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Críticas de CitizenCorleone
Ordenadas por:
24 críticas
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7
29 de marzo de 2011
10 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
El mismo año en que se estrenó Uno de los nuestros de Martin Scorcese, Abel Ferrara dirigió la otra cinta mafiosa importante del momento, aunque esta es menos épica y pretenciosa es sin duda mas violenta y oscura. Retrata la caída de un capo de la droga llamado Frank White, interpretado por un magistral Cristopher Walken, con una moralidad ambigua que quiere recuperar el terreno perdido cuando sale de la prisión, buscando la expiación de sus pecados eliminando a sus rivales que según él ensucian la ciudad e intentando construir un hospital en el Bronx para los mas desfavorecidos.

Sus secuaces afroamericanos al mando del histérico Jimmy Jump encarnado por Laurence Fishburne, eliminan en una serie de guerras de motivación étnica a colombianos, italianos y chinos sucesivamente, pero esto acarrea que la policía -de origen irlandés en su mayoría- se centre en la detención del narcotraficante, estableciéndose así una serie de estereotipos que se dan en el mundo del crimen. Todos ellos confabulan para que White no saque adelante sus planes en la construcción del hospital. Como antagonista sitúan a un policía entregado e integro y hostil a los métodos de White, que a pesar de todo posee los mismos valores.

Abel Ferrara retrata la ciudad que nunca duerme como una trágica representación de lo peor que se puede convertir una urbe con el aliciente de que la Gran Manzana históricamente está envuelta en un halo de violencia. Una Nueva York infestada de drogas y prostitución, donde las mafias dominan el panorama, donde abundan las bandas callejeras y pululan las tribus urbanas en la noche. Como si de una Gotham City se tratara, Nueva York siempre está envuelta en tinieblas, bajo la noche, cuando el peligro acecha, representada dramáticamente con terceros planos desde el metro o el puente de Brooklyn que aportan un halo siniestro a la ciudad.

Con Teniente corrupto dirigida en 1992, Ferrara llevó mas lejos el tema de la redención personal, y El rey de Nueva York a pesar de no ser tan profunda es más sólida, entretenida y violenta hasta el punto de ser molesta.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
CitizenCorleone
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10
30 de noviembre de 2011
9 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
La serie Cosmos del reputado astrónomo Carl Sagan es sin duda una (si no la mejor) de las mejores series de documentales que se hayan realizado jamás. Narrado de forma apasionada por ese niño-hombre llamado Carl, que nos llevará a un viaje a través de la imaginación para adentrarnos en un mundo aún totalmente desconocido y rico en misterios, donde el espectador no podrá evitar sentir un escalofrío al descubrir la infinita inmensidad del universo, la contemplación de un lugar tan inmensamente gigante perturba sin lugar a dudas, pero a la vez engrandece al ser humano. Ese, al menos, es el mensaje dado por Carl Sagan. Para comprender al ser humano, primero hay que entender el Cosmos.


El viaje no sólo es un recorrido por las galaxias y las estrellas, también lo es por la ciencia, el saber antiguo, la física, la astrobiología y la evolución, las vidas de grandes científicos de antaño son recreadas con suma efectividad, la música compuesta por Vangelis aporta una atmósfera idónea para la ocasión y las palabras de Carl elegidas con cuidado, permiten que la ciencia sea accesible para los no entendidos, aparte de ser testigos de una pasión tan infinita como el propio Universo. El espectador no puede menos que sentir una sensación entrañable cuando Sagan esboza una tierna sonrisa ante su disposición al descubrimiento del Cosmos o al hablarnos con tanto fervor de manera lógica y científica sobre la posible vida extraterrestre.


A pesar de los grandes avances científicos en materia de astronomía y descubrimiento del Universo, las lecciones aquí dadas no han dejado de estar vigentes, además de estar realizada en el marco de la Guerra Fría y con la constante amenaza nuclear, donde el presentador no tiene pelos en la lengua al señalar lo absurdo de una contienda que podría haber llevado a la desaparición a la mas bella conclusión de la evolución en La Tierra: La Humanidad. Señala también sin tapujos como hemos logrado superar los viejos prejuicios raciales, sexuales y religiosos para llegar a una mejor armonía entre los humanos y como podríamos superar los restantes para evitar una catástrofe.


Gracias Carl Sagan por recordarme mundos distantes y olvidados en la memoria, gracias por recordarme una pasión también olvidada, pues todos de niños soñamos alguna vez con viajes interestelares, gracias por recordarnos la importancia del ansía del saber y de investigar para conocer nuevas fronteras, característica indiscutible del ser humano en su empeño de superación, gracias por hacerme soñar con confines que ni siquiera había imaginado en mis mas locos sueños, pero sobre todo gracias, Carl Sagan, por recordarme que pertenezco a una especie descendiente de materia de estrellas, que son capaces de lo que sea con sólo proponérselo.
CitizenCorleone
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8
30 de marzo de 2011
6 de 7 usuarios han encontrado esta crítica útil
James Gray nos ha regalado en un par de ocasiones dos buenas películas sobre la pequeña mafia rusa de Brooklyn, con un trasfondo de intrigas familiares y de atmósfera fatídica. Cuestión de sangre (Little Odessa) la realizó cuando el director solo tenía 24 años y consiguió la que quizás sea una de las películas mas creíbles sobre el mundo del delito.

