La película cuenta la historia de un pícaro, presumido e inteligente abogado con incontinencia verbal llamado Ulysses que se fuga de la prisión junto a otros dos compañeros, el bruto Pete y el tonto Delmar, con la escusa de encontrar un tesoro antes de que construyan una presa, aunque realmente lo que quiere al igual que la versión Homérica es rescatar a su esposa Penélope. En el trascurso de la búsqueda, se suceden una serie de aventuras desenfadadas y surrealistas en plena crisis financiera de los años treinta.


El folclore y la mitología popular tienen gran importancia en el desarrollo de la historia, ya que el viejo sur era y es reserva nacional de la mitología americana, lo que constituye otro acierto del tándem creador, ya que combina el fantástico argumento de la Odisea, con la mitología sureña en una época difícil para EEUU y en especial en el Sur, donde la superstición y la religión juegan un papel importante. Así se combinan mitos de una y otra parte, como cuando les fue vaticinado por un ciego el futuro a los aventureros en referencia al oráculo de la Odisea, cuando son seducidos por tres bellas mujeres con voces tentadoras en alusión a las sirenas que engañaron a Ulises o cuando fueron asaltados por un vendedor de Biblias de un sólo ojo en homenaje al Cíclope mitológico. También topan con fenómenos locales como el encuentro nocturno con el Ku Klux Klan, la asistencia a una congregación baptista o la continua persecución a la que son sometidos por parte del Diablo encarnado en un Sheriff que quiere llevarlos de vuelta a prisión. También aparecen personajes reales que fueron productos típicos de los años de la Depresión Económica a medio camino entre la leyenda y la realidad como el atracador de bancos BabyFace Nelson o el mítico guitarrista de blues Robert Johnson, que según la leyenda vendió su alma al diablo a cambio de poder tocar la guitarra magistralmente como sugiere la película.


El film adquiere un carácter casi musical gracias a las numerosas escenas donde se interpretan canciones típicas del Sur americano. Ocasionalmente el trío graba un disco en secreto con el fin de obtener dinero que sorprendentemente se convierte en todo un éxito y se desata una histeria por conocer al grupo que responde al nombre de Traseros Mojados. La banda sonora supuso un éxito y un renacimiento de la música tradicional en pleno año 2000.


Al final de lo loca aventura y con la construcción de la presa para un proyecto hidroeléctrico y la consiguiente inundación del valle, se simboliza la liquidación de lo supersticioso y fantástico, dando paso a una nueva era donde todo estará controlado por las comunicaciones en masa, dando un aire crepuscular a la historia donde un mundo es finalizado para dar paso a otro. Se trata de una película desenfadada, entretenida para los cinéfilos curiosos y especial para los amantes de las viejas costumbres sureñas así como de su música. En definitiva el film es una travesura surrealista.

El proyecto de Martin Scorsese de llevar a la gran pantalla la historia de las primitivas bandas callejeras que dominaban el panorama criminal de la Gran Manzana nació en 1970 basándose en un relato periodístico de Herbert Asbury que narra de manera documentada y a medio caballo entre la realidad y la ficción los bajos fondos de Nueva York desde 1800 hasta 1925.


La película relata como un grupo de Nativos descendientes de colonos americanos luchan contra las masivas oleadas de inmigrantes irlandeses a los que van a recibir a pedradas al puerto nada mas pisar tierra. Los Nativos están liderados por un cruel asesino llamado Bill el Carnicero que utiliza el terror y la extorsión sobre los habitantes de Five Points, centro neurálgico del crimen en Nueva York. Tras la muerte del líder de los irlandeses en batalla su hijo es enviado al orfanato y vuelve ya mayor para orquestar su venganza.


Para comprender la cinta hay que situarse en su contexto histórico, en un momento en el que el país se encontraba dividido a causa de la Guerra Civil con la finalidad de abolir la esclavitud y en plena expansión geográfica hacia el Oeste. El tratado que hace Scorsese de la época es impecable con un vivo colorido y trajes de época. Aún así la obra contiene una atmósfera inquietante e irreal, casi oniríca, con personajes de pesadilla como la endiablada Maggie (con los dientes afilados) o el propio Bill el Carnicero que tiene un ojo de cristal con el águila americana, los integrantes de las bandas ostentan pintorescos nombres como Los Conejos Muertos o Los Cuarenta Ladrones, portan horripilantes máscaras y originales trajes y luchan con armas casi primitivas como garrotes, zapatos con puntas afiladas o cuchillos de carnicero. Five Points es retratado como un estercolero donde toda la mugre de la ciudad va a parar, los robos y asesinatos forman parte de la vida diaria, con policía corrupta y con cuerpos de bomberos que se pelean entre ellos para conseguir apagar un incendio mientras los edificios arden, todo consentido por William "Boss" Tweed, un político basado en un personaje real.


