La película Barbie se erige como un poderoso alegato a favor del empoderamiento femenino, la igualdad de género y la inclusión, al tiempo que abarca una amplia gama de teorías feministas y filosofías de género. Desde su representación inicial de Barbieland como una sociedad matriarcal, hasta la exploración de la identidad y la lucha por la aceptación en el mundo real, la película es un hito en la historia del feminismo en la pantalla grande.

La concepción de Barbieland como una utopía matriarcal, donde las mujeres ocupan roles de liderazgo en diversas esferas de la vida, refleja una visión feminista de cómo el mundo podría ser si se superaran las barreras de género. Esta idea se asemeja a los planteamientos de autoras como Simone de Beauvoir, quien abogaba por liberar a las mujeres de la opresión histórica y abrir espacios para su autonomía y autorrealización. De Beauvoir argumentaba que la mujer ha sido considerada como "el otro", subordinada al hombre, y su emancipación requería trascender este estatus para lograr la igualdad.

La trama de la película, con Barbie enfrentando una crisis existencial y descubriendo que ya no cumple con los ideales físicos estereotipados, presenta una oportunidad para una exploración en profundidad de la identidad de género y la autoaceptación. Este viaje de autodescubrimiento recuerda la perspectiva de Judith Butler sobre la performatividad de género, donde la identidad de una persona se forma en interacción con el entorno social y cultural en el que vive. La evolución de Barbie hacia una comprensión más profunda de sí misma y su rechazo a la idea de ser definida por los estándares de belleza establecidos es una poderosa afirmación de la individualidad y la resistencia a las presiones externas.

La película también se enriquece con el enfoque en la sororidad y el apoyo entre mujeres, lo que coincide con las ideas de Bell Hooks. La relación de Barbie con otras mujeres, incluidas las distintas versiones de sí misma que encuentra en su viaje, refuerza la importancia de la solidaridad y la camaradería entre mujeres, en lugar de caer en rivalidades y competencias perjudiciales. Para Bell Hooks, la sororidad es un vínculo poderoso que puede desafiar la dominación patriarcal y permitir la liberación de las mujeres.

La elección de Greta Gerwig como directora y escritora, conocida por su enfoque feminista en películas anteriores, agrega una capa adicional de profundidad a la narrativa. Gerwig ha demostrado su capacidad para presentar personajes femeninos complejos y realistas, y su visión para abordar cuestiones de género con sensibilidad y perspicacia, tal como lo hizo en "Lady Bird" y "Mujercitas".

El elenco diverso y ecléctico, que desafía los cánones tradicionales de belleza y apariencia, resuena con las ideas de autoras como Kimberlé Crenshaw y su teoría de la interseccionalidad. Al presentar un elenco que representa una amplia variedad de identidades y experiencias, la película celebra la diversidad y promueve la importancia de abordar las opresiones sistémicas que enfrentan las mujeres debido a la intersección de su género, raza, clase y otras identidades. La interseccionalidad, como teoría, destaca la importancia de reconocer y abordar las intersecciones de opresiones para lograr una verdadera igualdad y justicia.

En conclusión, Barbie trasciende los límites del cine convencional y se convierte en un alegato inspirador hacia la igualdad de género, la diversidad y el cuestionamiento masculino. Desde su representación inicial de Barbieland como una utopía matriarcal hasta el enfoque en la sororidad, el apoyo entre mujeres y la interseccionalidad, la película se posiciona como un hito en la historia del feminismo en el cine, enviando un mensaje potente y necesario hacia una sociedad más inclusiva y equitativa para todos y todas. Es una obra cinematográfica que celebra la fortaleza y la diversidad de las mujeres y un llamado a la acción para empoderarlas y reconocer su papel en la transformación de la cultura y la sociedad hacia una visión más igualitaria y justa.

Fui al cine casi sin ganas. He de confesar que no me han gustado mucho las últimas películas del viejo señor Eastwood. No obstante, decidí probar suerte, más por el sugerente argumento del filme -craso error en muchos casos- que por el personajillo que se encontraba tras las cámaras. Y sí, sucedió el milagro.

Ya en la sala, me encontré con una verdadera confesión, no tanto de un logrado personaje -que también-, sino de un director octogenario que ha sido -y sigue siendo- absolutamente brillante.

