Antes que nada, voy a felicitar al gran Ridley Scott, él nunca va a leer esta reseña porque no creo que algún día se ponga a hurgar páginas donde los amantes aportan sus reseñas o puntos de vista, aun así, lo voy a hacer porque esta es mi reseña y hago lo que quiero. En el año 2021 trajo El Ultimo Duelo, un historia oscura y profunda en la época medieval que si bien, el mensaje que poseía era fuerte y realista, su guion y la estructura de la cinta fueron un poco descolocadas. Llego House of Gucci, un film donde la estructura y el guion van juntos de la mano, donde la historia pasa de lo divertido y romántico a la oscuridad, el odio y venganza. La critica especializada dijo que su guion y la duración (157 minutos) eran la falla mas notoria, puede que sea cierto y yo no sea un crítico especializado, pero como cinéfilo, todo lo que contiene esta más que bien, me hubiera gustado ver un poco más, pero lo que muestra es satisfactorio y efectivo.

House of Gucci cuenta ya la conocidísima historia de la familia Gucci, en especial la del querido Maurizio (Adam Driver), que conoce a Patrizia Reggiani (Lady Gaga). Muestran el poder y la influencia de la familia italiana Gucci, el alegre y turbulento matrimonio de Maurizio y Patrizia, traiciones, celos, y el final trágico. Scott tomo las riendas con convicción y llevo la película a un nivel artístico nunca ante visto, su ojo para la cámara sabe a donde quiere llevarnos, a que quiere involucrarnos con cada escena. Esta de más mencionar que los escenarios que se presentan en cada plano son exquisitos, al igual que el diseño de vestuario y el maquillaje, que son un trabajo estupendo. Voy a hacer una mención especial a la música que decora toda esta obra, canciones de artistas como Blondie, George Michael, Donna Summer, Eurythmics, David Bowie, Tracy Chapman y etc., en cuanto Harry Gregson-Williams vuelve junto a Scott y le da ese susurro musical que acompaña sin titubear. "Gucci" nos da lo que es, ni más, ni menos, es lujosa y desastrosa porque lo requiere, lo necesita.

Un punto fuertísimo del film son las actuaciones: Gaga se sobresale por si sola, no sé si habrá tomado algunas clases de actuación o qué, pero en esta película se la ve desconocida, en su mirada, en su gesto hay más de mil palabras. Driver crece cada vez que algún proyecto se le propone, lo toma y lo hace con tanta naturaleza que el resultado es tan cómodo de ver. Jared Leto dejo atrás su persona y fue poseído por Paolo Gucci; en cuanto a los grandes de Salma Hayek, Jeremy Irons y Al Pacino, bueno, ellos ya son grandes por que si.

El proceso de desarrollo y evolución de cada personaje va en "crescendo" a la par de la historia, como conté antes, del amor al odio, los personajes hacen lo mismo: A Patrizia al comienzo se la ve nerviosa, tímida y enamoradiza, luego, se la ve ventajera, vengativa, dolorida y egocéntrica. "¿Ves algo estos ojos que te haga pensar que dejaré que alguien le arruine la vida a mi hija?" pregunta llorando, pues no esta dispuesta a perder nada por lo que lucho. Maurizio se parece un poco a la interpretación que nos brindo Christopher Reeve en Superman (1978), torpe e introvertido, mas usando esas gafas grandes, pero luego se lo ve fuerte e independiente, de convicción solida. Aldo Gucci (Pacino), que se ve tierno y cariñoso con su sobrino, muestra la hilacha y es un ser posesivo, manipulador y despectivo. Paolo es demasiado bueno y torpe, pero en un momento de ira hace cosas que lo perjudican así mismo, volviéndolo impotente y perdido. Es como un show de a ver quien se le cae la careta primero y muestre sus verdaderas intenciones, y es entretenido.

