Años después de debutar en el cine con películas propias de la Transición española, que reflejaban las inquietudes del momento en nuestro país (como « Asignatura pendiente » o « Solos en la madrugada »), José Luis Garci experimentó con el género policiaco con « El crak », y la verdad es que la aventura no le salió nada mal. La película tuvo un sorprendente éxito de público, consagró a Alfredo Landa como actor favorito de Garci y con una imagen de « actor serio » que muy pocas veces había dado antes.

Por otra parte, « El crack » es un homenaje afectivo de su realizador al cine clásico americano, el que mamó en su infancia y juventud, y, en particular, al cine negro. Encontramos también aquí la figura del detective solitario, inteligente e implacable con sus enemigos, así como una enrevesada trama detectivesca, llena de giros y sorpresas, y varias cosas más. Por otra parte, el recorrido que hace la película por un Madrid muy reconocible, con sus cafés, barberías, cines, hospitales o combates de boxeo hace que los diversos elementos con que se construye la historia tengan suficiente credibilidad y encajen bien en el conjunto.

Lo mejor.- Alfredo Landa : su composición, sus gestos, sus silencios, sus diálogos…

La secuencia.- La primera, antes de los créditos, que transcurre en un restaurante donde entran a robar, no tiene nada que ver con la trama argumental, pero define perfectamente a nuestro protagonista.

La frase.- El camarero le informa a Landa con todo detalle de la cantidad y variedad de postres que le puede ofrecer para terminar su comida. Cuando termina de leerle su larga lista, le pregunta al cliente : « De todo esto, ¿qué le apetece ? ». Y Landa, sin inmutarse, responde : « Un solo ».

La anécdota.- El éxito de esta película le motivó a Garci para que dos años después realizara « El crack II », que retoma las andanzas del mismo personaje con similar estilo y el mismo equipo técnico y artístico, pero sin el factor sorpresa de su predecesora.

Black Rock es un pueblecito perdido en el desierto, con muy pocos habitantes, donde casi nunca para el tren, pues nadie baja ni sube allí. Un día, contra toda costumbre, y después de cuatro años, para el tren, y baja un hombre manco y de aspecto serio y sereno. No quiere decir a nadie cuál es el motivo que le lleva a un sitio tan oculto y nada interesante. Pero desde el principio percibe que no es bien recibido en el lugar; puesto que todo el pueblo parece ocultar un terrible secreto y temen que cualquier forastero pueda llegar a descubrirlo.

La huella de “Solo ante el peligro” influyó en la década de los 50 en varias y excelentes películas, dentro del género western, que adoptaban un esquema similar: el héroe solitario, que sufre una grave amenaza a causa de la misión que debe cumplir en un espacio de tiempo muy limitado y que, en lugar de contar con el apoyo de una comunidad, se enfrenta solo ante la insolidaridad y el miedo de los demás. Recordemos “El tren de las 3´10”, “El último tren de Gunn Hill” y, en menor medida, “Rio Bravo”.
“Conspiración de silencio” no es exactamente un western, pues transcurre en una época más moderna, recién terminada la II Guerra Mundial, cuando los caballos son sustituidos por coches, pero pertenece al grupo que acabo de describir, y toma del cine del Oeste su tipología y situaciones muy conocidas: el forastero, la hostilidad que despierta en una pequeña población, la amenaza creciente, el saloon como escenario de peleas y el enfrentamiento final. Esta vez estamos ante un hombre que no lleva ningún arma y que ha perdido un brazo en la guerra, pero que representa la dignidad y la justicia.

John Sturges consiguió en “Conspiración de silencio” su primera importante película, a la que seguirían títulos de tanto renombre, ya dentro del western, como “Duelo de titanes”, la ya mencionada “El último tren de Gunn Hill” y, sobre todo, “Los siete magníficos”.

El reparto es inmejorable: al bueno de Tracy le acompañan el gran secundario Walter Brennan y tipos duros de la categoría de Robert Ryan, Ernest Bognine y Lee Marvin, nada más y nada menos. Para no perdérsela.

Lo mejor.- La tensión narrativa, las interpretaciones, la fotografía en color y el inteligente uso del formato Cinemascope para encuadrar bien al personaje en el marco de un paisaje físico, seco y desértico, y de otro paisaje, el humano, amenazante y violento.