«Mula» es una película redonda, de principio a fin, que cuenta la historia de un señor mayor que tras haber desatendido durante años a todos sus familiares, decide convertirse en transportista de drogas para un cartel mexicano. No obstante, la verdadera carga no es la droga que lleva de un lugar a otro en su vieja camioneta, sino el deseo de redención, tanto por parte de su familia como de él mismo. Y es esto último lo más difícil de conseguir.

En este sentido: prepárese el futuro espectador/a para reír, llorar, abrazar al de al lado, apretar los puños, mandar callar al señor de delante y, sobre todo, disfrutar.

La película es una buena continuación de una saga que ha sabido cuidar con bastante acierto el misterio en el que se halla envuelta. Tenemos unos buenos personajes, un argumento al más puro estilo 'Alien' y un trasfondo repleto de criaturitas que ansiamos conocer de una vez por todas. Hasta aquí todo bien; no obstante, y al igual que sucedió con su antecesora 'Cloverfield 10', la película es un envase que se va abriendo poco a poco en torno al verdadero mundo de Cloverfield. En la anterior, este envase presentaba una situación asfixiante y caótica, una especie de secuestro casero con muy buen guion, argumento y personajes. En este caso, el envoltorio es otro: una estación espacial que tiene algunos problemillas para completar su misión. Y es en este punto donde quiero detenerme y avanzar hacia la zona spoiler.

Uno de los conceptos centrales de la filosofía existencialista de Sartre es la "angustia existencial". Sartre sostiene que los seres humanos están condenados a ser libres y, como resultado, enfrentan la responsabilidad total de elegir su propia existencia. La angustia existencial surge cuando nos damos cuenta de que somos libres para tomar decisiones y que estas decisiones dan forma a nuestra identidad y nuestro destino. En la película, Josh y Cornelia experimentan esta angustia existencial a medida que reflexionan sobre sus elecciones de vida y enfrentan el hecho de que han envejecido y han perdido parte de su juventud.
La fascinación de Josh y Cornelia por la pareja más joven, Jamie y Darby, representa el anhelo de juventud y vitalidad, así como la negación de la realidad del envejecimiento. En la filosofía de Sartre, esto se conoce como "mala fe". La mala fe es un acto de autoengaño mediante el cual nos refugiamos en identidades construidas socialmente y evitamos enfrentar la verdad sobre nosotros mismos. En la película, Josh y Cornelia son atraídos por la aparente autenticidad y espontaneidad de Jamie y Darby, quienes parecen encarnar la imagen idealizada de la juventud moderna. Sin embargo, en última instancia, esta fascinación es una forma de evadir la realidad de su propia madurez y las decisiones que han tomado en sus vidas.
Además, la película también explora cómo las redes sociales y la tecnología influyen en las relaciones personales y en la percepción de la realidad. En la filosofía de Sartre, esto se relaciona con el concepto de "ser-para-otro". Sartre argumenta que gran parte de nuestra identidad y percepción de nosotros mismos está influenciada por cómo nos ven los demás y cómo nos presentamos ante ellos. Las redes sociales proporcionan una plataforma para construir identidades cuidadosamente seleccionadas y proyectar una imagen deseada de nosotros mismos. En la película, tanto Josh como Jamie tienen experiencias relacionadas con la representación de sí mismos en línea y cómo esto afecta sus relaciones y percepciones mutuas.
A lo largo de "While We're Young", Baumbach nos invita a reflexionar sobre la búsqueda de autenticidad y cómo nuestras elecciones y la forma en que nos presentamos al mundo influyen en nuestra identidad. La película muestra que ser auténtico implica enfrentar la realidad de quienes somos y aceptar nuestras elecciones, incluso si implican envejecer y dejar atrás parte de nuestra juventud.
En conclusión, "While We're Young" dialoga en gran medida con la filosofía existencialista de Jean-Paul Sartre al explorar la angustia existencial, la mala fe y la influencia de las redes sociales en la construcción de la identidad. La película ofrece una mirada reflexiva y conmovedora sobre el envejecimiento y la búsqueda de autenticidad en un mundo en el que a menudo nos sentimos presionados por las expectativas sociales y la idealización de la juventud. La comparación entre la película y la filosofía de Sartre nos permite profundizar en los dilemas y desafíos existenciales que enfrentamos como seres humanos en busca de significado y autenticidad en nuestras vidas