The Fabelmans no solo es la cinta más personal del gran Steven Spielberg, sino que también es una de las más grandes de su filmografía, llegando al nivel de sus trabajos más increíbles como La Lista de Schindler, Jurassic Park, Tiburon o E.T. “Fabelmans” es tan asombrosa como maravillosa, hasta diría majestuosa, no solo por su historia y su exquisito guion, más bien por el tipo de película que se presenta en la pantalla.

Pareciera que muchos directores de cine están plasmando de manera ficticias su biografías, y como dije antes, no hay nada más honesto y puro que contar su historia a través de una película, o un libro; a lo largo de la filmografía de Spielberg, vimos algunas pequeñas pistas de lo que fue su vida. Si, de terror a ciencia ficción y a drama, por momentos veíamos un trasfondo que mostraba como estaban construidos los personajes que tenían mucha relación con lo que le toco vivir, de seguro es por eso que sus películas, por más que fueran éxitos de taquilla, se sintieran y vieran más humanas.

“Las películas son sueños que nunca vas a olvidar”, esta frase la dice Mitzi Fabelman (Michelle Williams) cuando lleva junto a su esposo Burt (Paul Dano) a su pequeño hijo Sammy, por primera vez al cine a ver El Espectáculo Mas Grande del Mundo, en 1952. Una vez finalizada la función, el pequeño Sammy queda tan fascinado que no puede dormir, y en su cabeza sigue un imagen particular de la película que presencio por primera vez. A medida que transcurren los años, vemos como las hermanas más pequeñas de la familia van creciendo, como Sammy (Gabriel LaBelle), al igual que su amor por el cine, que hasta incluso toma la cámara de su padre o renta algunas para filmar proyectos propios junto amigos o para captar y grabar momentos junto a su familia. Pero a medida que todo pasa, la vida se interpone en la familia, y como hay momentos de alegría, hay momentos de cambio. Esta lleva a tomar decisiones que generan discusiones, pero Sammy sigue aferrándose a ver la vida detrás de la cámara y no puede dejar de captar momentos y situaciones sin ella, por más que su padre le diga que es un “hobby”, para él es algo más.

Spielberg toma las riendas tan audazmente, que hace que una vez que inicie la película, hace desear más y llega un punto que no querés que termine. Es una historia tan compenetrante que es imposible que llegue a aburrir o a ser densa, son 151 minutos de humor, drama, momentos únicos y frases que se convertirán icónicas a lo largo de la historia del cine. Es un trabajo armonioso donde el guion sabe lo que quiere contar y nada está de sobra. La música de John Williams tiene ese toque de decorar cada escena, haciendo que la banda sonora pareciera real. Las actuaciones son tan convincentes que uno empatiza y comprende la naturaleza de cada personaje. Esta película es un verdadero ejemplo de cómo hacer una cinta de nivel. No solo es una ventana a ver la vida de un grande, sino que también es un homenaje y una carta de amor al cine.

Es bueno seguir apostando por este tipo de películas, y es una experiencia que vale la pena vivirla en cine, siento que quede tan conforme cuando pague la entrada y pude disfrutar de manera tan placentera. Esta cinta, sigue afirmando que Steven Spielberg es uno los cineastas más grande del cine moderno, trayendo historias y proyectos que superaron en expectativas.

Algunos dirán que la industria cinematográfica está en crisis, pues en parte concuerdo, pero sé que hay gente todavía, los verdaderos cinéfilos, que saben que existen este tipo de películas y van a verlas, no solo por verlas porque si, más bien porque saben que tienen algo para contar y contactar con la audiencia. La era de Spielberg no paso, sigue estando, manteniéndose en pie, y con la misma esencia de hace casi 50 años atrás, y dejando huella en cada década y eso no lo hace cualquiera.

Y una cosa más: no pienses que el cine es solo una industria de cortes comerciales, o de productos de superhéroes, no todo concierne a ello, es algo más. Hay grandes películas dando vueltas, solo es cuestión de encontrarlas.

Los colores significan siempre algo, en este caso el azul cobalto es considerado como un color amistoso y apacible, entre sus cualidades incluyen estabilidad y calma. Básicamente esto es lo que siente Tanay, protagonista de la cinta, cuando conoce a este joven apuesto inquilino sin nombre que alquila el piso de arriba de su casa. Cuando está con él siente comodidad, estabilidad y una conexión consigo mismo y con su amante, pero no todo es como lo esperaba.

