Es un ligero drama basado en hechos de la vida real, que narra la historia de cómo el famoso jugador de fútbol americano Michael Oher (interpretado por Quinton Aaron), es rescatado de su lamentable vida sin salida (abandonado desde pequeño, sin acceso a la educación, sin un hogar estable donde vivir), por una señora adinerada e interesada en obras benéficas, Leigh Anne Touhy (interpretada por Sandra Bullock), quien le ofrece así una oportunidad de ser alguien en la vida.
Es una película muy digerible, y apta para todo público. Si bien, la historia no es una luminaria en esta rama, bien logra su cometido, ya que el espectador se adentra al filme y participa en el desarrollo de los acontecimientos. Tiene altas dosis de dramatismo y resulta plenamente conmovedora cuando el director muestra cómo era el estilo de vida de Oher y su transición hacia el éxito. En el papel que juega la Sra. Touhy, van inscritos muchos mensajes de esperanza, de amor al prójimo y de que los sueños pueden hacerse realidad.
No obstante, el plato fuerte de este filme, es la cautivadora interpretación de Sandra Bullock como la Sra. Touhy. Si bien no es una actuación altamente elaborada o que requiere cambios físicos para el actor, Sandra logra lo que se propone. De manera sencilla, se muestra muy fuerte en cámara y se mete al bolsillo al espectador, quien de manera fraternal comparte sus vivencias y decisiones dentro del desarrollo de la cinta. La mayoría de nosotros como cinéfilos, estamos acostumbrados a ver a Bullock en parodias y comedias románticas y resulta sumamente agradable ver que una de nuestras predilectas actrices demuestre su calidad en una cinta de este calibre.
Cabe destacar también las actuaciones secundarias de Kathy Bates, Tim McGraw, Jae Head y Lily Collins, que aunque son papeles sencillos, muy bien acompañan la trama y constituyen así una genial familia que calan en el gusto de la gente, brindando al espectador dosis de drama y de humor de muy buena calidad.

¿Es ‘Kung Fu Panda’ una historia original? Con toda seguridad, no. Po es un oso panda, hijo adoptivo de un ganso que posee un restaurante con las mejores sopas de fideos del lugar. Sueña con ser un mito del kung fu, una leyenda a la que la multitud respete y alabe. Por supuesto, en cuanto despierta se da cuenta de la cruda, monótona y poco atractiva realidad que vive día a día, y que cumple a rajatabla para no defraudar a su padre. Cuando se entera de que los maestros Oogway y Shifu van a elegir al nuevo guerrero dragón para defender al pueblo de la posible fuga de Tai Lung, el más temido preso de la cárcel, no puede evitar acercarse al evento para disfrutar del espectáculo que tanto le motiva. Por un enrevesado accidente, Po, que había llegado tarde y no podía entrar, se planta justo delante de los maestros. Pero como dice Oogway, los accidentes no existen, y Po es elegido el nuevo guerrero dragón.

La película juega con los ejes argumentales (a veces hasta los parodia) de las películas sobre artes marciales, se permite el lujo de hacer guiños al cine de Akira Kurosawa, e incluso se refleja levemente en ‘Mulan’, película de animación de 1998 de la archirival Disney. La evolución que sufre Po, hijo de un modesto restaurador hasta aparecer como la única esperanza del pueblo cuando Tai Ling se escapa, es de lo más predecible y en ese sentido ‘Kung Fu Panda’ puede verse como un producto únicamente destinado a niños que verán en ella una película muy divertida, decente y sobretodo llena de humor. Algo curioso es que, siendo una película ambientada en China, los personajes no tienen rasgos asiáticos puesto que todos son animales, algo que al principio choca bastante pero a lo que no se va acostumbrando a lo largo del film.

‘Kung Fu Panda’ no es ninguna obra maestra, y de hecho no tiene punto de comparación con la perfección estética que aborda Pixar en cualquiera de sus títulos recientes, pero sí supone un paso adelante en la tónica habitual de Dreamworks, que últimamente iba en continuo declive con las mediocres ‘Madagascar’, ‘Vecinos Invasores’ y ‘Bee Movie’. Lo que ‘Kung Fu Panda’ tiene de divertido lo tiene también de poco original. Es decir, que arranca del espectador tantas carcajadas como sensaciones de deja vù. Por suerte, la trama, cuanto más avanza, más rica se muestra en cuanto a que uno termina por creerse que el protagonista no será capaz de lograr la misión que se le ha encomendado y se mantiene a la expectativa. Es la típica historia de un personaje hecho a sí mismo, que persiste hasta obtener aquello para lo que se siente elegido, y que sólo necesita que crean en él.