El asesino Joshua encarnado por un soberbio y frío Tim Roth, debe volver al barrio ruso de Brooklyn donde se crió para realizar un encargo de quitar de en medio a un joyero iraní que está dando problemas. A pesar de querer pasar desapercibo, muchos en el barrio se enteran de su presencia y a partir de aquí la tragedia se pone en marcha, lo que lleva al protagonista a un enfrentamiento con su padre que ha tenido que luchar con un pasado que aún arrastra el frío asesino.


Las escenas de violencia están muy bien repartidas a lo largo de la película y a pesar de no ser extremas ni espectaculares son incómodas y duras: una paliza humillante con un cinturón en un pasillo, un tiroteo en un tendedero o un secuestro nocturno a una víctima ante los ojos de su esposa.


La tragedia familiar es latente en todo el film y la tristeza de las circunstancias de sus personajes pueden contagiar fácilmente al espectador. El hermano mayor convertido en frío asesino a sueldo que debe dejar su hogar porque le han puesto precio a su cabeza, el padre que tiene que lidiar con soportar la vergüenza de tener un hijo asesino y con los viejos valores traídos desde Rusia frente a la americanización de su hijo menor, que adora a su hermano y tiene que convivir con un padre muy mayor que no lo comprende y con una madre enferma en estado terminal. Todo bajo un tono gris que aporta desolación a unos personajes y a una historia envuelta en conspiraciones y hechos pasados que repercuten en el presente.


En definitiva y aunque el film carezca de sorpresas o giros argumentales, convence y conmueve a la vez por su dureza, la aspereza de los personajes y la fatídica representación de toda la trama, con largos silencios incómodos y con planos fijos que apenas se mueven cuando hay una escena violenta, haciéndolas aún mas frías y duras, terminarán por envolver al espectador en un film ni controvertido ni ágil, pero muy interesante.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
CitizenCorleone
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9
31 de marzo de 2011
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El Cine Argentino cuenta con una buena y larga tradición y sin embargo ha permanecido casi desconocido para el resto del mundo hasta épocas recientes. Los años 80 sin duda alguna deben considerarse como la época dorada del cine del país de la pampa y puede que Darse Cuenta sea una de sus obras cumbres.

Como en muchos otros filmes del país, el entorno juega un importante papel en el que reina una atmosfera enrarecida y un ambiente pesimista, propio de la situación de Argentina en tiempo de dictadura y crisis política y económica. Bajo este terrible telón los personajes sobreviven tristemente y el protagonista (genial Luis Brandoni en el papel de médico) parece buscar su propia redención o sentido de la vida al intentar salvar a un paciente al que todo el mundo daba por perdido tras un trágico accidente de coche. Muchos de los personajes parecen deprimidos y cansados porque simplemente la vida les ha podido derrumbar, carecen de sueños o perspectivas, la supervivencia diaria se hace harto difícil, tanto es así que apenas se ve una sonrisa en la película o palabras de esperanzas. Aún así se ve un ansia por luchar, como definía una de las propias protagonistas al afirmar que "a mi me gusta la vida".

Los decorados pobres y los colores grises y fríos del hospital donde se desarrolla la mayor parte de la trama ayudan a crear tal atmosfera en una historia desoladora. A pesar de tanto pesimismo la obra esconde grandes esperanzas, esperanzas que van transcurriendo paralelamente con la historia del joven atropellado que va mejorando contra todo pronóstico gracias al empeño del médico que aún así logra deteriorar la relación entre el médico y el paciente, ya que según este último lo somete a sesiones de torturas sólo por orgullo personal. Todo finaliza con un paso que simboliza de una vez por todas, el deseo de libertad y de progreso, probablemente para toda una nación.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
CitizenCorleone
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8
26 de noviembre de 2009
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cine japonés de la época estaba de gala. Eso es indudable. Durante los años 50 y 60 directores como Kenji Mizoguchi, Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu o Hiroshi Inagaki pusieron a Japón en primera línea cinematográficamente hablando y demostraron que el país nipón tenía mucho que ofrecer. 47 ronin es una muestra de ello.

Cuenta la historia de honor y venganza de un grupo se samuráis que a raíz de un injusto altercado con un alto funcionario del Shogun se han quedado sin señor y planean vengarse. Entre la ejecución del noble y su posterior venganza asistimos a un argumento que va desenmascarando la trama y a los propios personajes que siendo víctimas de las pasiones de otros se ven obligados a cometer actos terribles para salvar su propio honor y el del clan humillado y desposeído de su líder. Es posible que el espectador tenga la sensación de que la obra se atasca y no sepa bien a donde lleva la trama exactamente pero una vez empieza a desenlazarse no queda cabo sin atar. Entre tanto asistimos a muchas referencias de la cultura y folklore japonés pocas veces visto antes en tantísimas películas de samuráis (para mi, a pesar de la falta de suspense en buena parte del film, es lo que la caracteriza del resto de películas de la época) teatro Kabuki, poesía nipona, geishas, luchadores de sumo, guiños a las incursiones Ninja, la presencia europea en el lejano país, el reflejo de la belleza de la naturaleza y el paisaje japonés aportando poesía a la propia historia...todo enmarcado en una historia verdaderamente apasionante y de gran belleza tanto visual como argumental.

La obra dura mas de tres horas pero créanme que no tiene desperdicio y que está a la altura de las grandes obras épicas americanas e inglesas de la época, aparte del añadido de saber que fue una historia real que ocurrió en el Japón feudal de principios del siglo XVIII.
CitizenCorleone
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