevar mejor la vida sin su marido. Un software se encarga de confeccionar y perfeccionar la personalidad del ser querido del que no puede despegarse. En este punto recuerda a Her. Puestos a elegir opta por la imagen de su marido en sus mejores años y una personalidad que por mucho que quiera será reflejo de lo que ella misma recuerda y creyó entender de esa otra persona.

Este planteamiento es la semilla para reflexionar sobre el peso de la memoria y los recuerdos sobre nuestra forma de actuar y lo que somos. Sin quererlo, y tal vez sin verlo, Marjorie convive con un sustituto del ser querido que seguramente difiere más de este de lo que ella cree, o no. En todo caso, no voy a hacer ningún spoiler pero queda claro que la opción de poder retener “de alguna forma” a los seres queridos es apetecible para toda persona que pueda permitírselo.

El holograma, tan perfecto que puede deformar la superficie del sofá cuando se sienta (ejem, ejem), representa a la máquina que al asumir los recuerdos como propios se va humanizando y parece sentir hasta el punto de que, tal vez, podría llegar a dejar de percibirse a sí mismo como máquina.

Esta adaptación al cine de una pieza teatral de Jordan Harrison, nominada al premio Pulitzer, deja la sensación, por el tono y contenido, de haber visto un capitulo largo de Black Mirror. Más aún teniendo en cuenta el casi total protagonismo de Jon Hamm que pudimos ver en el genial capitulo: Blanca Navidad. Precisamente como parte de una obra teatral su planteamiento escénico es simple, contando básicamente solo con cuatro personajes representados por actores de renombre y la acción desarrollada en un único lugar. El continuo dialogo y la escenificación puede llevarnos a la sensación de lentitud pero es fundamental para desarrollar las relaciones entre ellos y sus efectos.

Las reacciones de los espectadores en la proyección de cines El Prado en Sitges, este año con butacas nuevas, fue muy variada pero pienso que no defraudó. En este caso el tráiler muestra claramente lo que vamos a ver.

En fin, es de las películas que si se quiere se le puede dar vueltas y preguntarse cosas como: ¿Son fiables los recuerdos?¿En qué medida se ajustan a la realidad?¿Importa?¿Qué futuro tiene nuestro pasado?¿Cómo se generan y cómo cambian los recuerdos?¿Es necesario corregir el recuerdo de otra persona si tal como lo conserva le ayuda a vivir?...

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Es un potarro, es muy buena. Lo desarrollo:

Ya el tráiler me resulto atractivo por la profundidad de la historia que se intuía. Me atrajo la simplicidad y hasta una cierta comicidad al observar el clásico fantasma de sábana con agujeros tan arraigado en el imaginario popular. Imagino que debajo de la sábana no estará Casey Affleck.

El personaje, desprovisto de expresión, está atrapado en una simple tela blanca que cual muro retiene su alma prisionera. El fantasma es un alma en pena que deambula perdida observando y sin poder comunicarse de forma clara. Quizás tampoco sepa qué decir.

El escaso diálogo hace que las imágenes tengan más peso, aunque se debe prestar atención a éste. La duración prolongada de las escenas sin cambiar de plano hace que la historia penetre en el espectador y comparta, en parte, el tedio del fantasma que ve sin poder cambiar las cosas. Ese tiempo también sirve para reflexionar, aunque a veces nos dé la sensación que el director se ha ido a hacer unos recados y ha dejado la cámara grabando y que el montaje no les ha costado mucho.

En todo caso, la sencillez de la película contrasta con la profundidad de lo que cuenta. Habrá gente que igual piensa que es de miedo, más habiendo sido proyectada en el Festival de Sitges, pero es más bien un poema visual.

La canción principal es tan pegadiza como la película, que se quedó atrapada entre mis pensamientos, agarrada. Es una película que plantea muchas cuestiones. ¿Quedará algún recuerdo de nosotros? ¿Importa? ¿Qué le retiene? ¿Para qué escribo esto?

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Basada en hechos reales nos sumerge en la dura realidad de las mujeres tunecinas que como en prácticamente todo el mundo sufren discriminación. La acción se desarrolla tras la primavera árabe y por tanto los estamentos oficiales están muy alerta y por otra parte, hay gente con el ánimo de defender sus derechos.

La película está estructurada en nueve partes y cada una de ellas es un plano secuencia. Me parece todo un acierto hacerlo así porque el plano secuencia nos integra más en la historia al no haber cortes ni cambios de plano que por otra parte serían innecesarios y solo distraerían. A nivel técnico siempre me ha parecido muy difícil el proceso de rodaje de un plano secuencia y es de agradecer ver películas que lo tienen. Igual el montador también lo agradece.

Esta historia nos quiere mostrar como equivocadamente existe la creencia de que ver a una mujer vestida de una determinada forma da derecho a todo. La protagonista en el primer acto se mancha el vestido y uno más provocativo le viene dado sin tener elección. Una situación accidental que a la vista de las autoridades refuerza su derecho a actuar impunemente. Me gustó mucho que al final saliera con una manta para taparse “e ir decente” y que la llevará puesta como una capa de superheroina. Realmente es una heroína porque muchos de los hombres más valientes no habrían soportado la presión, coacción, amenazas, insultos y agresiones que ella sufre y a pesar de ello llegar hasta el final con todas las consecuencias. Los policías fueron condenados a 15 años de prisión. Espero no haber hecho un spoiler de la película. En todo caso es una historia real que trascendió a los medios. Me pregunto: ¿Cómo impacto en la sociedad tunecina?

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