Ambientada en la década de los noventa en India, Tanay, ya mencionado, vive con su familia compuesta por sus padres, su hermano mayor, Aseem, y su hermana menor Anuja, quien es una chica muy deportiva y amante del hockey. Todo empieza cuando sus abuelos fallecen y el piso de arriba, en el que vivían queda deshabitado; Tanay, un aspirante a ser un escritor, quiere quedarse con el piso para poder tener su lugar y escribir, mirar películas y leer libros que le recomienda su profesor. Un día todo cambia cuando un inquilino misteriosamente apuesto llega, y además de sentir conexión instantánea, se enamora de él a primera vista. En secreto, los dos se encuentran y expresan su amor mutuamente, pero todo cambia el día que su amante y su hermana Anuja desaparecen, y muchas cosas salen a la luz.

Lo que más me gusto de esta cinta es que no se cierra a nada, es atrevida y sutil por momentos. Es una experiencia regocijante, desgarradora, encantadora y hasta esperanzadora. Es como leer un libro o escuchar alguna canción melódica. Las películas de India siempre se las caracteriza por su composición emocional y sus cuadros musicales entre escenas, ésta rompe con eso pero no quiere decir que deje de serlo, es tan pura como cualquier otra cinta bollywoodense. Las actuaciones son genuinas y sobresalientes; Neelay Mehendale, quien interpreta a Tanay da una interpretación auténtica, la emotividad que brinda, no solo trasmite felicidad y embeleso, sino que se puede sentir su angustia y llanto.

El único punto en el que la desplaza solo unos centímetros de ser una excelencia es que la historia está muy bien enfocada en la historia de amor y en lo que siente Tanay, muestra de forma adecuada el contexto historia y las tradiciones de la India, pero sentí que deja por momentos de un lado todo lo que siente Anuja, quien tiene mucho que ver en esta historia. Si, muestra su desinterés acerca las tradiciones de la familia, pues ella quiere dedicarse a la vida deportiva, no a casarse para que su hermano pueda casarse con su respectiva futura esposa. Si se hubiera pulido y dedicado un poco más en ella, hubiera sido exquisito, a no ser que el propósito del director era enfocarse en Tanay, quien es todo en la película.

Más de una vez, me digo a mi mismo que a veces, las cintas bollywoodenses siempre traen algo que otro cine de otro país no tiene, son cintas poderosas con un fuerte mensaje para la audiencia. En este caso, sentarse a verla solo, mirarla, sentir todo lo que provoco y escarbar en el interior, es una experiencia que no todas las películas románticas suelen aportar. Definitivamente, Azul Cobalto no solo es una de mis películas hindú favorita, sino que también del género, por darme lo que mis ojos, mi mente y corazón estaban necesitando.

Y así, como el amor suele ser maravilloso, también duele, dejando cicatrices, una experiencia que de seguro todos cargamos a veces, pero como dice Anuja en un momento de la cinta: "El amor te hace fuerte". Y también creo en eso.

“Prometeo robó el fuego a los dioses y se lo dio al hombre. Por esto, fue encadenado a una roca y torturado por la eternidad”.

Oppenheimer no solo es una de las películas más esperadas del año, sino que también, a mi gusto, una de las mejores. ¿Por qué? No solo por su composición, es un trabajo alucinante con muchos recursos y herramientas bien aplicados, llevados al límite, logrando la majestuosidad y perfección. Lo que la hace mejor es su temática, si la escena de la Prueba Trinity es asombrosa, bien lograda, pero lo que realmente habla es espeluznante: el lado humano. Si bien la escena en el que el Proyecto Manhattan se lleva a cabo, inicia una reacción en cadena de sus repercusiones, todo el contexto que sucede antes y después es igual de exquisito, de hecho, es lo mejor de la cinta.

Christopher Nolan es, en efecto, uno de los mejores directores que ha habido en los últimos veinte años. Muchos han cuestionado su filmografía y otros la han alabado, en cuanto una minoría dice que solo es buen director por haber realizado la trilogía de Batman, lo cuales esos no saben mucho de cine. Nolan es ambicioso y logra un impacto visual, hace que la audiencia se compenetre en 180 minutos de duración, provocando que uno encuentre pensamientos y sentimientos en el trascurso. Su cámara se mueve con perfecta magnificencia y su guión es poderoso en cada ángulo, nada hay sobra, y nada hay de menos. Las imágenes sugerentes y paralelismos de forma no lineal, hace que uno descubra otro trasfondo.