Me parece injusto que la cinta solo reciba una nominación al Oscar para Mejor Maquillaje y Peinado, cuando tranquilamente podría desplazar a otra y ocupar más categorías. Creo que es uno de los mejores trabajos realizados por Scott en años y es como una frase de la película: "Gucci es como el pastel, pruebas uno poco y siempre quieres más". Este tipo de películas no se encuentra a diario, menos con un elenco trabajando unido y enérgico. Algo que todavía me da vueltas por la cabeza es si Patrizia, en verdad, se enamoró de él o solo se casó con él sabiendo que era Gucci y conocía su fortuna y quedarse con todo. Espero que ustedes puedan encontrar la respuesta, mientras yo, probablemente la vea una y otra vez (porque me encantó) hasta encontrarla.

En definitiva, al ver su inicio pensé que iba encontrarme con una cinta básica, trillada y completamente predecible, pero resulta que no. Si, su principio y ciertas situaciones son demasiado cursis y tontas, como una película de adolescente, el tema es que esta no es una de ellas, digamos que una para veinteañeros pisando los treinta, y eso es lo que la hace exquisita e interesante.

Tiene todo el encanto de una comedia romántica, pero es más cruda y realista de lo que uno esperaba. Pues claro, tiene algo meloso que vender, pues tiene que llamar la atención, pero debajo de ese colorido romance entre el Príncipe de Inglaterra y el hijo de la Presidenta de los Estados Unidos, hay algo que pone en duda a la audiencia, y es por ahí donde gana. Como alguien de la comunidad LGTBIQ+ que soy, opino que esta es una de las mejores cintas que abarca el tema con cierta delicadeza, cierto humor, sin estereotipar. Tampoco es una obra maestra, pero es honesta para contar lo que quiere.

Nicholas Galitzine, ya lo dije más de una vez, es un buen actor, además de tener una carita de ángel, hace un trabajo interior espectacular y en esta ocasión ha dado más de lo que pudo, dando una interpretación brillante, su Príncipe Henry es correcto, y a la vez muy sensible. En cuanto, Taylor Zakhar Perez, además de ser irresistiblemente sensual, maneja un carisma que se lleva la cámara por todos lados, plano que obtiene, lo roba con comodidad, así como también como sus momentos pequeños y personales, uno logra empatizar con su mirada, gesto, es increíble. Ambos manejan una química que muchos envidiarían, muestran un verdadero amor.

La dirección de Matthew Lopez es correcta, pudiera haber deseado más, pero con lo que vi quede bastante satisfecho, sencilla pero compleja. Busca destronar las viejas costumbres que ya no tienen vigencia hoy en día y esos protocolos absurdos de como tener que vivir la vida. El guion es claro, es por eso que no tiene ningún defecto, de hecho, posee algunas líneas que son muy remarcables, mi favorita es: " A veces simplemente tienes que saltar, solo espera no estar parado sobre el acantilado".

En mi opinión, me sentí identificado con algunas situaciones que brinda la cinta, creo que si repela eso una simple imagen, habla del poder que contiene. Es para pasar el rato, es para reírse un rato, para volver a enamorarse de alguien y para traer esperanza a las nuevas generaciones que se vienen.

Es lindo, pues, Rojo Blanco y Sangre Azul se ha ganado un lugar en mi.

Cuando me entere hace años atrás que iban a hacer una remake de West Side Story (Amor Sin Barreras, en mi país) no fue mucho de mi agrado, porque es un musical y una película que llegaron a cautivarme y volar mi imaginación. Como todos sabemos, muchas de las remakes (no todas, algunas) siempre se las incentivo a que sean mejores que las originales, pero la mayoría de ellas fueron fracasos, no solo de taquilla, si no en la calidad y hasta diría que otras son una copia directa, sin traer nada nuevo. Peor me puse cuando me enteré que Steven Spielberg iba a tomar las riendas del proyecto.