En una magistral secuencia vemos como desembarcan irlandeses recién llegados al nuevo mundo en busca de nuevas oportunidades, como son reclutados para la guerra en el mismo puerto y en un movimiento cíclico son devueltos en ataúdes, muertos en la guerra, a los barcos. Toda esta tensión terminará estallando en un apocalíptico y trepidante final donde una muchedumbre enardecida intentará tomar la ciudad asaltando las casas de los ricos y colgando a los habitantes de color.


El tradicional gusto de Scorsese por lo violento convierte a la cinta en una obra casi molesta, sobre una etapa desconocida de Nueva York, pero que sin duda hace una aproximación real sobre la corrupción, la violencia, el racismo y el degradante modo en que vivían los inmigrantes. En la actualidad infravalorada, es una de esas películas que ganará importancia con el tiempo.

En un mundo dominado casi exclusivamente por el cine americano y por las historias que este narra, esta pieza se convierte en una joya para cualqier cinéfilo, ya que cuenta un relato de una gente y un pais casi desconocido para el espectador habitual. El único pero que le pondría a esta cinta de gran belleza tanto visual como emocional es el carente ritmo aunque se trate del sobrevivir diario de una humilde familia, ya que a veces se convierte en una serie de escenas aparentemente inconexas entre si y que dan la sensasion de no llevarte a ninguna situación en concreto. Quizás e insisto en ello, sea que el espectador occidental esta demasiado acostumbrado a las historias contadas siempre de la misma manera y para el público oriental tenga mas importancia la simbología y las pocas palabras que esta obra puede contener y se convierta en una recreación visual y emocional. Si no fuera así, incluso tendría un 9, pero cierto es que perdería la esencia de la obra.

Es imposible para mi realizar una reseña de esta película sin rescatar la historia maldita que encierra detrás, y es que cuatro décadas después me cuesta entender el fracaso tanto de público como de crítica de esta obra monumental. No es que la considere una obra maestra, pero me parece una mas que notable epopeya épica muy del gusto de la academia de los Oscar como para haberse convertido en una obra atemporal e imperecedera.

Buscar las razones del porque del fracaso en taquilla puede tener distintas lecturas, aunque no es mi intención responder a ello sino tratar de comprender el porque del batacazo de esta joya. En primer lugar, quizás fuera una obra demasiado larga en una época en la que ya habían aparecido los blockbuster como Star Wars y el público se decantara mas por un cine ligero y fácil de digerir. Sin duda la época del western había quedado atrás y las tendencias eran otras, si, pero el cine épico seguía teniendo cartel entre los miembros de la academia, prueba de ello es que a lo largo de los años siguientes se galardonaron películas de duración, épica, presupuesto y puesta en escena similar como Gandhi, Memorias de Africa o el también tardío y revisionista western Bailando con Lobos. Por otro lado probablemente no tuviera un elenco de estrellas que atrajera a la audiencia, pero no se puede negar la presencia en pantalla de cada uno de los protagonistas. Por otra parte una de las razones que mas se le ha atribuido al fracaso del film es lo delicado de la temática ya que parece ser que retratar con tanta crudeza el trato a los inmigrantes levantó ampollas en la sociedad estadounidense, quizás recelosa de reconocer su trágico pasado, puede ser, pero apenas 20 años mas tarde Martin Scorcese volvería a tratar de manera mas escabrosa los orígenes racistas del país norteamericano poniendo mas aún el dedo en la llaga con su Gangs Of New York y retratando el sufrimiento de dos pueblos que tienen mas peso aún en la sociedad e historia estadounidense. Quizás Cimino durante el rodaje cayera en la soberbia que a menudo atrapa a los genios y los ensordece ante los consejos y las críticas de incluso los mas cercanos, llegando hasta pecar de melómano y endiosarse a base de gustarse a si mismo, pero esa historia no es tan diferente a la de otras obras magnánimas como Apocalypse Now, y aún así, a Cimino no se le puede negar que tratara su obra con la delicadeza y la pasión de un artista que sabe pulir bien su obra maestra. Y por último, el famoso recorte de la productora. Un recorte al que fue lo único que no se supo imponer Michael Cimino como el mismo reconoció en 2012 y que seguro que terminó de poner la soga al cuello al film una vez presentado al público. A pesar de que hasta recientemente no llegó a nosotros la visión del director, la versión que nos dejó la United Artist sigue siendo un producto mas que notable, por eso una vez más, me pregunto el por qué la crítica la destrozó en su momento tardando años en ponerla en un lugar mas cercano al que se merece. Aunque ni siquiera el tiempo le ha hecho justicia del todo. Esa pregunta me rondara por la cabeza para siempre después de verla.

