Por una cara tenemos a Ana (Maribel Verdú), doctora, casada y madre de dos hijos, hastiada de su rutina, sin tiempo para ella misma. Por la otra cara tenemos a Eric (Germán Alcarazu) que, con problemas económicos familiares, trabaja en sus ratos libres en una página de sexo virtual. En el chat se conocen y se citan durante un fin de semana. Comparten experiencias y confidencias, pasean, filosofan e intiman. Y con eso, intercambian sus edades.

A través del diálogo, ambos consiguen conocerse y cruzarse las edades. Ana rejuvenece y se transforma en una adolescente emocionalmente inestable: miente por miedo a la situación, se esconde o se suelta la melena en una fiesta. Eric se hace mayor, deja citas sobre la muerte y el tiempo, ejemplificadas en una a lo Benjamin Button “Sería mejor que empezáramos a vivir con 80 años y en nuestra jubilación estuviésemos más guapos, más ágiles y más enérgicos”.

En el universo visual de la película no cabe otro espacio en la imagen que planos medio, corto y detalle de los protagonistas; el resto, el espacio que les rodea, sea cual sea, se nubla, casi siempre desenfocado. La borrosidad de la imagen nos sugiere que nada importa: todo está en sus cabezas, miradas y cuerpos. En focalizarse en tan solo ellos dos, el tu a tu, aumenta la importancia de cada gesto y cada palabra.

Es una película de diálogo y requiere de sutileza tejiendo lo que dice y muestra. Sin embargo, dice demasiado y muestra demasiado poco. Cuando se introducen detalles de la vida de los protagonistas de una historia cualquiera, éstos ganan en profundidad y nos permite como espectadores conocerlos de tal modo que los veamos únicos, con una personalidad que los hace ser ellos. No es el caso. Todo lo nuevo que aprendemos de ellos proviene de lo que hablan, no del lenguaje no-verbal. A sus escenas paseando en silencio juntos les falta sustancia; carece de atención a las particularidades de cada uno. Ante la falta de desarrollo de los caracteres, la narración no anda equilibrada en ritmo e historia y se impregna de clichés.

Haemoo (Niebla) ha sido una de las películas triunfadoras del Asia Film Week, un festival de películas de producción asiática que tuvo lugar en Barcelona del 11 al 15 de noviembre. Haemoo es un film surcoreano convencional, un thriller dramático con mucha acción. La sinopsis es interesante: un barco pesquero intenta transportar inmigrantes de forma ilegal, una situación que desencadenará momentos de locura y barbaridades entre los tripulantes.

La procedencia asiática es patente en la película, empezando por la forma de interpretar de los actores. La dirección y la fotografía cumplen de sobras; las escenas de acción, a excepción de algunas patadas voladoras dignas del maestro Miyagi, son verosímiles. La película combina sangre, acción y romanticismo ilógico o precipitado a partes iguales. La lógica me sugiere que un marinero aparentemente tímido y noble no se liga a una inmigrante ilegal en dos minutos; el director (y guionista) mete con calzador el lío amoroso para terminar de una forma épica predecible. Elementos típicos de blockbuster que aportan previsibilidad y restan personalidad al film.

El objetivo es visibilizar la injusticia en el tratamiento de dos civilizaciones distintas de una misma especie. El dualismo aparece hasta en la música: turistas envueltos en sofisticadas composiciones de Mozart, indígenas envueltos la corriente del río y grillos. Cada palabra de ambos lados contiene un significado en la trama. Un ejemplo: exótico. Palabra para describir una peculiaridad mezclada con un hipócrita anacronismo en culturas radicalmente opuestas a nuestro modo de vivir, una expresión para separarnos en diferentes mundos que justifica de por si la etiqueta de salvajes.

Las entrevistas testimoniales realizadas a los aborígenes desprenden sencillez y naturalidad que revelan una conmoción real, a diferencia de los bienvenidos, refractados por su habitud al viajar. Los turistas viajan en búsqueda de reliquias de culturas variopintas para demostrar un mayor conocimiento que, paradójicamente, ahuyenta el verdadero significado de las propias reliquias. También encaja con el sentimiento de pertenencia a un lugar. Los turistas son los visitantes y se sentirán menos arraigados que los indígenas, pero enfocándonos en la mentalidad de los últimos, los símbolos, la religión, el arte, la familia, la hermandad, la comunicación verbal y la no-verbal, las herramientas, todo, todo parece atado a una conciencia de fraternidad. Sin embargo, las raíces de los sin rumbo se antojan difusas. El ímpetu del viajar debería servir para conectar con el yo interior y el nosotros interior, pero termina convergiendo en álbumes de fotos familiares para recordar el pasado, mientras que los indígenas viven en un presente de breves reminiscencias a sus antepasados entendiéndose ellos como un conjunto. Los primeros buscan la comodidad a partir del placer, los segundos buscan la comodidad a partir de la supervivencia.

Tres turistas italianos, en un argumento evangelizador, aluden a los misioneros como ejemplos a seguir en el rescate de los primitivos -como si “primitivo” fuera un término peyorativo-. Ansían por un Superman pluricelular occidental, un héroe que cambie urgentemente las costumbres nativas, desde la indumentaria hasta los hábitos alimentarios. “Tenemos que estimularlos educándolos como los misioneros. Necesitan ayuda. El problema es la apatía y la indolencia viviendo en un mundo abrumado por la naturaleza cuando ellos son humanos. Tenemos la fortuna de haber nacido en una sociedad más evolucionada.” Los misioneros destruyeron los símbolos religiosos que hicieran culto a interpretaciones del mundo de un extenso abanico generacional que originó la cultura latmul. Los argumentos de los turistas son de una uniformidad antinatural, lo contrario de lo que piden; todo se reduce a la definición de etnocentrismo: “Tu manera de vivir es equivocada, sólo vale la mía.”

