El argumento de Plácido no es más que una gran excusa para que Berlanga haga un retrato desde un punto de vista muy personal de un momento de la historia de España (quizá de la humanidad entera). No nos importa demasiado que el personaje que interpreta Cassen logre o no su objetivo mientras el ojo crítico de Berlanga lo persigue por los distintos estratos sociales: los ricos, los pobres, los trabajadores, los empresarios, los pícaros, los desahuciados, la iglesia, los artistas, la prensa... Sin embargo hay alguna pequeña trampa en todo este recorrido pues el punto de vista de la narración no es siempre el personaje de Plácido. Hay escenas en las que no aparece o aparece después de la presentación de la escena y sus personajes. Esto le resta a Plácido algo de fuerza y protagonismo, cuando es sin duda el personaje principal de la película (incluso da el título a la misma) y la motivación inicial del argumento: el pago de la letra de su carromato. Al hacer esto (es un recurso de dirección) Berlanga desplaza intencionadamente la atención del espectador hacia los asuntos que le interesa mostrar a él, esta mirada incisiva sobre las desigualdades sociales, la hipocresía, la falsa caridad, las apariencias, la crueldad, el cinismo, etc. Muchos dicen que es una crítica social más bien política hacia el régimen franquista pero no es así, es aún peor. Berlanga no deja títere con cabeza: el egoísmo se muestra presente en casi todos los personajes, que van a lo suyo, a su asunto, incluyendo al mismo Plácido y su familia. No se salvan del egoísmo (egoísmo tal vez obligado por el hambre, aunque no deja de ser egoísmo) ni los pobres pese a sus duras circunstancias (atención a la triste, dura y tragicómica penúltima secuencia, donde la sonrisa se te congela en la boca, en la que no sabes si reír o llorar). Es un retrato cruel y pesimista del ser humano y por eso, pese a que todos los personajes logran sus objetivos, deja al terminar un regusto amargo en la boca, subrayado por el villancico final. Por eso en Plácido no te acabas riendo a carcajadas de la miseria de sus personajes como en otras películas de Berlanga, no es una comedia al uso sino una crítica feroz y despiadada maquillada con algunos chistes que no desvirtúan su esencia.
A nivel formal es espléndida la puesta en escena, el barullo que logra siempre Berlanga en sus planos-secuencia a los que va añadiendo personajes con un ritmo muy natural y ágil.
El mérito lo comparte por supuesto con el guion que escribe junto a Azcona.
Una obra maestra del cine que merece varios visionados.

Si la consideramos una secuela de El resplandor claramente no está a la altura. Kubrick no hizo una película de terror: diseñó una atmósfera en la que el espectador quedaba irremediablemente atrapado a medida que transcurrían los minutos, al mismo tiempo que lo iban haciendo los personajes. Nos sumergía lentamente en nuestros miedos más profundos a plena luz del día: el aislamiento, la soledad, la locura... A Flanagan lo único que le interesa es contar una historia de inverosímiles y ridículos modernos vampiros energéticos que ni dan miedo ni causan respeto alguno. Incluso las referencias a El resplandor (para tratar de satisfacer a los nostálgicos) son planas, insulsas, insípidas, amén de resultar sacrílego el tratamiento que hace de los antiguos habitantes del Overlook (no voy a desvelar nada, sólo que me causó bastante vergüenza ajena y un poco de pena ver cómo se trataba a estos en Doctor sueño).
Sin hacer más referencias a El resplandor (aunque es casi inevitable) Doctor sueño podría incluso llegar a ser entretenida, una más del montón, si no fuera por su excesiva duración. La trama es infantil y poco atractiva. Lo único que se salva es la interpretación de Ewan McGregor, aunque su personaje está bastante desaprovechado en aras del espectáculo hollywoodiense y en detrimento de la profundización psicológica. Del resto de intérpretes no vale la pena hablar. Me sorprende que este sea el mismo director que hizo Hush (muy atrevida e inquietante) y la serie La maldición de Hill House, obras de una carga psicológica más profunda. Doctor sueño ni es valiente ni tiene carácter.
* Pongo nota de valoración porque es obligatorio para poder hacer mi crítica, aunque no crea en el sistema de puntuaciones.

