Hablando en plata, no me temblaría lo más mínimo la voz en decir que estamos ante lo que es la película o una de las películas del año.

Rodrigo Sorogoyen, conocido por proyectos como 'El Reino', 'Antidisturbios', 'Madre' y su obra primigenia 'Stockholm' nos deleita esta vez con un magnífico thriller ambientado en Galicia de la mano de un potente y talentoso reparto digno de ganar multitud de goyas a interpretaciones masculinas y mixtas.

Vamos al asunto, la premisa parte de una confrontación entre una pareja francesa (que ha cambiado su vida para vivir en una pequeña aldea tratando de adaptarse a una vida que, a priori, debería ser relajada, muy trabajadora y apacible) y un par de vecinos violentos, malhumorados (que podríamos calificar como paletos) reflejando así un gran choque cultural y social, lo que al final acabará derivando en la supervivencia de todos ellos por ver quién puede aguantar más.

En primera instancia, quiero destacar al fabuloso elenco que conforma esta película, muchos de ellos han sido un descubrimiento para mi y no concibo otra idea que no pase por elogiar el tremendo esfuerzo escénico que ha tenido cada uno de los personajes en esta película, sin dejarme ninguno en el camino. Denis Ménochet se come la pantalla de principio a fin, prácticamente haciendo que la película sea suya, acompañado de un INCREÍBLE Luis Zahera como principal y un soberbio Diego Anido.

Lo que caracteriza a Sorogoyen no es la idea, ni tampoco lo es el resultado, es ver el transcurso de como representar esa misma idea. La pantalla te atrapa por completo desde el inicio, un gran mérito de Sorogoyen manejando a la perfección la tensión entre ambos bandos, los tempos para contar todo lo que quiere contar son francamente brillantes, se toma todo el tiempo necesario para dar pie a conversaciones, temores y ideales de todos los protagonistas, algo que podríamos clasificar, salvando las distancias, con un Quentin Tarantino.

En segundo lugar, me parece un gran acierto los escenarios que nos plantea el director, están muy bien cuidados, en todo momento el protagonista nos sirve de guía para explorar esa aldea, los rincones, las casas, la montaña, el río... en los pocos momentos que los protagonistas se alejan de la zona no nos sentimos apartados.

En cada escena podemos palpar la rabia que va in crescendo de todos los personajes, al mismo tiempo que esta no llega a detonar por la increíble capacidad de contención de la familia francesa, formando así una autenticidad indescriptible de la misma situación. Para que todos estos componentes se alineen, el director va dando forma a su relato hasta llegar a un punto clímax.

Definitivamente es una gran experiencia, te hace reflexionar, pasar por momentos incómodos, madurar sobre la importancia de la vida y afrontar determinadas situaciones, a la vez que también te hará estallar de felicidad, arrancarte sonrisas y carcajadas movidas por un excelente guion.

Todos los goya que se lleve esta película me parecerán pocos, es la antítesis de como se dirigen los conflictos frente a películas más comerciales, en el que en este caso, se prima la atmósfera creada y los sentimientos a flor de piel.

Sin duda, la película no decae en ningún momento, y desde luego, el final te dejará mínimamente satisfecho.

"El alpinista" es un documental que narra la vida y las hazañas del escalador Marc-André Leclerc, quien pasó de ser totalmente desconocido a convertirse en uno de los mejores escaladores del mundo y de su propia generación. Puedes pensar: bueno, un documental más sobre el alpinismo como "deporte". Pero no, este documental se aleja mucho de lo superficial y plantea cuestiones totalmente filosóficas acerca de la vida y de la aventura extrema, tanto que me podría quedar sin adjetivos para definir lo que he visto.

Esta obra es emocionante de principio a fin, de estos de los que ves de principio a fin con los ojos abiertos. El documental está muy bien diseccionado por tramos, primero conocemos quién es Marc-André Leclerc, todo acerca de él, su infancia y su forma de ver la vida (gracias también a su madre) y de ahí pasamos a su mujer Brette Harrington, con quién compartía numerosas experiencias de escalada y, en general, toda una vida llena de aventuras. A la vez estamos intentando descifrar y conocer a Marc, su espíritu y su alma, su visión de la vida, sus inquietudes, su habilidad para escalar, etc. Y, como siempre, somos partícipes de sus viajes por todo el mundo intentando superarse una y otra vez haciendo el mejor tiempo posible o conquistando muchos de los montes más altos del mundo.

