Durante mucho tiempo se pensó que Solaris era la respuesta rusa a 2001, una odisea del espacio, continuación de la famosa carrera espacial entre americanos y rusos, aunque esto no sea del todo cierto. Tarkowsky tenía su propio estilo y no necesitaba imitar a Kubrick para crear una obra minimalista e introspectiva, entendiéndose como observación interior de los propios actos o estados de ánimo o de conciencia, con un ritmo excesivamente pausado, donde el protagonismo es la soledad de los protagonistas, dentro de una intimidad morbosamente observada por el espectador.

Pero al igual que la novela del polaco Stanislaw Lem, Solaris es un estudio psicológico sobre la actividad humana en espacios cerrados llevado a cabo en sujetos inestables emocionalmente, desarrollándose los deseos más íntimos de estos a la vista de los demás, como es el caso del doctor Kris Kelvin, que se aferra al amor de nuevo con la aparición de su difunta esposa Hari, que poco a poco se ira desarrollando con una personalidad propia.

La poesía visual y el simbolismo de Tarkovsky inundan toda la cinta que se rodó en la antigua Unión Soviética y Japón (en concreto el viaje de Kelvin hacia Solaris de forma metafórica por el cinturón de autopistas urbanas filmadas por el director de fotografía colaborador de Tarkowky Vadim Yusov), dando como resultado un profundo discurso filosófico y moral de gran complejidad donde lo que prima es el diálogo del hombre consigo mismo y con sus semejantes más que la comunicación con otro tipo de inteligencias no humanas.

Solaris es lenta, pesada, e incluso soporífera, sin grandes decorados, sin ningún tipo de efecto especial. Solaris es el minimalismo en estado puro dentro del cine y es el reflejo de una etapa en la historia de las relaciones entre EEUU y la URSS. Con Solaris lo más normal es que te duermas o te aburras, o descubras otra forma no convencional de hacer un tipo de cine no apto para todos los públicos. Otra cosa es que te aporte algo, mucho o nada.

Mis respetos hacia el Señor Tarkovsky, y mis disculpas, por no haber disfrutado como el común de los mortales con su obra. Yo soy de los que me he aburrido, pero eso sí, he aguantado estoicamente los 165 minutos de la película, y he de reconocer que lo que mas me ha gustado a sido la escena final, por el simbolismo que tiene y por que ponía fin a casi tres horas de tortura para mis sentidos.

Melville me ha atrapado con este film. La historia es sencilla, un fracasado que pretende ser un triunfador a costa de todo, y un triunfador que empieza su declive. Ambos personajes son egoístas y desconfiados; por momentos Melville consigue engañarnos haciéndonos creer que la confianza se ha adueñado de ambos, pero el recelo seguirá presente. Según avanza el film los dos personajes se van desarrollando cada vez más, se muestran tal como son en realidad, comprobando que el engaño persiste; Melville ha jugado todo el film con nosotros con dos personajes que hasta el último minuto no vamos a conocer realmente como son.

Esta película supone en el realizador francés el abandono del blanco y negro junto a un entorno no francés como es Nueva York y las carreteras americanas con sus moteles y paisajes; otra característica es el abandono del genero "polar" o cine policíaco francés, dando como resultado una de las cintas más sinceras y profundas del realizador, centrándose en un relato de carácter psicológico. Un punto en su contra es el exceso metraje paisajístico del que Melville abusa y que termina pasando factura al film.

“Hay tres tipos de hombres: las ovejas, los leopardos y los chacales. Todavía no sé a qué tipo pertences tu, pero me gusta tu cara”. Esta frase de Fechaux nos acerca a la indecisión de los personajes, ya que ninguno de los dos sabe realmente como es el otro y como es uno mismo.

El tema de la huida es tomado no como una forma de escape, sino como una aventura que nos adentra en el universo de estos dos personajes tan distintos y tan iguales.

