Desde que tengo uso cinéfilo de razón me han fascinado las películas que hacen del montaje su razón de ser cinematográfica. Me encantan las películas de corte episódico de historias entrelazadas, ya sean, por poner tres ejemplos entre mis favoritas, momentos a lo largo de la vida de unos personajes (Dos en la carretera, de Stanley Donen), recreación de una historia desde distintos puntos de vista (JFK, de Oliver Stone), o historias diferentes que acaban teniendo algún vínculo común, argumental y/o temático (Las horas, de Stephen Daldry). Hay que tener mucho talento para darle a la película el ritmo adecuado, para saber encajar las piezas del puzzle sin que el espectador se pierda.

Al tercer grupo de las que menciono arriba pertenece la peli debut como director de Juan Diego Botto, "En los márgenes", que entrelaza tres historias de temática similar (la madre que por su trabajo no puede atender a su hija y puede perder la custodia, la que va a sufrir un desahucio y el hijo que no quiere hablar con su madre porque siente que la ha decepcionado), enriquecida por otras historias secundarias: los problemas de relación de pareja, y con el hijastro, que tiene el activista que ayuda a la madre de la primera historia, la mala relación entre la pareja a punto de ser desahuciada y la razón por la que la madre de la tercera historia tiene ansia por hablar con su hijo. Toda una macedonia de historias que Diego Botto debe llevar en un solo senido y consigue plenamente a través de un argumento en el que las historias comparten personajes, un montaje excelente en el que se cambia de una historia a otra a través de escenas entrelazadas y personajes que se cruzan, y una dirección vivaz, cámara en mano a modo de reportaje periodístico, que da nervio y tensión a lo narrado.

La película no es perfecta, desde luego. En este maremagnum de tramas, unas quedan mejor resueltas que otras. La historia del activista luchando para que la madre no pierda la custodia de su hija, al tiempo que intenta sacar adelante su relación de pareja y filial, es la mejor de las tres, la más conseguida y mejor terminada. La del desahucio es la más urgente y reivindicativa, y por eso quizá la que más llega y afecta al espectador, pero al mismo tiempo es la más rutinariamente hecha y realizada, quizá por esa necesidad de inmediatez y respuesta rápida, aunque el resultado final también sea bueno. La historia de la madre que busca que su hijo responda sus llamadas es quizá la menos conseguida, bien planteada a base de breves pinceladas a lo largo de la película, pero resuelta con demasiadas prisas y con un giro final de argumento más efectista que efectivo.

Pero la impresión general es la de una película muy buena, digna de verse, y que se beneficia además de una excelente interpretación coral, destacando por encima de todo el más que correcto reparto unos soberbios Luis Tosar y Penélope Cruz.

Y además es de esas películas necesarias, de las que no sé si servirán para despertar conciencias, que eso dependerá de cada cual, pero al menos sí va a servir para que esas conciencias no se adormilen y durante la proyección, y también unas cuantas horas después, pensemos sobre algunos de los problemas más acuciantes que tenemos en esta España de nuestros pecados... Porque, se lo advierto, es una película dura, pero al mismo tiempo con atisbos de esperanza.

Una advertencia: (o disclaimer de esos): les recomiendo ir a verla intentando desligarla de la saga. Es lo que hice yo, y creo que en gran parte lo conseguí y me ha permitido disfrutarla más que lo habría hecho si me hubiera pasado toda la película haciendo comparaciones. Tengamos en cuenta que en esta película ya no están ni el cocreador y productor original, ni el otro cocreador y director, y el actor protagonista tiene cuarenta años más que cuando empezó con el personaje. Siendo generosos, la película va a ser distinta a lo que conocemos. Si va a ser peor o igual ya será cuestión de cada cual. Pero, insisto, va a ser distinta.

Dicho esto, estamos ante una película de aventuras bien hecha, entrañable a ratos... pero rutinaria, lo cual hace que en parte de su metraje sea aburrida. Discurre a través de una serie de episodios claramente delimitados y resueltos de forma irregular.

Excelente el inicio, un buen tributo a los seriales de aventuras clásicas. Y no, no me "canta" el rejuvenecimiento digital del personaje. No estamos ante el aroma a cirugía plástica de "Rogue One", por ejemplo. No soy experto en esto de los cgi, pero a mí me parece que funciona muy bien.

La segunda parte de la película, en Nueva York a finales de los sesenta, es para mí lo mejor. Combina bien la acción con la presentación de este Indy desencantado, consciente de su edad y de que no encaja en la época. Mangold ya ha demostrado en otras partes de su filmografía que sabe tratar el tema del héroe en su crepúsculo, y aquí vuelve a demostrarlo. Hay buena caracterización, destacando también el personaje de Helena Walsh como una especie de... reverso, si no tenebroso, al menos retorcido del héroe.