El momento.- El arranque: el tren que avanza a toda velocidad pero que se para en Black Rock, el único viajero que se apea y la mezcla de sorpresa, desconcierto y hostilidad de la gente que le ve llegar.
La frase.- “El principio de autoridad ha desaparecido y los granujas obran a su antojo.” (Spencer Tracy)

Al igual que a Clint Eastwood, al carismático actor Sean Connery, fallecido el presente año, le sentó muy bien la madurez. Hacia mediados de los 70, lejos ya de su encasillamiento como James Bond, protagonizó tres notables películas de aventuras, seguidas una tras otra: “El hombre que pudo reinar”, “El viento y el león” y “Robin y Marian”. En esta última, el director inglés Richard Lester desmitificó al héroe de “Robin de los bosques” y de tantas otras películas en las que aparecía este personaje, y lo mostró envejecido, físicamente pero no en sus ideales, aunque humanizándole por completo y provocando nuestro respeto y simpatía.

Pero lo que da mayor interés a esta hermosa película no son las luchas y batallitas (que no faltan, aunque mucho menos grandiosas que antes), sino el encuentro cinematográfico de una pareja de lujo: nada menos que Sean Connery y Audrey Hepburn, señalando el regreso de una actriz, ya madura pero querida por todos, después de diez años de ausencia de las pantallas. Ellos dos, viviendo un romance que va más allá del tiempo y de la muerte, elevan muchos enteros la categoría de la cinta.

Dos jóvenes profesoras, amigas entre sí, dirigen con gran ilusión y acierto un colegio interno exclusivamente femenino. Un día una niña, de carácter muy complejo y retorcido, en venganza por un castigo que ha recibido, divulga el rumor de que las dos maestras mantienen mutuamente relaciones amorosas. La propagación de la calumnia provocará consecuencias muy dramáticas.

William Wyler, después de “tirar la casa por la ventana” con “Ben-Hur”, llenar las arcas de la Metro y llevarse en el bolsillo un puñado de premios, se tomó un descanso haciendo una película mucho más sencilla, con pocos actores, pocos decorados y en blanco y negro; además de su procedencia teatral y de ser un remake de una película de los años 30 que dirigiera el propio Wyler y que se tituló “Esos tres”, esta vez con una mayor libertad respecto a la censura de la que tuvo entonces.

Tal y como queda, “La calumnia” es un magnífico y tenso melodrama que demuestra una vez más la maestría del realizador de “Los mejores años de nuestra vida” o de “Vacaciones en Roma”, entre otros títulos inolvidables. Pero quizá el mayor acierto resida en la elección de sus `protagonistas, dos actrices en estado de gracia y en la cúspide de sus respectivas carreras: una Audrey Hepburn recién salida de “Desayuno con diamantes” y una Shirley MacLaine de vuelta de “El apartamento”; las dos igualmente soberbias; sólo por verlas a ellas merece la pena ver la película.

Lo mejor.- Un guion muy inteligente que sabe dar su giro narrativo en el momento necesario. Y, como ya he dicho, el trabajo de las dos actrices protagonistas.

Mi pregunta.- ¿Por qué esta película llegó tan tarde a España y, además, en salas de “arte y ensayo” en versión original subtitulada? El tema es delicado; pero está tratado con una finura y exquisitez ejemplares. Además, es una película con mucha clase.

Recién comenzada la década de los 90, Clint Eastwood demostró con “Sin perdón” y “Un mundo perfecto” que era capaz de dar lo mejor de sí mismo como profesional del cine. “Los puentes de Madison”, rodada a continuación de las dos citadas, no sólo no decepcionó sino que trajo la sorpresa de ver al duro actor californiano metido de lleno en un melodrama sentimental que poco o nada tenía que ver con su filmografía anterior. En los albores ya del último tramo de su existencia, su personaje es capaz de descubrir el amor cuando aparentemente poco o nada podía esperar de la vida. La película nos devuelve el cine clásico de siempre, el de “Breve encuentro” y otros títulos grandes que ya son historia . Junto a Eastwood, una Meryl Streep que no agota sus recursos para el drama.

Lo mejor.- La sensibilidad de Eastwood para explorar los sentimientos humanos y la química entre la pareja protagonista.

Lo peor.- Hay unas cuantas veces en que parece que la película va a terminar y no lo hace.