No me malinterpreten, Spielberg es uno de los mejores cineastas que puede existir en la historia del cine, trajo películas de alto nivel y genuinidad para la mitad de los años 70, revolucionó las pantallas grandes en los 80 y se consagro en los 90. Ya para fines del siglo y comienzos del nuevo milenio empezó a tener sus tropiezos grandes y algunas de sus películas se veían débiles, como si tuviera la necesidad de subestimar al público con algo grande y majestuoso. Repito, no me malinterpreten, él hizo tanto por el cine, es un director apasionado, perfeccionista y predispuesto para el trabajo, sin dejar de explorar la áreas que hay en el campo. Es un director que nunca se rebajo al nivel de otras películas para que lo consuman, aunque El Mundo Perdido: Jurassic Park (1997) fue un claro ejemplo de querer volver a ser cabecilla en las taquillas. A pesar de eso, nunca se vendió y se dedicó a ninguna franquicia: miren el claro ejemplo de su disputa con Kathleen Kennedy, presidenta de LUCASFILM, acerca del proyecto de Indiana Jones 5, que está pactada a estrenarse el próximo año, donde soltó las riendas porque no le cuadraba. Se mantiene fiel así mismo aunque el cine de hoy esta acostumbrado a otro tipo de productos y ya no se sorprenda como llegó hacerlo Tiburón (1975), Encuentros Cercanos de Tercer Tipo (1977), o E.T (1982), Steven va a seguir haciendo lo que crea es correcto, como lo hizo toda su carrera, cuando decían que lo que él hacía "no era cine". Muchachos, muchas de las películas que ven hoy en día existen porque antes Steven Spielberg lo hizo posible, así que, le debemos casi todo, como a muchos otros grandes.

Volviendo a la cinta, West Side Story, no es solo es una adaptación increíble, si no que coloca a Spielberg en un escalón superior reafirmando su talento y visión. Esta adaptación no es una copia directa, es nueva y fresca, respeta la original y le rinde un hermoso homenaje, dándonos una moraleja latente. Así que los que vayan a ver esta cinta, y ya hayan visto la de 1961 van a disfrutar los 156 minutos del largometraje, de principio a fin. Es alucinante, poderosa e imponente, no posee ninguna falla en lo argumental, es fiel y sólida. Spielberg dirige con limpieza y detalle, sin perder una pizca de imagen, el diseño de producción es frío, por momentos cálido y espectral, me encantó eso de las grúas de demolición y algunos edificios derrumbados donde los personajes llevan la acción constante. Los números de bailes son perfectos y de gran desplazamiento, la música suena fuerte y pegajosa, realmente, cuando la escuchas te dan ganas de bailar como los que habitan en ella. En lo personal me canté todas las canciones, pues el género Musical es mi segundo género favorito, y pude notar que modificaron algunas letras pero aún así tiene magia que solo Stephen Sondheim (en paz descanse) podía trasmitir en sus letras.

En cuanto las actuaciones, Ansel Elgort es encantador y enérgico, posee todo lo que una interpretación de Tony requiere, creo que si algún día traen a la pantalla de nuevo Romeo y Julieta, el puede interpretar a Romeo con facilidad; David Alvarez le da a Bernardo masculinidad, sensualidad y potencia, algo que me gusto fue que siempre tiene su mano sobre el cinturón como si marcara presencia. Ariana DeBose, es la Anita perfecta, no hay nada de lo que me pueda quejar, solo exijo que le den su Oscar de Mejor Actriz de Reparto, porque no solo actúa increíble, baila como las diosas. Acá tengo que desentonar un poco, pues, Rachel Zegler, quien interpreta a María, está muy lejos de la que nos brindo Natalie Wood por allá en 1961, faltó fuerza, canta hermoso, no lo niego, pero hay algo en su actuación que no me convence del todo, si bien es la protagonista, esperaba y exigía más como espectador. Y no voy a olvidarme de la única Rita Moreno, actriz que actuó ya en la de 1961 haciendo de Anita, que le valió un Oscar a Mejor Actriz de Reparto, su participación en esta cinta es esencial y de gran transparencia.