Cuando la acción se traslada a Tanger entramos en la peor parte de la película, cuando se vuelve rutinaria. El mcguffin del objeto a buscar es confuso, con lo cual uno agradece que cuanto menos se hable de él, mejor, y las persecuciones y huidas caen, como he dicho ya, en lo rutinario. No es que estén mal hechas, pero se me hacen largas, y la caracterización casi desaparece o se vuelve ridícula, especialmente con uno de los personajes del que no diré nada más para mantener esto libre de spoilers.

El episodio en Grecia es todavía peor. Los personajes son tópicos y arquetípicos, el guion cae en una serie de sinsentidos que lo hacen aún más confuso, y las escenas submarinas me parecen resueltas de manera muy torpe.

La peli remonta el vuelo en el episodio final en Siracusa. Al no caer en persecuciones alocadas y centrarse en la resolución pausada de la trama, todos salimos ganando... aunque haga falta mucha suspensión de la incredulidad para tragarse dicha resolución. Si aceptamos pulpo como animal de compañía, lo disfrutaremos plenamente. Como nos hagamos preguntas sobre trampas de guion nos enfadaremos mucho.

El epílogo es pura concesión a los fans de la franquicia. Dependiendo de nuestra capacidad de nostalgia, lo aceptaremos o no. A mí me gustó, aunque entiendo que haya gente que no lo acepte. La otra concesión es el reparto a lo largo de toda la película de citas de películas anteriores, una especie de Greatest Hits de frases made in Indiana Jones u otros personajes. Se busca la sonrisa cómplice y nostálgica, y creo que la encuentra.

Otra cosa: por favor, que el maestro John Williams no se retire jamás. La banda sonora es maravillosa.

En resumen, una película irregular, pero entretenida a pesar de sus faltas. En estos tiempos, esto no es poco. ¿Que podría, o debería, haber sido más? Pues también.

Consideraciones sobre el futuro: está claro que es el canto del cisne de Harrison Ford como Indy, pero no veo claro que sea la despedida del personaje. Me imagino que dependerá del éxito comercial de la película, por mucho que juren y perjuren que aquí se despide la franquicia. Personalmente, me imagino que si se hacen nuevas encarnaciones del personaje, uno seguiría acudiendo a la cita. Aunque tampoco vería mal una sería de aventuras de Helena Walsh, un personaje que puede dar de sí bastante... si los guiones responden, claro.

Es Wes Anderson uno de mis directores favoritos de este siglo... y sin embargo, cuando resbala... pues lo hace. No es que la peli sea "mala", se deja ver bien, pero al final el regusto es de no haber sacado nada especial de ella. Es un director que maneja como nadie un estilo visual y narrativo propio, pero que a lo largo de su filmografía ya ha caído en la trampa de que sus pelis sean poco más que justamente eso, ejercicios de estilo. Visualmente muy atractivas y con una narrativa muy dinámica, pero con un desprecio absoluto por la historia que cuenta... si es que existe una historia que pretenda contar.

Porque ojo, es posiblemente un efecto buscado. Quizá a Anderson le atraiga en muchos momentos más la construcción de un universo por donde mover sus personajes... que ver qué les pasa, si les pasa algo, y que luego salga el sol por Antequera. Que habrá gente a la que eso le guste, y por supuesto que sigue siendo una forma legítima de hacer cine... pero que a mí, normalmente, no me seduce. Soy antiguo, que le vamos a hacer. Me gustan las pelis, las novelas, los tebeos, que cuentan una historia, y luego ya me fijaré en cómo lo hacen.
"Asteroid City" es una reunión de todas las claves del cine de Anderson: una premisa muy original, un acabado visual apabullantemente bello (en este caso alternando sus habituales tonos pastel con un dramático y efectivo blanco y negro), unos personajes estrafalarios pero por los que es difícil no sentir empatía, un sentido del humor e ironía que sin llegar a la comedia típica si te mantiene la sonrisa durante prácticamente todo el metraje, una narración a empellones, hilvanando episodios que al final conforman un todo... o igual no.

Y luego están las típicas reflexiones de alto calado, ya sean filosóficas, sociales, históricas, costumbristas, políticas... En este caso, hay un homenaje a los años cincuenta en dos vertientes, una, la luminosa del pulp de cienciaficción de aquella época, en un decorado de exteriores que no oculta el cartón piedra, ya sea real o creado digitalmente, y otra, más urbana, el teatro más o menos de élite de la misma era. Se combinan reflexiones sobre la histeria de masas, el cine hollywoodiense, el acto de crear (teatro, fotos...) ... y el mérito del director es que logra hacer encajar ambas vertientes. Su habilidad en el montaje y arquitectura del guion sigue siendo innegable.
Pero a diferencia de lo que me pasa con mis pelis favoritas ("Moonrise Kingdom" o "El Gran Hotel Budapest", por decir las dos, para mí, mejores), no conecto esta vez con los personajes, me da igual lo que les ocurra... y ello es porque Anderson se centra en ese ejercicio de estilo en detrimento de la narración de una historia.