Que una película pase volando no es sencillo de conseguir. Tal vez el género eche a muchos para atrás. Es cierto, hay algunas secuencias algo violentas y sangrientas. Pero me ha sorprendido bastante. Es cine de género, con adolescente perseguida por unos malvados y poco más, que nadie espere lecciones metafísicas sobre la vida y la muerte ni algo trascendental. Es pura rabia. La niña (ya adolescente) hace un papel magnífico, muy creíble. Hay tópicos y clichés en algunos personajes y situaciones, con un guión que se centra más en el desarrollo de la historia de venganza que en las causas y efectos de las acciones y motivaciones de sus personajes, pero está puesto al servicio de la acción dramática, de la trama. Se le perdona. Al estilo Hitchcock utiliza el macguffin para hacer avanzar la acción sin detenerse en otras cuestiones. Es una gran excusa para asistir al juego del gato y el ratón y pasarlo en grande. Es muy entretenida y va a lo que va. Quizás se echa un poco de menos un mayor cuidado en el tratamiento de la fotografía y la composición de los planos en el montaje. La iluminación es muy plana, tiene aspecto a veces de telefilme y es una pena. Hay también un abuso de planos cortos y medios que ayudan a dar esa imagen de película para televisión. Pero en general es muy resultona y vale la pena echarle un vistazo.

Lo primero que sentí mientras visualizaba La casa de Jack fue un odio visceral hacia Von Trier y su presuntuosidad. Algo se removía dentro de mí a medida que iba desarrollándose la historia: asco, repulsión, ira, amargura... pero seguí viéndola. Al terminar pensé en si era necesario hacer y ver este tipo de películas. El sabor de boca era terrible, angustioso, desesperanzador.
Pasaron unos días y la película seguía en mí pero se iba metamorfoseando. La crisálida se rasgó y la mariposa echó a volar. La película se mete en tu subconsciente y te cocina, a ti, a fuego lento. Y se convierte en obra maestra del cine moderno. Te habla de la sombra del ser humano, de nuestra propia sombra, sin complejos, sin miedo a aceptarla tal y como lo que es. Es una bomba de relojería que te estalla en la cara. Un test de Roschard. «¿Qué ve usted ahí?» Quizás te haga ver lo que no quieres asumir: tu propia ira interna, tu amargura, tu odio. Es una bofetada a las buenas costumbres, al mundo de (falsa) seguridad en el que vivimos, a la moral y el buenismo burgués. Un desparrame sin límites. Y es que el día en que limitemos la expresión creativa (¿no lo hacemos ya?) el mundo será quizá mucho más peligroso, cruel y brutal de lo que ya es.
No apta para "buenas personas de conducta intachable".
* Pongo nota de valoración porque es obligatorio para poder hacer mi crítica, aunque no crea en el sistema de puntuaciones.

Película sencilla e intimista sobre la preadolescencia de una niña en el año 92 d.c., sin grandes pretensiones ni fuegos de artificio. Por un momento regreso a los noventa y se hace agradable. Eran tiempos, a mi ver, visto lo que se ve hoy en día, más inocentes en todos los aspectos. Las pelis porno se codificaban (aunque hay un error al respecto que desvelo en zona spoiler) y el ritmo de vida era otro. Había teléfonos fijos en casa. No era lo que es hoy, que nos devora la urgencia, la rapidez de las redes, etc. Todo esto está muy bien tratado por la directora.
Las actrices están estupendas, genial sobre todo la protagonista, Andrea Fandós, con una naturalidad y un control sobre las escenas dignas de una gran actriz.
Pero la película decae en el último tramo, se ralentiza en exceso quizá debido a querer enfatizar el melodrama familiar mediante los largos silencios y las pausas en la narración, lo que es lícito para generar cierto ambiente antes del clímax final... (sigo en spoiler)