La cinta por momentos tiene un ritmo tedioso, con personajes secundarios poco definidos que aparecen y desaparecen de repente, aportando solidez y definiendo a los dos protagonistas. La voz en off no molesta sino que sirve de hilo narrativo conductor y explicativo del mismo.

En general creo que es una cinta bastante acertada y bien realizada, con una historia muy bien definida y dos pesos pesados del cine francés como Belmondo y Charles Vanel. Stefania Sandrelli erotiza en su corta aparición la cinta. Muy interesante y agradable de ver.

Primera película de Chaplin estrenada el 2 de febrero de 1914, en la que todavía no aparece con su indumentaria de vagabundo característica; esto será en su siguiente film "Kid Auto Races at Venice" que se estrenara cinco días después de este.

Como curiosidad el travelling en el que Charlot sale corriendo y el accidente del coche rodando por el precipicio, aparte de la escena de cama; muy buenos comienzos. También podríamos estar ante la primera película de cine dentro del cine, ante la toma del coche despeñándose por el barranco y la filmación posterior del accidentado.

Chaplin hace un personaje de jeta caradura y aprovechado, con su comicidad característica.

La cinta se realiza con planos fijos que van acortando su duración según avanza el film, con un montaje de los mismos que da celeridad y ritmo a la película.

Curiosa y entretenida.

Principales motivos para ver “ La senda tenebrosa”.

- Una historia bien construida que avanza con fuerza sin necesitar de la presencia de Bogart. Los personajes van apareciendo y desapareciendo de la trama (el taxista, el doctor) y dan paso a nuevos rostros que terminan de definir el argumento.

- El personaje de Vincent Parry. Toda la historia gira a su alrededor. Desde el principio toma el protagonismo absoluto junto a la bella Irene, siendo esta la estrella que inunda la pantalla gracias a la cámara subjetiva que durante casi una hora protagoniza el film antes de la metamorfosis de Vincent Parry.

- La alternancia de luces y sombras en función de escenas nocturnas y diurnas ayudan a mostrar un retrato de la ciudad de San Francisco desde casi todos los planos. La ciudad se nos presenta desde el coche de la bella Irene atravesando el puente de San Francisco de forma inigualable.

- La pareja Bacall y Bogart en una compenetración osmótica reforzada por su matrimonio y por la maestría de sus interpretaciones. En todas sus películas Lauren Bacall irradia belleza, pero en esta cinta esta resplandeciente.

- Cine negro del bueno, humo y cigarrillos, Bogart con su traje, Bacall con su melena, Agnes Moorehead haciendo de bruja en un anticipo de la famosa serie que la encumbro a la fama (Embrujada), el cirujano plástico, las calles de San Francisco, uno de los mejores comienzos del cine negro, etc, etc, etc.

Por todo esto y por todo lo que he disfrutado con esta gran obra un merecidísimo 8.

Pues tendría que decir "ole tus cojones Herzog", me quito el sobrero. ¿Porque no se me ha ocurrido a mi este final para mi novela?
Yo le diría: tu novela esta bien Bram, no te preocupes, Herzog se ha rallado y te ha cambiado un poco el final, pero tu tranquilo Bram, no te sulfures.
Stoker era un genio; Herzog es otro genio en otro momento.
No voy a entrar en tecnicismos, ya se ha dicho todo de esta película: actores, fotografía, ambientación, música... Bueno, si, voy a decir que todo es magistral, sencillamente inigualable.
Esta es la película que Stoker habría querido para su novela (ignorando los cambios que realiza Herzog claro). Ningún Drácula la iguala, porque es imposible. La ambientación es insuperable, sobre todo en el castillo del conde, que todavía me dan escalofríos pensando en el. Los paisajes trasmiten el mismo acojone. Expresionismo en estado puro, tanto como en el film de Murnau.
Imprescindible para cualquier amante del género, frikis varios, gafapastas de filmoteca y para cualquiera que quiera y pretenda saber sólo algo de cine.