Así pues, podría hablar de lo bello que son los paisajes, las entrevistas, el aura que se respira en esas zonas, su relación con las personas, pero... no. Nada más lejos de la realidad, todo esto en este documental queda en segundo plano. Lo importante es lo de dentro, no lo superficial, y así pues, lo importante reside en Marc-André, las montañas y la vida. Algo que se refleja de manera muy cruda, pero que por otro lado, también se hace desde un plano emotivo, inspirador y alegre que es así como lo veía Marc y la gente que lo rodeaba, y en general, toda la gente que se mueve por experiencias aventureras peligrosas.

Y cuando una obra toca estos puntos con la tecla adecuada, no hay vuelta atrás. Es muy difícil calificar algo cuando los objetivos no dan de sí, pues te plantearé algunas preguntas que se hacen aquí, a las cuales tú debes encontrar la respuesta, siempre guiado por el mismo documental.
-¿Qué es la vida? ¿Atendemos demasiado a las cosas superficiales?
-¿Si tú o un familiar tuvieráis pasión por algo peligroso, cederías y vivirías la vida como quieres, o renunciarías/prohibirías vivir así?
-¿Crees que las personas jamás vuelven a ser las mismas cuando experimentan un suceso trágico?
-¿Crees, en general, que hay cosas que se pueden calificar como arte, o reduces eso a lo banal?
-¿Si alguien se jugara la vida sin medios de protección por decisión propia, le pararías?
-¿Si un alpinista fracasa y muere es un estúpido por jugarse la vida? En cambio, ¿si consigue escalar su objetivo pasa a ser convertido en un héroe?

Y, bueno, queda la pregunta más importante de todas, pero esa la dejaré para el spoiler.

Este tipo de documentales no hay que tratar de explicarlos, ni resumirlos, solo visualizarlos y sacar conclusiones por ti mismo, porque en efecto, lo que encuentras aquí no lo encuentras en ningún lado. Una experiencia única que te permite reflexionar, apreciar la vida -momentos, personas, lugares- y conocer a, quienes a partir de hoy, son unos de mis héroes: Marc- André Leclerc y Brette. Y, por último, conocer y entender el mundo del alpinismo desde un primer plano, su visión y su pasión.

Es de conocer por todos que el cine español está repleto de talento desde abajo a arriba, el único enemigo del mismo son las limitaciones que hacen de este tipo de cine algo 'inferior' a percepción del espectador medio frente al resto de cine. Las limitaciones pasan por el poco dinero invertido en proyectos, la recepción de los mismos por el espectador y, en algunos casos, historias desaprovechadas por falta de puesta en escena actoral o ideas que se quedan en un "casi".

Bien, una vez asumido esto, nos encontramos esta obra prima de Raúl Arévalo (sumida en elogios por el gran mérito de filmar esta obra como primer proyecto, ya lo querrían así muchos directores) en la que este mismo hace la labor de director y guionista junto a David Pulido. En esta misma obra nos encontramos a unos experimentados Antonio de la Torre, Luis Callejo y Ruth Díaz, actores que tienen una carrera detrás sobre la que no hace falta remarcar el talento individual y colectivo de cada uno de ellos.

La cinta nos traslada a Madrid y nos presenta un fantástico thriller (que bien podría estar firmado por Hollywood) constituido por un grupo de personas que atraca una joyería, en el que el conductor del crimen queda arrestado, este padre de familia deseoso por redimirse y salir de la cárcel, será visitado por su mujer, pero este proceso no será nada fácil, ya que entrará otra persona en la situación que pondrá en grandes apuros a esta familia.

Primero, quiero empezar remarcando la genial idea de contar toda la historia, sin pelos en la lengua, a través de pequeñas fases o fragmentos por las que van pasando nuestros personajes, medio que sin duda nos hace recordar a Quentin Tarantino en muchas de sus películas, dando lugar a una historia SÓLIDA en todos los aspectos. Es un acierto de pleno porque gracias a esto, nos acercamos mucho más a los personajes, tratamos de entenderlos, alarga la narrativa, y, sobre todo, crea esa genial atmósfera consecuente de un thriller, en el que personajes y finalidad se unen para conformar el componente principal: interés por saber más.

La evolución de la obra, en todos los aspectos, es francamente notable. Da a luz como una cinta tranquila y mimada que utiliza como punto de partida un bar situado en un barrio de Madrid, el cual es frecuentado con bastante asiduidad por un grupo de amigos, más tarde, evoluciona en una relación amorosa y, tras determinadas situaciones, acaba eclosionando en una venganza como plato fuerte.

Siguiendo con esto, quiero hablar de la construcción de los personajes y la interpretación de los mismos. Es de notar que todos los personajes tienen características totalmente marcadas, que a su vez los hace únicos, y puntos en común, los cual a la vez los acerca. En la variedad está el gusto, y en esta obra desde luego encontramos la condición humana completa dividida en 3 personajes. Sin ir más lejos, tenemos caracteres propios de un ser humano, negativos como son la codicia, toxicidad, ira, apatía y positivos como la amabilidad, educación, perseverancia y un largo etcétera.

