Gomorra es una obra madura que sitúa a Matteo Garrone en el punto de mira de los nuevos directores europeos a tener muy en cuenta. ¿El nuevo Ken Loach, he oído por ahí? Yo diría que Garrone es la prolongación del maestro Pasolini (o más bien su reencarnación) en el siglo XXI. Estoy convencido que ésta es la película con la que Pasolini hubiese querido "reaparecer". Por muchas razones: es realista, yo diría que hiperealista, documental, dura, directa, desnuda, tremenda, dolorosa y muy cruda (como lo fue Mamma Roma o Accatone en su momento, salvando las distancias y las temáticas, claro está).

Además de lo anterior, Gomorra es una película necesaria para Italia, por su veracidad y honestidad. Es la película que todavía nadie ha hecho en España sobre "lo nuestro" (igual de triste, sangriento y sórdido que la Camorra). Esta Gomorra roja y negra rezuma cine de calidad por los cuatro costados. Garrone rueda como uno de los grandes, no hay momentos vacíos o escenas innecesarias. El uso del sonido, de la poca música que utiliza, de la fotografía y de los espacios amplios es ejemplar. Es la otra cara del cine mafioso (el que nos han retratado Coppola, Scorsese, De Palma y por supuesto Romanzo Criminale de Michele Placido), y es la otra cara de la moneda porque huye del glamour, de las intrigas familiares y los dilemas morales: Gomorra va directa al grano, a las raíces ponzoñosas y arraigadas del "sistema", sin debilidades ni aspavientos. Toda ella se resume con acierto en la escena en la que le preguntan a Tottó: ¿Y tú, estás conmigo o contra mí? Sin más.

Saving Grace llega algo tarde al panorama televisivo. Ahora que ya todo está más que visto, ahora que estamos ya un poco hartos de tantos doctores insoportables, amas de casa de postín y similares, las aventuras de Grace me parecen menos interesantes de lo que prometían. La idea es buena (faltaría más): una policía algo perdida en busca de rendención ayudada por un ángel de la guardia sui generis y la acción transcurre con más interés que decaimiento, sin embargo, no acaba de cuajar todo ello. No sé si serán las ínfulas de querer ser la gran nueva serie americana, cuando todo parece hecho al milímetro para el lucimiento de su protagonista. Protagonista eso sí que brilla a gran altura. Hunter realiza una soberbia interpretación que ya la ha puesto a las puertas del Emmy y del Globo de oro. Se nota que está detrás de todo y cuida el personaje.
Por eso, Saving Grace no es todo lo buena que se intuía o podría ser, pero aun así es otra muestra más del buen hacer americano en estos menesteres, que por enésima vez nos vuelven (a la ficción española) a dejar en el ridículo más espantoso.

Buff, en vaya berenjenal se ha metido el maestro Coppola!
La novela que adapta se las trae. Difícil en su concepción cinematográfica, porque lo que suena bien en papel no siempre puede plasmarse con acierto en la pantalla. Por lo tanto, un "comeback" arriesgado el del director de Apocalipsis now.
¿Era necesario? No se yo. Bien es cierto que Coppola nunca se ha conformado con hacer una película, siempre ha querido ir un poco más allá y demostrar que en sus manos todo vale, todo adquiere grandeza y se convierte en sublime.
En Youth without youth esto no ocurre, claro está. Esta película no es sublime, ni estará por méritos propios en la antología de lo mejor del italo-americano (en donde sí estará prácticamente todo el resto).

En Youth without youth, Coppola brilla en su faceta tras la cámara como siempre. Su concepción de la escena, su configuración estética, los ángulos de la cámara son soberbios. A eso ayuda la hermosísima fotografía y la puesta en escena. Sin embargo, pese a todo ello, en esta ocasión esta inundación de belleza plástica en la pantalla acompaña en lo justo a la historia, porque a esta le falta fuerza narrartiva capaz de mantener al espectador en tensión durante dos horas.

A un amante de Coppola como yo, lo visto le satisfará por los años perdidos, pero no embriaga como se espera de su talento.

Pese a todo ello, Youth without youth es una película arriesgada, diferente y me temo que, aunque teniendo en cuenta el desajuste narrativo evidente, una película incomprendida e injustamente vilipendiada y olvidada por todos. ¿Será para tanto? Yo aplaudo el esfuerzo y las ganas del director por cambiar y agradezco ese acercamiento a la psique humana y a la búsqueda de la verdadera esencia del hombre -tan difícil de plasmar en imágenes- que lo lleva irremediablemente a nuestro Julio Medem e incluso al inclasificable David Lynch.

¿Quien teme a Virginia Woolf? es un verdadero ejercicio de estilo narrativo y actoral condensado en dos horas de diálogos y situaciones explosivas que nos llevan al Elia Kazan más potente de los cincuenta.

Sí, sin duda alguna, esta excelente película bebe del cine americano de los cincuenta, de la narrativa del genial Tennesse Williams y del magnífico soporte que es la disección sin cortapisas de la sociedad americana. Una sociedad que, para bien o para mal, ofrece unas posibilidades a aquellos que las analizan que van más allá del mero estudio sociológico.

El sensacional escritor sueco Söderberg decía en su obra maestra Gertrud (la misma que luego llevaría a la gran pantalla el imprescindible Dreyer) "A true soul need not hide his thoughts". Pues bien, el tandem Ernets Lehman-Nichols retoman la cita para reinterpretarla de la manera más cruda posible, a saber, la oscuridad y la decadencia acaban por destruir la esencia misma del hombre.

Esencia que por alusión invade a la pareja, icono de tranquilidad americana que aquí se desmenuza con especial sangría dialéctica: frustración, dolor, perlas de la desidia (esos continuos insultos), bacanal reprimida, represión explícita. Elementos que sucumben a la realidad más obvia: no hay animal que soporte la soledad.

Esta película, obra de teatro televisada o lo que se quiera, no sería lo que es sin ese cuarteto protagonista que, en mi opinión, pocas veces ha estado tan brillante: un apoteósico Burton-Taylor que trasciende la realidad para convertirse en una de las mejores interpretaciones de pareja de todos los tiempos. A la zaga, brillantes Sandy Dennis y George Segal.

Ellas se hicieron con sendos Oscars, ellos se quedaron a las puertas.

En fin, obra maestra sin contemplaciones que permanece intocable al paso del tiempo.

El director francés Claude Lelouch ha ido desarrollando su más que interesante carrera a la sombra de paisanos más conocidos como Godard y Truffaut. Sin embargo, su filmografía está plagada de interesantes películas y alguna que otra notable, como es el caso de esta Toute une vie, nominada al Oscar en 1975 al mejor guión original.

Poco antes, Lelouch lograba sus mayores cotas de popularidad con Un hombre y una mujer, película generacional que le valió dos estatuillas: mejor guión original y mejor película extranjera, además de suponerle una nominación como director y brindarle la nominación a mejor actriz a la siempre deslumbrante Anouk Aimée. También fue Palma de Oro en Cannes.

Toda una vida es una evocadora y nostálgica película que a la sombra del recorrido generacional de sus protagonistas nos mete de lleno en la historia reciente de Europa. Personajes fríos y tristes imagen de una sociedad de valores materiales, en donde las prioridades de la vida de unos chocan frontalmente con las necesidades emocionales y vitales de otros. En este contexto, Lelouch va describiendo con maestría en la disección de personajes varias historias íntimamente ligadas con un trasfondo que deja ver luz y esperanza pese a todo.

Autor a redescubrir urgentemente, me ha llamado muchísimo la atención los poquísimos votos de esta película.