Las actuaciones son fuertes, Cillian Murphy se destaca, haciendo una interpretación brillante, catalogándose como una de las mejores en su carrera. Robert Downey Jr, por su lado, se ha despegado de la franquicia cinematográfica Marvel y volvió al ruedo con sed de superarse, en este trabajo lo hace hasta el último centímetro de piel, una interpretación que para mí, es digna de premiación y reconocimientos. Obviamente, el resto del elenco, Matt Damon, Emily Blunt, Florence Pugh, Casey Affleck, Josh Harnett, Kenneth Branagh, Tony Goldwyn, Gary Oldman, Rami Malek, Alden Ehrenreich, en otros, han aportado talento de calidad, en esta producción de lujo.

La música de Ludwig Goransson es todo, va acompañada de la historia y cuenta lo que sucede y va a llegar pasar, inquietante, tensa, fuerte, pasiva, como un susurro al oído. La mezcla de sonido es envolvente, real. Lo efectos especiales, que son prácticos, repelan un magnitud que hace que el asiento del cine vibre, es increíble que no se haya usado CGI, pues da otra impresión, mas regocijante. El diseño de producción tiene una apreciación única, al igual que el vestuario. Nolan hace funcionar todos estos elementos con armonía, provocando un realismo puro.

Muchos han dicho que la cinta es demasiado aburrida y que no trata de nada. Pues opino que si uno va con la expectativa de ver explosiones los 180 minutos de duración, no vaya, no trata de eso. Sí, es un thriller, a partir de un hecho, y muestra lo que realmente paso y lo que se avecina y si uno quiere ver eso, está en serios problemas. Más de una vez dije el cine es un medio de comunicación y Oppenheimer está para recordarnos lo que somos capaces de hacer y que nuestro destino depende de un hilo. Podemos escapar de la realidad e ir al cine a ver un entretenimiento explosivo, pero cuando uno sale, las cosas siguen igual, peor o mejor, y uno no puede escapar de ello.

En lo personal llego a cautivarme, impactarme y dejarme reflexionando acerca de muchas cosas. Vale la pena la experiencia en verla en cine, vale la pena su duración, vale la pena todo el trabajo, una película que quedara marcada en la historia del cine. Es horrible saber que todo esto sucedió y cosas que están fuera de nuestro alcance y conocimiento puede acabar con todo lo vemos y vivimos. Da miedo saber que tan solo presionan un botón y la humanidad perece en unos segundos.

No solo es ficción, es más real de lo que creíamos.

No esperaba este tipo de película, de hecho, me pedía a mi mismo que no me gustara, pero caí, no solo me gusto, me encanto. Hay algunas cosas que el guion fallo y que son muy notorias pero el resto es majestuoso. Dennis Villeneuve (La Llegada, Blade Runner 2049) trajo, sin dudas, una obra maestra, una película de Ciencia Ficción para esta época.

Las actuaciones son de primera calidad: Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Javier Barden y Josh Brolin, actores con trayectoria dan cátedra. Jason Momoa y Dave Bautista, actores con los que muchos están familiarizados por formar parte de los Universos Cinematográficos de DC y Marvel dieron interpretaciones brillantes. Hasta vi un espeluznante Stellan Skarsgard, interpretando al malvado Barón Vladimir Harkonnen. Pero los que se llevaron mis ojos fueron Zendaya, en el papel de la misteriosa mujer Fremen, Chani; y a Timothée Chalamet, quien interpreta al joven Paul Atreides, protagonista de esta cinta, dándole profundización y sensibilidad.

La música del gran Hans Zimmer, sublime, los efectos especiales son deslumbrantes, el sonido envolvente y esos escenarios auténticos, descriptivos, que generan una atmosfera tan real que nos transporta a ese universo, haciendo que sea una experiencia intergaláctica.

Duna de 1984, dirigida por el único David Lynch me pareció una buena adaptación y una buena película, pero no llego a convencerme. Sera que el ritmo es distinto, el enfoque y como se desarrolla la historia, mencionando que algunos vestuarios eran muy básicos y unos efectos especiales deprimentes habiendo otras películas del género que tenían efectos muy buenos para la época. No poseía malas actuaciones, de hecho, muchas de ellas fueron brillantes, incluso Sting. No fue una de las mejores películas dirigidas por Lynch, pero tenia algo de espíritu.

Duna ¿es la nueva Star Wars? ¿Es El Señor de los Anillos de esta generación? No, no lo es, no se puede comparar. Duna es Duna, y llegó al cine para marcar un antes y un después.