Por un lado, en un momento de la cinta notamos la evolución COMPLETA de nuestro protagonista, lejos de ser el que era en un principio, tras ser consumido por la venganza y la ira, abocado completamente por la locura, se presentará en pantalla como una persona totalmente irreconocible. Esto es dado, en parte, gracias a la maravillosa dirección que nos proporciona multitud de planos y transiciones que hablan por sí mismos, apoyados a la vez en determinadas partes de la cinta por una música conveniente.

Como resultado final, tenemos una película interesante de principio a fin, reflexiva y con un mensaje directo al corazón del ser humano.

(Sigo en spoiler)

Séptima entrega de Alfonso Cuarón en formato largometraje, dirigida y guionizada por él junto a un equipo inexperto adaptando la novela de "P.D. James". Cuenta con el reparto de actores como Clive Owen, Julianne Moore y Michael Caine, que ya habían hecho proyectos interesantes hasta la fecha. Y por último, como guinda al pastel, una composición musical exquisita producida por John Taverner, que conmueve al espectador durante toda la película.

Bajo una premisa que puede sonar cliché, un mundo futurista distópico que se rige por la ley del más fuerte, incitado a su vez por el desasosiego humano, manipulación y intereses políticos que derivarán en un gran caos social-político, esta película consigue ir más allá haciendo de la misma una gran experiencia con sorprendentes cambios de ritmo, una escenificación real, pura y crítica hacia todos los bandos y una representación mixta del hombre y la mujer en la sociedad.

Sin más rodeos, la película se caracteriza por su misma producción, es de notar que en toda su amplitud se rodó con 'shaky camera' lo que conocemos tradicionalmente como cámara en mano, por su parte es un gran acierto ya que consigue reflejar los sentimientos de los personajes, la crueldad y el abismo en el que cae la población, la valía del ser humano para la sociedad, en general, detalles puros de calidad que hacen que la inmersión en la película esté prácticamente garantizada.

La perfección por rodar esta película con pleno detalle y su consecuente esfuerzo es de tal magnitud que reúne la gran cantidad de elementos en el cine llevando a una alta puesta en escena de todo el elenco, empieza con un plano-secuencia, que deriva en transiciones momentáneas de secuencia a secuencia tanto con cámara estática como como movible, con un montaje prácticamente glorioso.

La iluminación en la parte de la película es notoria, siempre encontramos escenarios totalmente diferentes según la zona, desde escenarios totalmente lúcidos como escenarios totalmente oscuros, desde luego Alfonso tiene muy dominado los contornos y las sombras.

Todo esto atañe a la película, pero sobre todo, a los actores. Es francamente meritorio lo que ha hecho Cuarón en lo que al reparto se refiere, logra que la puesta en escena de cada uno de ellos refleje la realidad en la que se encuentran, los sentimientos se mueven por la pantalla y el cambio de registro de TODOS los actores, en cada uno de ellos se ve una evolución y un desarrollo, unas motivaciones palpables, las ganas de evolucionar o estancarse hasta autodestruirse.

Y, por último, que gran logro el de Cuarón cuando quiere expresar el miedo, la tensión, los nervios... son varias las escenas que hay de persecución, búsqueda, captura, falta de comprensión en los humanos... y eso desde luego se ve reflejado, en parte, no solo por la dirección, sino el gran acierto de la música como acompañante de las mismas. Violines, guitarras, piano... todo consigue el impacto suficiente para arrestar un GRAN IMPACTO DE REALIDAD al espectador.

En definitiva, una película que todos los amantes de la ciencia ficción deben ver, de la que se pueden sacar múltiples lecturas con cada visionado y de la que seguro te hará recapacitar con el gran mensaje que nos transmite.

Gracias, Cuarón

Charles Vidor estrenaba en 1946 su obra más aclamada 'Gilda', todo un clásico dentro del cine negro y un punto y aparte dentro de las '"femme fatale". Ha dejado una huella perdurable en la historia del cine por muchos de sus aspectos, pero destaca concretamente por la representación del mundo tan oscuro que atañe a los altos negocios, cuestionando así las amistades y relaciones a causa del dinero y poder que hacen de este mundo todo un infierno.