Resumiendo, que es gerundio: la consecuencia es que hay momentos que resultan aburridos, casi casi hasta cargantes. Y eso es lo que no le perdono a una película.

Así que no me atrevo ni a recomendársela ni a disuadirles de verla. Si les gusta el cine de Wes Anderson en su vertiente estilística, no les decepcionará demasiado. Es una peli de Wes Anderson, de eso no hay duda, para bien y para mal. Si son como yo, y les gustan las pelis con desarrollo de personajes y una historia que les haga evolucionar... pues me lo pensaría, la verdad.

(Ah, la selección musical sigue siendo impecable. Es otra marca de la casa Anderson).

Tremendamente fallido este Napoleón de Ridley Scott. Y eso que tenía todo para que me gustase: temática, actores protagonistas, aliento de un cine épico que siempre me ha gustado y por desgracia ya no es habitual... Y sin embargo, no funciona.

Vamos por lo bueno: ambientación, vestuario y decorados y la belleza de algunos planos de batallas, en especial la de Austerlitz. Vanessa Kirby como Josefina. Y poco más.

Todo lo demás, insisto, es fallido. Lo fundamental es que, aunque la película no es aburrida, sí es vacía. No consigue, si es que lo intenta, que nos interesemos ni por el personaje protagonista ni por lo que acontece. Todo es frío y hueco. Es posible que Scott se propusiera desmitificar al personaje. Pero no lo creo. Y es que si vas a hacer una película sobre Napoleón, puedes saltarte a la torera la veracidad histórica en algunas cosas si eso ayuda a contar la historia, como es habitual en los biopics. Recordemos que vamos al cine a ver cómo se cuentan historias. Si queremos datos fehacientes, leamos libros de Historia. Pero hay una línea roja que no se puede traspasar con Napoleón, y es la de tratarlo como un mindundi: estamos hablando de un señor que modeló la Europa que vivimos, un personaje controvertido a quien no se sabe si agradecerle que propagara las ideas de libertad de la Revolución Francesa o crucificarle por intentar imponerlas por la fuerza y acabar siendo un tirano.
Y a pesar de esto, el Napoleón que dibujan Scott y su guionista es hueco e intranscendente. No hay magnetismo, no despierta sentimientos ni de odio ni de empatía. Si ese era el objetivo, y la interpretación de Phoenix va por ahí, felicidades. Pero ese no es Napoleón.

Con todo, a pesar de esta falta de interés, no creo que se pueda decir que la película sea aburrida. Y, curiosamente, ahí está su segundo problema: al intentar, como todos los biopics, ser un "greatest hits" de la vida del biografiado, con todos los momentos importantes, en el caso de alguien con la complejidad de Napoleón, hacerlo en dos horas y media provoca que todo vaya demasiado rápido. El ritmo es deslavazado, los hechos se suceden frenéticos y en orden, pero sin concierto. Como le he leído a alguien, no recuerdo si un crítico o un espectador, si conoces a Napoleón tú mismo tendrás que ir rellenando los huecos; y si no lo conoces, te quedas sin saber por qué van ocurriendo las cosas. Puede que la versión de cuatro horas podría solucionar esos problemas. Quién sabe. Pero entonces el reproche es el haber estrenado una versión incompleta.

En resumen, no es cosa de que sea aburrida, que no lo es, o de falta de veracidad histórica, algo que puede perdonarse si la película funciona. Como ya he dicho, si queremos aprender Historia, vamos a las fuentes. No, el problema es que la película, por un lado, es incoherente narrativamente y, por otro, lo cual es aún peor, no consigue interesar, es un artefacto preciosista pero inocuo.

Y tratándose de Napoleón, eso es imperdonable.

Planteada a. modo de una película clásica de los años del neorrealismo italiana, rodada para ello en un excelso blanco y negro, "Siempre nos quedará mañana" plantea un drama en el que presenta la situación de una mujer en Italia recién terminada la Segunda Guerra Mundial, con un país supuestamente recién liberado del fascismo pero que aún vive el lastre de la época pasada. La directora y protagonista Paola Cortellesi no duda en presentar con toda su crudeza dicha situación, la de una ama de casa sin más horizonte que el de ocuparse de su familia y sufrir los desplantes y, sobre todo, violencia de su marido, pero, quizás sabedora de la crueldad de las imágenes que está narrando, impone un distanciamiento a base de un nada soterrado humor en diálogos y un en principio chocante pero luego muy efectivo contraste mediante el uso de la música como contrapunto, ilustrando algunas escenas con optimistas canciones de corte clásico y baile, o canciones modernas que quizás sirvan también para recordarnos que algunas de las situaciones presentadas existen aún hoy...

Al final nos queda una película vibrante, con necesaria denuncia, excelentemente narrada e interpretada con un sorprendente giro argumental final que la realza aún más ...