“El poder sobre la Especia es poder sobre todo”

Duna Parte Dos ha arribado, después de tres años de su primera parte y llega a responder (¿todas?) las dudas que nos dejó la anterior, estableciéndose en un nuevo nivel superior y adelantándonos lo que se viene.
Denis Villeneuve vuelve recargado, esta vez desplaza a Eric Roth del guion y agrega a Craig Mazin, que eso puede que la favorezca como no tanto. “Duna” es todo lo que una segunda entrega necesita, sin descuidar ciertos detalles, que lo hace, pero el cierre de esta primera fase del universo que Frank Herbert creó, es satisfactoria y adictiva. Claramente, detrás de las arenas de Arrakis, hay muchos secretos y lugares por conocer, y una galaxia por explorar.

Como película, es innovadora, como dije en mi primer reseña que fue la de Duna (2021), es una cinta para esta época, una ciencia ficción con sus propias reglas sin caer en la desesperación y recurrir a tramas sonsos para sacarla a flote. Esta parte cumple con una expectativa de narrativa y visual que nunca se vio antes. Las escenas de acción son estimulantes, grandes y aplastantes, las coreografías de batalla a cuerpo a cuerpo tienen su toque de distinción. El sonido es vibrante, la música de Hans Zimmer supera a cualquier otra banda sonora que haya realizado en su carrera cinematográfica. La fotografía es un beso lento que se disfruta de principio a fin. Un espectáculo que se disfruta por donde se vea.

Tristemente vuelve a cometer los mismos fallos de guion que posee la primera parte, si, la historia apenas inicia como termina la anterior, nos muestra las costumbres de los Fremen, como Paul aprende a convivir con ellos, pero a su vez presionado por la mayoría que insisten que él es el Lisan Al Gaib, quien los va a liberar de la opresión; pero ¿Qué hay de los Harkonnen? No solo son los chicos malos, opresores, asesinos brutales y despiadados, hay algo más de ellos, siento que no nos cuentan o que no le ponen tanto foco de interés, pues ellos son muy importantes en la historia.

En cuanto las actuaciones, hay cuatro de ellas que se destacan, por un lado Timothee Chalamet demuestra sus dotes actorales, demostrando que es el mejor de su generación, supo brindarle a Paul Artreides ese toque de joven con dudas si realmente es el “mesías” de los Fremen o un falso profeta, en su mirada y gesto hay algo de inocencia e idealismo que logra traspasar. Por otro, Zendaya, quien interpreta a Chani le da un peso particular, no es por desmerecer a Sean Young que le brindo vida allá por el 1984, en esta versión ella siente un cierto amor por Paul pero entra en juego sus sentimientos contra lo que realmente debe hacer hacer por su pueblo, se maneja con tranquilidad y empoderamiento que le da otro enfoque, exquisito diría. Rebecca Ferguson le da a Lady Jessica (Reverenda Madre) el poder de tener la atención cuando aparece en escena, cumple un rol muy importante, pero se asegura que cada paso que da tenga vibración hasta el último centímetro, es fuerte, decisiva, manipuladora y deja al espectador con aires de conformidad y desconfianza. Y por último, Austin Butler, se coloca la piel de Feyd Rautha, psicópata, sádico y letal; supo brindarle una cierta originalidad que se diferencia mucho de la interpretación de Sting, que era un maniático adicto a matar. Los momentos que aparece frente a la cámara, uno está a la expectativa de lo que puede llegar a hacer, busca darle una importancia más alta entre los Harkonnen y lo logra con la simple presencia, es nos demuestra que Butler es un actor con el cuerpo predispuesto, y con una mirada que hace temblar a más de uno.

No veo nada de Star Wars en ella, ni nada de El Señor de los Anillos. Cada saga tiene clara las cosas a las que se dirigen, Duna busca su lugar en la cultura, no solo con ser un vasto mundo de libros y proyectos cinematográficos fallidos. En el cine encontró su lugar, sea por Villeneuve o porque es lo que realmente busca la audiencia. No creo que se convierta en una franquicia que puedan sacar muchos productos como suelen hacer, pero sí que va a ser una saga que va a marcar un antes y después, no tanto comercial, si no más bien de culto como lo que realmente es la ciencia ficción.

Una vez que finaliza, querés que empiece una continuación, no todas logran llegar a ese punto. Nos dieron respuestas de la entrega anterior, otras no respondieron, y otras que están por llegar próximamente con “Duna: El Mesías”, espero que estén listos, pues nadie pensó que esta entrega llegaría a superar a la anterior.

“LARGA VIDA A LOS GUERREROS”, esa escena te pone piel de gallina. ¿Recuerdan la ultima vez que en una película había frases que quedan retumbando en las neuronas? Duna tiene muchas de esas frases con doble sentido y escenas que no podes discernir si realmente es pasando o es un sueño de Paul.

Si pueden, véanla en Imax, más que recomendable.