Johnny Farrell (Glenn Ford), es un aventurero que vive por y para hacer trampas en el juego. Al ser pillado por hacer trampas este es atacado, pero Ballin Mundson (George Macready) -un propietario de un lujoso casino- le ofrece visitarle y trabajar para él como mano derecha debido a su habilidad para hacer trampas, su ojo avisor y su capacidad para enfrentarse a todo tipo de situaciones. Todo marcha bien hasta que Ballin le presenta a su esposa Gilda (Rita Hayworth), una mujer extremadamente bella y peculiar que capta la mirada de Johnny desde un primer momento. Gilda se interpondrá entre ambos, generando problemas y conflictos entre ellos y agentes externos hasta acabar por transformar las personalidades de ambos.

Esta película es un ejemplo notable del cine noir, desde las técnicas cinematográficas y estilísticas hasta a la propia narrativa y personajes. Quizás esta película no tenga una profundidad narrativa ni reflexiva, y eso es cierto, pero le basta con tener unos pocos escenarios y unos personajes unidos para transmitir esta tensión a través de todo tipo de situaciones hasta llegar a convertirse en un drama. Algunos de los temas que explora esta película son: la obsesión y el deseo hacia una persona, la manipulación emocional, el poder y la corrupción, la ética y la moralidad y la redención. Todo esto se explora a través de una relación altamente tóxica que permite contextualizar las consecuencias que tienen todo este tipo de acciones.

En tercera persona experimentamos el viaje de estos personajes, los cuales sufren una tensión emocional constante, traiciones, manipulaciones y mucho más. En general, todo tipo de consecuencias por reacciones químicas como son la atracción y el amor. Y es que de esto trata la película, de engatusarnos con el personaje de Gilda y captar ese aura picante que crea este personaje a través de muchas acciones haciendo que nuestros protagonistas evolucionen a través de conflictos y dilemas morales.

Sin lugar a dudas esta película tiene algunos apartados muy buenos y empezaré hablando de los diálogos, el que a mi parecer, es el aspecto más destacable. Estos diálogos son seleccionados milimetricamente y se perfeccionan tanto para crear esa atmósfera que gira en torno a Gilda. Tienen un gran poder narrativo y atractivo, son ingeniosos y están repletos de una carga emocional muy elevada que consigue así transmitir la tensión y el conflicto entre todos estos personajes. Ayudan a la construcción de personajes y sus personalidades dando a su vez un doble sentido que incita a que nuestros personajes actuen. Están muy bien llevados ya que elevan los valores positivos y negativos de todos los personajes. (Dejaré algunas frases memorables que comentaré en el spoiler)

Los escenarios junto a la iluminación funcionan muy bien debido al uso de contrastes dramáticos entre luces y sombras. Por momentos se resalta los rostros de los personajes y se añade un sentido de misterio y tensión, al igual que en momentos realmente tensos las sombras pronunciadas y la luz tenue aparece, elevando así el carácter de los personajes y sus consecuencias.

El juego de cámaras y encuadres también tiene cierta relevancia. Charles Vidor quería resaltar las expresiones faciles y las reacciones de todos los personajes en momentos tensos, duros y dramáticos agregando siempre a esa atmósfera una carga emocional. Primeros planos, planos medios para esto y planos medios-largos para captar el entorno como puede ser el casino y la casa. Esto lo hace para transmitir esa sensación de aislamiento, desconfianza y ansiedad que tiene nuestro protagonista durante toda la película.

El montaje es preciso y dinámico, utilizan cortes rápidos y transiciones fluidas para mantener el ritmo narrativo. Los momentos de mayor tensión se enfatizan mediante el uso de montajes rápidos y alternancia entre diferentes escenas, lo que añade un sentido de urgencia y suspenso. También posee una alta coherencia en dichas transiciones de escena a escena en los que siempre vemos personaje tras personaje en una situación trágica.

Y hablando por encima del vestuario, han sabido escoger muy bien el vestido de Gilda. Refleja la moda de esa década y añade un elemento un tanto erótico y seductor al personaje y al propio film.

Por último y no menos importante, la música desempeña un papel crucial. Aparece en momentos dramáticos y realza gran cantidad de escenas, cambiando incluso el tono de la película. Momentos tensos que realzan la psique de los personajes y además nos deja con el mítico tema "Put the blame on Mame" en un clímax narrativo muy bien llevado.

Gilda es una historia de intriga, amor prohibido y obsesión, donde los límites entre la lealtad y la traición se desdibujan. La película no busca tener más profundidad que esta, pocos giros de guion, tempo lento. Es una película que juega totalmente con sus personajes y las emociones, enfrentando a todos los personajes con una personalidad que ellos albergaban en su interior pero que desconocían por completo, y esto, es gracias a Gilda. Un mundo de misterio y engaño donde la mente juega el papel más importante y elevando una vez más la característica seductora e hipnotizante de la mujer.

Una representación muy buena de lo que son las relaciones tóxicas amorosas y del poder que tiene el dinero en cualquier sociedad.