No la puedo comparar con la original que Robert Wise trajo hace sesenta años atrás, porque eso es de idiota. Esta adaptación no pierde nada, respeta los temas autóctonos y agrega otros, y si hacemos una comparativa con la realidad, pareciera que en sesenta años no cambiamos lo suficiente: la discriminación, la ignorancia, la homofobia, la violencia, los abusos sexuales siguen existiendo, desafortunadamente. Pero por sobre todas las cosas, tenemos un arma más fuerte, el amor, que siempre está, es fuerte y no titubea, y siempre va a predominar sobre el odio. Es triste que su estreno haya pasado desapercibido, pues Spider-Man: Sin Regreso a Casa ocupó la mayoría de las salas, dejando de un lado eso, cuando la vean van disfrutarla por completo, dan ganas de volver a verla, hace que ir al cine valga la pena y sea una experiencia deslumbrante.

Ridley Scott es uno de los mejores directores que posee Hollywood, durante los años sigue estando presente, trayendo películas, algunas más destacables que otras, pero sin embargo sigue estando y es lo que importa. Esta cinta, El Último Duelo, es una epopeya medieval, ya hemos visto trabajos de él que también transcurrían en ese ambiente como Cruzada (2005) o Robin Hood (2010); muchos dirán que este tipo de genero ya no es rentable para el cine, pues lo que hoy es rentable son los productos de superhéroes, la diferencia que es que los superhéroes no traen nada más que su egoísmo por salvar el mundo, en cambio este tipo de películas traen una crítica y un mensaje para la audiencia, el caso de El Ultimo Duelo, es una crítica latente y un mensaje fuerte y esperanzador.

Me puso contento volver a ver escenarios reales, castillos reales, pues la película fue filmada en Francia, actores sobre caballo reales, sin abusar de efectos especiales y CGI. Es oscura, tétrica, fuerte, violenta y sanguinaria, quien ya este acostumbrado a Scott verá en su obra maestra Gladiador (2000) donde la sangre corre en muchas escenas de batallas, esta no es la excepción.

A pesar de todas estas bellezas, debo admitir que su estructura no logro convencer lo suficiente, o sea, los momentos fuertes los tiene, los momentos de batalla los tiene, los momentos en que los personajes se desarrollan los tiene, está bien balanceada. Su problema es que el guion (escrito por los mismísimos Matt Damon y Ben Affleck, ganadores de Mejor Guion Original en 1997 por la gran En Busca del Destino) vuelve mucho sobre sus pasos, y eso hace que sea un poco confusa y repetitiva. Trae tres verdades, dependiendo punto de vista, aunque una de ellas es la verdadera verdad, pero la falta de definición sobre cada verdad es débil. Las actuaciones no son del todo convincentes, Matt Damon pareciera que carece de carácter ante ciertas situaciones, Ben Affleck es como si hiciera el mismo papel en todas las películas, en cuanto a Adam Driver y Jodie Comer, quienes se llevan la mayor parte, tienen química, conexión, pero se los ve tímidos. La música de Harry Gregson Williams embellece cada cuadro y es tan épica como lo fue la música de Armageddon (1998), Cruzada (2005) y Las Crónicas de Narnia (2005/2008) En cuanto a la escena del duelo final, es exquisita, inquietante y enérgica, es una de las mejores escenas de la cinta.

Ya Scott mostró en Thelma y Louise (1991) que las mujeres tienen el poder y tienden a levantarse y oponerse contra el sistema machista del momento, en este film, hace lo mismo. En las escenas de la Corte, cuando Marguerite (Comer) da su testimonio, muchos la consideran de infiel a su marido, que realmente prefería a Le Gris (Driver) sobre su marido (Damon), pero ella sabe lo que dice, no miente, trae la verdad, la única verdad, lástima que no todos le crean. La misoginia está presente, el machismo también, como solemos ver en algunos sectores de nuestra actualidad, la masculinidad latente también, el orgullo de defender lo que le conviene a uno, y también defender lo cree que es correcto también. Pero lo que está más fuerte y siempre listo para oponerse a estas injusticias es la voz de las mujeres, que no cesara ante nadie.