Sueños de juventud contrapuestos con la cruda realidad del joven que se convierte en adulto y que se enfrenta a un mundo implacable y feroz, la exquisitez de la alta sociedad de la costa este contra el miserable estilo de vida del lejano oeste, la lucha del que no tiene nada contra el que siempre lo tuvo todo, el amor correspondido pero desgarrador al estar condicionado a la ley del mas fuerte y el mas rápido, la fraternidad social de un grupo de inmigrantes contra los intereses comunes de los grandes terratenientes, la fugacidad del momento vivido de manera plena, frente a la guerra que arrasa con todo y no deja a nadie indiferente. Sin duda es el viaje al Lejano Oeste mas revisionista y mas desmitificador que se podía ver hasta ese momento, tan alejado de los tópicos románticos del Western Clásico. Quizás no se volvería a ver nada igual hasta la serie Deadwood.

Es de agradecer ver una película con tanta personalidad, con tanto gusto por el detalle, con una puesta en escena que transporta de manera documental al momento y lugar, un momento y un lugar que hasta entonces siempre fue tratado de manera idealizada y demasiado romántica, dando voz además, a una minoría siempre silenciada. Y por ello deberíamos dar gracias a que existan obras como La Puerta del Cielo. Ya no se hacen películas así.

Una magia hipnotizadora tiene este film dedicado a Gian Maria Volonté para que tras un largo silencio en su presentación en el Festival de Cannes de 1995 la crítica se levantara y la acogiera a gritos y aplausos, ganando la Palma de Oro además y para que sea considerada la obra cumbre del genial Theo Angelopoulos. Probablemente en dicho festival se dieran cuenta del enorme potencial de una película que resulta tan conmovedora como inquietante.

El protagonista de la cinta (del cual no se nos dice el nombre en ningún momento) es un exiliado griego convertido en director de cine y afincado en EE.UU. que vuelve a su pueblo natal con una única meta que le ha obsesionado durante su vida: recuperar las tres bobinas perdidas que grabaron en sus inicios los hermanos Manakis, pioneros del cine griego y probablemente de los Balcanes. Así nuestro protagonista al igual que el Ulises de Homero se embarca en una odisea que lo llevara a recorrer el mundo que dejó atrás cuando salió de Grecia y que de alguna manera se asemeja al que filmaron el dúo cineasta que tanta intriga causa en la película. El protagonista, a medida que avanza en su aventura, vuelve a revivir los momentos de su infancia; durante la Ocupación Nazi y durante el Gobierno Comunista en Bucarest, observando como transcurren los hechos con alteraciones espacio-temporales que aportan un toque surrealista pero a la vez dinamizador, también se encuentra con el desamor al verse impedido a amar a las protagonistas con las que se encuentra, curiosamente interpretadas por la misma actriz, tiene que lidiar con el horror de la guerra, puesto que está enmarcada en el contexto de la guerra de Bosnia, pero sobre todo este film es una visión a través de los ojos del personaje principal sobre un mundo que deja paso a otro, el cineasta esperaba encontrarse con el mundo que dejo atrás pero se encontró con uno tan intrigante y misterioso como los objetos que desea recuperar, con unos paisajes y unos personajes casi mágicos.

La cinta está llena de escenas hipnotizadoras y oníricas como la de la gigantesca estatua de Lenin transportada en un barco por el Danubio y en que es venerado por los habitantes a orillas del rio con una especie de admiración religiosa. La banda sonora de Eleni Karaindroua aporta más misticismo y nostalgia y la creación del personaje por parte de Harvey Keitel es sencillamente convincente, por lo cual es perfecto para el papel. Las escenas transcurren de manera lenta porque es una película para la recreación, en definitiva es una película para entendidos y amantes del cine puesto que es un homenaje en sí a la historia del Séptimo Arte.