Mil y una veces hemos visto la misma historia, el mismo canto al perdedor, al hombre vencido por las circunstancias que se resiste a ser borrado al mismo tiempo que se pregunta cuánto de culpa tiene él en su situación y si no se lo tendrá bien merecido, y que encuentra una última oportunidad de redención, de resurrección. Y la veremos mil y una veces más y todas y cada una de ellas funcionará si la cara la da un actor como Jeff Bridges y proporciona un recital interpretativo como en Crazy heart (Corazón rebelde) la película de Scott Cooper con la que se ha adjudicado el premio Oscar al mejor actor protagonista.

Bad Blake (Bridges) es un cantante de música country cuya vida transita al margen de los grandes circuitos musicales y que arrastra una existencia nómada por locales de segunda y tercera clase tras el fracaso de sus múltiples matrimonios y demasiados años de apego al alcohol. Sin embargo, en una de esas paradas en medio de ninguna parte que surcan el oeste norteamericano, conoce a Jean (Maggie Gyllenhall), una joven periodista madre de un hijo a través de la que descubrirá su verdadera naturaleza bajo la pared de rebeldía y cinismo que ha levantado para los demás.

Crazy heart (Corazón rebelde) es al mismo tiempo bella y fea, con un estilo tan agradable como ocasionalmente incómodo, el guión no logra huir del todo de ciertas tentaciones sensibleras y cae en situaciones previsibles cuya respuesta emocional es la habitual, la indiferencia del espectador ante el sabor de ‘ya visto’ o, por el contrario, la turbación más conmovedora, según gustos. Sin embargo, la interpretación de Jeff Bridges (sostenido por pequeños papeles de Colin Farrell o Robert Duvall) es tan brillante, tan ajustada como un guante al personaje, tan creíble, que bien pudiéramos pensar que se trata de una vieja gloria del country que se interpreta a sí misma. Se mimetiza tan bien con Bad Blake que, incluso en los momentos más denigrantes, está constantemente poseído de un irrefrenable magnetismo, y dota a su personaje de estilo, fuerza e incluso de encanto. Consigue despertar piedad y admiración, empatía y tristeza, compasión y afecto. Es la nota rescatable, encomiable, de un producto, el de Scott Cooper, en todos los demás aspectos, bastante mediocre, tan fácil de ver como de olvidar si no fuera por esa leyenda de la barba, el sombrero y la guitarra que quedará en los anales.

Dirigida por Kathryn Bigelow, narra el acontecer diario de un grupo de especialistas de desarme de explosivos en Irak, de entrada, podríamos pensar que se trata de un filme de guerra más como muchos otros le han precedido, pero este no es el caso de esta cinta.
La genial historia, basada en los escritos del corresponsal de guerra Mark Boal, desde un punto de vista introspectivo, muestra una serie de matices pocas veces visto en lo que a cine de guerra se refiere.
Al hablar de introspectivo, hago referencia a que la trama en el filme se plasma más como una serie de anécdotas vividas por este grupo de especialistas previamente citados, que una cronología de hechos continuos, como estamos acostumbrados al leer un libro cualquiera. De hecho, el filme da la impresión de ser la lectura de un diario o de una especie de bitácora de algún soldado que vivió tales experiencias en carne viva.
Cabe mencionar la genial puesta en escena de la directora, al emplear cámaras de S16 mm, dando un enfoque más realista y personal a la filmación. El juego de cámaras en muchos momentos de la cinta es excelente, y el espectador pasa a ser partícipe en primera persona de los acontecimientos, lo que eleva los niveles de adrenalina en las bien logradas escenas de acción.
Me atrevo a decir que el mensaje es una crítica directa a la guerra en sí. Muestra escenas crudas que enfrentan al espectador con situaciones pocas veces relatadas en los medios de información. El irrespeto a la humanidad, la adicción al conflicto, el derroche y malgasto de dinero que se observa en el portentoso arsenal de guerra de los soldados americanos en contraposición a la pobreza de sus adversarios; son breves elementos que al juntarse poseen un mensaje bien consolidado y bien logrado con el cual el observador puede ahondar y obtener una reflexión sobre el asunto.
Al mencionar el aspecto de adicción al conflicto cabe la pena destacar que la cinta da inicio con un texto del célebre libro de Chris Hedges “La guerra es una fuerza que nos da significado”, muy vendido en el año 2002, el cual cita: “El ímpetu de la batalla es una potente y muy a menudo letal adicción, pues la guerra es una droga”. Este mensaje se afianza con la creación y desarrollo del personaje interpretado por el protagonista Jeremy Renner, un osado, e irreverente soldado que pone en riesgo la vida de su pelotón, con acciones que incluso pueden llamarse suicidas. Muy bien podría ser esto una crítica al ex presidente de los Estados Unidos George W. Bush, por su afán en el desarrollo y continuidad de este innecesario e inconcebible conflicto bélico.