Si bien no es el mejor trabajo de Scott en cuanto a lo estructural, pero en cuanto a visual y a historia, tiene aprobación y efectividad. Agradezco que él siga dando vueltas y traiga películas disfrutables y por sobre todo, reflexivas para la audiencia, que es lo que necesita para estos tiempos de cambios.

Una vez Roger Ebert, gran crítico de cine del Chicago Sun Times, cuando empezaba una reseña de una película bastante particular decía: “No soy el indicado para reseñar esta película”. No es que quiera parecerme a él, pero voy a iniciar con esa frase.

“No soy el indicado para reseñar esta película” porque realmente no sé qué fue lo que vi, una secuencia de escenas e imágenes distorsionadas, que no sé cómo se sostenían porque ni un hilo conductor las llevaba con la mano, es tan desesperante que me ponía nervioso el no poder entenderla o abrazarla por completo.

“Blonde” es un trabajo tan incompleto que me da pena, al tener un exquisito diseño de producción, un vestuario hermoso y algunos planos y movimientos de cámara tan increíbles que realmente puede destacarse en ello. Su contenido es muy complicado, no sé qué es el principio, ni se cuál es el desenlace y lo único que pude adivinar fue su final porque literalmente vi los títulos finales indicándome que había terminado. No puedo decir que es una cinta que deja mal a la queridísima e inmortal Marylin Monroe, o más bien, Norma Jeane Baker (o Mortenson), tampoco crea que sea misógina, es más como algo incomprensible y no justificándose de que la misma Marylin lo era, si no en cuanto a contenido de trabajo: tenían mucho para contar pero al no saber cómo manosearlo, filmaron momentos especiales y los unieron, dejándola completamente desordenada, con escenas de nudismo y sexo que no van en ciertos momentos y personajes fuera de sí.

Lana De Armas hace una buena interpretación, pero no la más memorable, es todo un reto ponerse en la piel de una figura como la de Marylin, pero creo que le falto y su problema no es nada más ni nada menos que el guion. Tiene el look, tiene el carisma y la belleza, pero en lo interior, que es el verdadero jugo, ahí sí que no puedo visualizar nada. En las escenas y a lo largo de la cinta, no pude disfrutar algún momento pequeño y solitario de ella, es como que todo el tiempo tiene que estar en situaciones extremas y tumultuosas, gritando y rompiendo cosas por doquier.

Es claro que su mayor problema, además de construir una historia para que sea fluida en sus 166 minutos, tiene que ver con la naturaleza que quiere mostrar; evidentemente su mística es un misterio. Me hizo acordar mucho a la The Doors (1991) del gran Oliver Stone, cinta que relataba la vida de Jim Morrison, interpretado maravillosamente por Val Kilmer. Lo que me hizo recordar fue eso, hay buenas actuaciones, pero la naturaleza de la película es un descifrar, la vi dos veces y no puedo conectar con ella en ningún momento.

Esta más que claro que Blonde es un fracaso estrepitoso de este año, una cinta que puede que algunos hayan esperado para espiar la vida de la Marylin, aunque insisto, si alguien quiere saber sobre ella debería hacer otro tipo de búsquedas. En lo personal, no es algo que me gusto, y no sé si estoy esperando una biopic de ella, pues al ser una celebridad que no muchos llegaron a conocerla en su círculo más adentro, es difícil descifrar como fue realmente su vida y cada detalle. Es una estrella de cine que depende quien la tome, la va a mostrar desde un punto de vista que a muchos no puede agradarles.

Mi rechazo no es con Marylin, ella siempre será un icono de cine, moda y cultura, mi rechazo es a este trabajo nauseabundo.