La película resulta una suerte de cruza entre Horas de terror (Funny Games), de Michael Haneke (que luego tuvo su remake estadounidense titulada Juegos sádicos) y la serie The Leftovers, con toques de suspenso hitchcockiano y ciertos golpes de efecto propios del terror clásico (tijeras, bates, cortes de luz, baños de sangre). Todo funciona razonablemente bien hasta que en determinado momento a Peele le sale la veta presuntuosa de la cuestión política con alegorías de la sociedad en tiempos de Trump. Y lo pretencioso se torna por momentos obvio, como cuando en una de las escenas cumbre la musicalización salta de Good Vibrations de los Beach Boys a Fuck Tha Police de N.W.A. (ya verán por qué).

Así, cuando apuesta de lleno por el thriller psicológico, el director demuestra ser un narrador lleno de ingenio y oficio (no es menor el aporte visual del DF Mike Gioulakis, el mismo que iluminó Te sigue, de David Robert Mitchell, y Fragmentado y Glass, ambas de M. Night Shyamalan). En cambio, cuando aparece precisamente lo que podríamos denominar el síndrome Shyamalan (que por suerte aquí está bastante más atenuado) el film entra en una zona de riesgo. De todas formas, aun resultando un poco menos fascinante y algo más arrogante que ¡Huye!, no deja de ser una valiosa incursión dentro de un género como el terror, que nos tiene acostumbrado jueves tras jueves a una sucesión de fórmulas anodinas y demasiado transitadas.

El principal enemigo del peplum han sido... las texturas: si el recuerdo de su esplendor está indisociablemente unido al cartón-piedra, su renacer ha aparecido ligado a una lujuria digital capaz de restarle fisicidad a un género que, en definitiva, necesita erotizar y erotizarse para perdurar en la memoria cinéfila. "Troya", el poema épico que ha compuesto el alemán Wolfgang Petersen con obsesivo uso de la hipérbole, es un colosal sueño húmedo de la era digital que, por fortuna, ha sido consciente del peligro: en otras palabras, el espectador difícilmente podrá olvidar que la multiplicación de naves y guerreros se debe a la truquería infográfica pero, por lo menos, aquí crujen los cráneos, resuenan los mandobles, refulge el acero y sangran las heridas con contundente hiperrealismo.Petersen prefiere pervertir a Homero que respetar a Robert McKee, y su encomiable elección quizás distancie al espectador en busca de un centro heroico en este laberinto de personajes y subtramas que adensan el conflicto. En sus momentos épicos, "Troya" busca enmudecer al respetable, pero la embarullada puesta en escena propicia más el aturdimiento que el pasmo. La película alcanza su verdadera grandeza cuando algunos de sus actores logran pulsar la cuerda de la pasión por encima de la atronadora aparatosidad del conjunto: la inflamada rabia de Menelao (un ciclópeo Brendan Gleeson) frente a un humillado Paris (Orlando Bloom sin ángulos élficos) o la súplica nocturna de Príamo (un Peter O'Toole ciertamente homérico) en la tienda de Aquiles (un Brad Pitt que parece a la eterna espera de que el poeta inmortalice su gesta) son, sin duda, los dos músculos mejor torneados de este Caballo Grande que, contra todo pronóstico, anda. Y con poderío. Para espectadores hambrientos de épica.>> Lo mejor: el palpable dolor de los patriarcas.>> Lo peor: la autoconciencia heroica de Aquiles.

la película Frida, fue particularmente una de las películas que nos mas gustan de ver, que representa bien la cultura mexicana y pricipalmente la historia de la vida sufrió de Frida Kahlo. sus logros, los excesos, tragedias, fueron muy bien representados por el equipo de actrices y actores, y el realismo en las escenas fue uno de los puntos que marcaron el filme. nao es a toa que la película fue galardonada dos oscar.

La pintora Frida kahlo , una mujer representada por la actriz Salma Hayek en la trama, retrata su paseo desde el accidente en la infancia que dejó la salud en un estado crítico, hasta las novelas en las que el mexicano estaba involucrado. muchas traiciones largo de la historia, muchos de ellos procedentes de Diego Rivera, interpretado por el actor Alfred Molina, que dio verosimilitud a la película, ya que sigue una relación con la biografía del pintora.

El director podría expresar los éxitos y fracasos de Frida y fue issoque hicieron comque la trama estancia famoso en todo el mundo. un punto que pensamos que faltaba era la parte más dramática de la exposición en lugar de romántico, más dificlmente la película se considera malo para alguien, a pesar de no ser una obra maestra, técnicamente hablando.



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Roma proponen –además de un retrato del México de 1970 y 1971– un diálogo permanente entre el naturalismo y el formalismo, canalizando la representación de una memoria viva, invocada desde una perspectiva contemporánea. Del lado (neo)realista, la textura de las imágenes evocan un universo táctil, casi hiperrealista, no filtrado por la porosidad nostálgica del cine analógico; mientras que la dimensión artificiosa del film se articula a través del punto de vista: la cámara observa desde la distancia, apartada, en plano secuencia, casi como si fuera una presencia fantasmagórica, y lo que captura son los movimientos de una familia de clase media-alta cuya armónica cotidianeidad se verá trastocada por acontecimientos privados y públicos.

El arranque de Roma es deslumbrante. Entre las composiciones de grupo –a medio camino entre la espontaneidad y lo coreográfico– y el retrato de objetos empapados de memoria, detalles aparentemente banales, como una ventana sucia, una pelota deshinchada o la ropa tendida adquieren una punzante resonancia poética. Además, el rigor con el que Cuarón se vuelca en el retrato intimista de la familia, marcado por la abundancia de tiempos (sólo aparentemente) muertos, remite al trabajo de una noble estirpe de cineastas orientales: de los minúsculos y sublimes dramas domésticos de Yasujirō Ozu a las crónicas autobiográficas del taiwanés Hou Hsiao-hsien, donde la Historia, en mayúsculas, se infiltraba en los rituales cotidianos de los personajes.

Luego, a medida que avanza el film, Cuarón siente la necesidad de desarrollar en profundidad el drama de Cleo, lo que convierte la segunda mitad de Roma en un ejercicio fílmico más convencional, menos estimulante. Los acontecimientos se aceleran, los fueras de campo del relato se van resolviendo y el acercamiento a la cotidianidad se va diluyendo en pos de una resolución marcada por la catarsis, una decisión que ya lastraba, en parte, los logros de Gravedad, la anterior película de Cuarón. Pese a todo, el director de Y tú mamá también –otro film sobre jóvenes que descubrían la complejidad y sinsabores de la realidad adulta– consigue en Roma la difícil proeza de evocar el pasado con un pie puesto en la nostalgia y el otro en el sentido crítico. Qué significa recordar, sino aceptar que todo ejercicio de memoria trastoca tanto nuestra visión de la H/historia como de la realidad presente.