Cuatro troncos de distintos tamaños tratan de sobrevivir a una noche de frío invernal. Cuando el fuego de la hoguera comience a apagarse deberán sacrificar partes de su propio cuerpo para avivarlo...

De tan escabrosa premisa parte esta producción suiza que indaga superficialmente en el conflicto fruto de la supervivencia: la imposición de la ley del más fuerte por encima de la solidaridad y el apoyo mutuo. Con una animación simple, pero efectiva, establece una negrísima sátira del egoísmo, tan directa como triste.

En tiempos como los que vivimos de pandemias y crisis globales cortos como este me resuenan especialmente, debemos dejar de lado el darwinismo social imperante y desempolvar al viejo Kroprotkin, flamante defensor de la solidaridad social. Ahora, más que nunca, debemos estar unidos como sociedad, como humanos, como sistema...

Max J. Liebhart ------------- 27/03/2020

Aleksandr Petrov aprendió del venerado animador ruso, Yuriy Norshtein, el significado de la dedicación y el esmero para concebir una identidad creativa propia. Todas sus obras se elaboran con paciente artesanía.

Valiéndose de la técnica de la pintura al óleo y al pastel, pero sin apenas utilizar pinceles, Petrov dibuja
directamente con sus dedos en láminas de cristal. Así, crea, moldea y distribuye pacientemente los más de 30.000 planos que componen de media sus obras.

Obras marcadas por el romanticismo clásico, entre la intimidad y la nostalgia. Explorando el surgimiento del primer amor o la frustración del deseo reprimido en personajes envueltos en bellos paisajes impresionistas. Auténticos cuadros en movimiento que nos sumergen en atmósferas oníricas, fantásticas o surrealistas. Todo ello, basándose en las historias de los grandes literatos rusos desde Dostoievsky a Platonov, Chéjov o Pushkin.

En este cortometraje adapta, precisamente, el relato del novelista y poeta Alexander Pushkin sobre la Rusalka, ninfa de agua del folklore eslavo equivalente al mito de la sirena. Conocida también como la bruja del río, seducirá en esta historia al discípulo de un viejo monje. Entre juegos y paisajes lo enamorará profundamente para desgracia del maestro que recordará tiempos pasados de amores, obsesiones y desengaños. Sumergiendo su memoria en la fantasía, mezclando el recuerdo con la epifanía del amor juvenil desatado y sincero que envuelve a su aprendiz en el canto de la Rusalka. Cuestiones que se reflejan sin necesidad de diálogos gracias al dominio pictórico de Petrov, cuya paleta de colores refleja la calidez del recuerdo y lo contrasta con la frialdad del paisaje. Asimismo, el trabajo de sonido crea un aura de intimidad paulatinamente corrompida como en un cuento retorcido.

Petrov, una vez más, une pintura y literatura para crear poesía visual con sensibilidad y delicadeza. Un impresionante ejemplo de animación pictórica que alcanzaría su cenit en "El viejo y el mar" (1999) y "Mi amor" (2005) sus sucesivas obras maestras. Es una verdadera lástima que desde 2010 no haya contado con fondos suficientes para realizar otros largometrajes y se haya dedicado íntegramente a la publicidad desde entonces.

Osamu Tezuka, el "Dios del Manga" y pionero de la animación japonesa experimenta con la perspectiva en primera persona de un niño que salta y rebota cada vez a más altura y distancia. Un efímero viaje entre espacios y tiempos, entre parajes rurales y urbanos, donde cada salto resulta una aventura y cada aterrizaje una sorpresa.

Tezuka aboga por la técnica artesanal, con más de 4000 dibujos, sin CGI ni rotoscopia, consiguiendo una animación fluida y sin cortes con gran detalle en los espacios gracias a la variedad de la paleta de colores que define el ambiente además de colorearlo. El dominio del trazo y de la perspectiva logran que resulte toda una experiencia cinética e inmersiva. Sin duda, un cortometraje innovador, tan dinámico como divertido. Recomendable.

La mirada de un pintor que se sumerge en su obra e imagina, visiona y entreteje en sus recuerdos, paisajes polimorfos al son del claro de luna. Valiente el artista que se atreve a inmortalizar en un lienzo, en una hoja, en un encuadre el río de Heráclito, este mundo de espejos y laberintos que diría Borges y que resuena aún más en ese inesperado final. Preciosa metáfora del proceso de inspiración y creación artísticos.

Jacques Drouin elabora esta obra inspirado por las experimentaciones de Norman Maclaren con la estética pictórica del regionalismo más puro. Enmarcado en una generación de talentosos animadores canadienses (Co Hoedeman, Michèle Cornouyer, Caroline Leaf...) destaca por su maestría con una técnica de animación de gran laboriosidad, la pinscreen animation.

Dicha técnica consiste en la manipulación de una pantalla de millares de pinchos cuyos relieves forman sombras y texturas muy expresivas que aportan gravedad a las imágenes. Mediante el uso de la luz y el trabajo compositivo se elaboran y se animan los fotogramas manualmente, uno a uno. Un trabajo extremadamente tedioso y demandante que ha llevado casi a la extinción esta práctica. Drouin es el último baluarte dedicado íntegramente a esta tradición con apenas siete obras tras más de cuarenta años de trabajo. Paciencia y perseverancia dan sus frutos en este poema visual conservado para la posteridad en el NFB (National Film Board of Canada) de acceso público universal en su web oficial. Vale la pena explorarla pues todos los trabajos de Drouin y otras perlas de la animación canadiense están colgados allí para su reproducción en streaming.

Como curiosidad final, el corto animado al inicio de El proceso (1962) está realizado con pinscreen-animation. El mismo Orson Welles se interesó por la técnica y contactó con sus inventores, el matrimonio Alexeïef-Parker, (maestros del propio Drouin) antes de la producción de la película para que adaptaran la famosa parábola kafkiana.

Triste y poético alegato antibelicista que sigue la historia de un niño arrebatado de su familia y convertido en soldado a la fuerza. Producido con la laboriosa y muy singular técnica de animación en pantalla de pinchos cuya textura de sombras aplica una estética lúgubre y deprimente que agudiza la dureza del relato. La impotencia del contexto se realza igualmente con el componente estático de este estilo de animación, que se realiza moldeando fotograma a fotograma los pinchos, resultando prácticamente en la sucesión de cuadros expresionistas. Imágenes como las de la iglesia en fuego que se transforma para evocar una cara que recuerda a la del personaje de El Grito de Munch son ejemplo de la crudeza simbólica del contexto y de la asociación pictórica del cortometraje. Transiciones fúnebres y música elegíaca de coros infantiles cierran el corto por aquellos niños de inocencia perdida...