Los ríos negro y blanco, confluentes y agitados, chocan contra las rocas. Éstas son los inadaptados sociales. Metáfora del constante obstáculo que son para sí mismas y para muchas otras las personas con discapacidad visual y auditiva. Obstáculo que empieza una vez son incapaces de gozar de unas rutinas corrientes y una vida dependiente. Aunque siempre dependan de alguien, nunca están acompañados; el alguien no satisface las necesidades emocionales. La soledad persiste.

Fini Straubinger es el hilo conductor de un retrato desolador y precioso. Vivir y comunicarse a través del tacto parece agotador, pero es la única manera. La narración aumenta en complejidad a medida que avanza el documental. Con la aparición de los niños se nos cuenta más, porque vemos personas que sufren la doble discapacidad des del nacimiento. Escenas hermosamente dolorosas: sufro con sus problemas de comunicación pero me enternece ver la inocencia y la naturalidad de los niños. Me pregunto cómo debe ser el pánico a las gotas de agua que caen del cielo cuando se duchan o las vibraciones del transistor de radio que rodeas con tus manos.

El hombre que concluye la historia es un desecho social. Todos han colaborado a que así sea. Nació sordo. Su innata característica diferencial lo expuso a la ignomínia. No le enseñaron a leer ni a escribir porque sus padres eran descuidados. Perdió la vista. Ahora está solo y abandonado en la oscuridad y en el silencio. El abrazo final con el árbol representa una comunión sólo lograda con la madre naturaleza, la única que comprende cualquier situación y no margina.

“Sobreviví un choque. No sólo volé en pedazos. Me acuchillaron, dispararon, envenenaron, congelaron, colgaron, electrocutaron y quemaron. Cada mañana me levanto sin un rasguño. Sin una abolladura. Soy inmortal.”


Groundhog Day significa la redención del ser humano, el perdón después del castigo por la arrogancia, la presunción y el afán de superioridad en una persona. La imposición de un castigo divino, que una vez pasado un largo tiempo, es levantado. Phil Connors se mata de todas las formas posibles ya que no aguanta más la vida inmortal, pero es incapaz de acabar con su tortura. Con el paso del tiempo, logra trasladarse del mal al bien. Es la historia de una transformación: de la amarga existencia expresada en antipatía a la felicidad absoluta expresada en bondad.

El personaje es tan gilipollas con todo el mundo que lleva una especie de niebla consigo que oculta cualquiera de sus virtudes y de las ajenas. Su positivo cambio de actitud le modifica como persona. El premio: vivir prósperamente con la mujer que ama. En FA goza de la etiqueta de comedia romántica, decididamente lo es, pero no nos damos cuenta de ello hasta el segundo tercio del film. El romance está oculto porque a nadie le interesa corresponder amorosamente a uno que se comporta como un imbécil. Una vez Phil se reforma, desbloquea la opción “amor”, opción que antes ni tan siquiera existía.

A partir de aquí sólo existe la perseverancia, la insistencia en ser alguien humano. Porque Phil no tenía ni pizca de humanidad hasta que cambia su mentalidad. La fantasía del film emerge y Phil la aprovecha. Surgen nuestras preguntas como espectadores que somos, relativas a nuestras experiencias vitales: “¿Qué hubiera pasado si…?” “Si no hubiese dicho…” “¿Cómo habría cambiado tal cosa si…?” Empezamos a pensar en el pasado; el pasado, algo que nos ayuda a tirar adelante pero que en ocasiones nos estanca en el presente. El ser humano se equivoca, la caga mucho y muchas veces, y no siempre recibe más de una única oportunidad. Con Groundhog Day fantaseamos; la fantasía aparte de estar en el argumento del film, reside en nuestras mentes. Podemos llegar a pensar en una realidad alternativa a la que tenemos, con recuerdos del pasado invertidos: “Si le hubiese dicho sí a tal chica ahora mismo sería feliz/infeliz y en consecuencia mi futuro habría sido mejor/peor…”

Groundhog Day es sin duda una película profunda, de reflexión, más de lo que uno se espera. A simple vista parece una comedia con toques fantásticos orientada para verla en familia, cuando en realidad constituye un complejo análisis del comportamiento de una persona. La película amaga muchas cosas; probablemente descubrir la complejidad del film sea cuestión de repetir su visionado varias veces, así como Phil repite el 2 de febrero. Cuando se repite algo, cualquier cosa, es más sencillo fijarse en los detalles y analizar cosas que anteriormente habían pasado desapercibidas. A Phil le sucede lo mismo: repite día contra su voluntad hasta que conoce a todos los habitantes de Punxsutawney completamente. ¿Cómo podemos compararnos con Phil? Tan sencillo como compararlo con una situación corriente. Ejemplo: un joven estudiante empieza en la universidad, donde no conoce a nadie. Poco a poco comienza a tratar con la gente, va cogiendo experiencia y conociendo más. Phil es igual, no conocer a la gente que le rodea le obliga a comportarse de una forma engreída, una manera de ser inseguro, de mostrar inseguridad hacia aquello desconocido.


Pocas películas son capaces de esconder tantos mensajes en 101 minutos. Una genialidad.