En esencia, una de las misiones del cine es transportarnos a otro lugar y a otro tiempo, hacernos transitar por senderos que nunca hemos recorrido, y hacernos olvidar por unos minutos que, en realidad, nunca nos hemos levantado de la butaca. Al finalizar Bone Tomahawk, este sorprendente western crepuscular, constato para mi regocijo que no he perdido la sonrisa ni uno de los muchos minutos que dura la película, que he viajado junto a estos personajes, dejando atrás mis problemas y haciéndome partícipe de los suyos.

El director y escritor S. Craig Zahler nos trae aquí su ópera prima en forma de cine de género en clave de western. Pero definir Bone Tomahawk es más complejo que eso. El bajo presupuesto no ha impedido a Zahler rodar una cinta libérrima y fresca. Libre en la forma y en el contenido, libre en las temáticas y en el tono. Las piezas del puzle encajan prácticamente en todo momento.

Una de ellas es el ritmo interno al que somete al espectador. El tiempo pasa lentamente, se dilata, el espectador entra en resonancia con esa cadencia temporal y perdemos la noción del tiempo. El resultado es una hipnosis que impide despegar los ojos de la pantalla aunque en apariencia no esté sucediendo nada.

El punto de partida argumental no es demasiado nuevo (un secuestro y el posterior intento de rescate), pero la forma de desarrollarlo sí es original, mezclando de maneras a priori inverosímiles los géneros del western con el del terror. Estructuralmente es bastante arriesgada, pues, como si de una road movie en toda regla se tratara, tres cuartas partes de la película están dedicadas a mostrar a los cuatro protagonistas andando. Lo que importa pues es el viaje en sí. El preámbulo al mismo es más formulario, no por ello menos interesante. Al contrario, resulta totalmente elegante y define perfectamente a los personajes. El tramo final, cuando la temática da un giro más inesperado, aporta gran personalidad al conjunto.

La elección del casting resulta acertadísima. Russell se enfunda el papel de sheriff y le viene como anillo al dedo. El actor está totalmente a gusto y nos lo creemos en todo momento. A él y al resto del elenco. Y no es solo cuestión de verosimilitud, sino también de simpatía con el espectador.

Y aquí entra en juego la siguiente pieza de este bien engrasado engranaje. La escritura es magnífica. Las influencias pueden ser muchas: nos presenta unos personajes muy fordianos (como el de Matthew Fox), otros que podrían perfectamente estar sacados de Río bravo (el sheriff y su ayudante, remedos acertados de Wayne y Brennan en el clásico de Hawks), situaciones y diálogos que nos remiten a Tarantino (es inevitable en algunos momentos la comparación con su Django), y una tribu de indios que tiene más que ver con la de Holocausto Caníbal que con los comanches de siempre.

La música es casi anecdótica, y solo presenta unas pequeñas pinceladas en algunas transiciones entre escenas.

De verdad que empecé a ver esta película con las expectativas bien altas, por la puntuación aquí en FA y por el respeto al estudio de animación. Por desgracia, me a defraudado un poco y sintiéndolo, no puedo ponerle más de un seis.
Y es que la película tiene un error. Se han comentado muchos, y a mí esos, de base, no tendrían por qué molestarme. Paso a comparar para hacer esto más comprensible:
- Que si es una película de animación que no gustará a los niños. Véase la magnífica Persépolis o la preciosa Mary & Max, con muchos puntos en común con la cinta japonesa.
- Que si es lenta. Véanse cualquiera de las películas de Kubrick, películas en su mayoría hipnóticas pese a su aparente lentitud.
- Que si apenas profundiza en personajes secundarios. Antichrist (L. von Trier), con solo dos personajes, logra atrapar y no se echan en falta más.
- ¿El director? Véanse las emocionantes Marco y Heidi.
- Algunos comentan que es demasiado almibarada. A mí en concreto, películas como Siempre a tu lado me han emocionado mucho más con mucho menos.
- Es verdad que solo ocurren desgracias y se ensalza en demasía lo dramático. Pero pensando en películas como la emocionante Réquiem por un sueño, esto tampoco debería ser algo negativo.
Podría seguir, comentando por ejemplo lo que en solo una crítica he leído y es que el personaje de la niña acaba siendo insoportable, cosa que en cierta medida no me queda más remedio que secundar.
Pero el gran problema de esta película creo que solo tiene un nombre: Akiyuki Nosaka y su novela. Y es que la historia, sencillamente, no da para más, y convierte en defectos todos los anteriores puntos que, de base, no tendrían por qué serlo. Soso guión, aunque el intento era bueno.
Eso sí, y para ser justos, la animación me ha encantado y la banda sonora es buena. Sin duda, es lo que salva la película.
Lo más probable es que se me acribille a noes sin tan siquiera leer antes la crítica solo porque no le he dado más de un 8 (o peor aún, lo más probable es que ni siquiera la lea mucha gente y acabe perdida entre las más de 100 críticas que hay), pero yo soy el primero que pretendía haberle dado más y me he sorprendido a mí mismo, ya que este tipo de películas me suelen gustar más.

Está claro que lo mejor de la película es la idea de partida, que como ya algunos apuntan, es muy similar a la ya vista en matrix (comparación con la que nivel 13 sale perdiendo).
El problema es que da la sensación de que la película quiere ser muchas cosas y se queda a medias en todas. Además, apenas hay escenas impactantes que produzcan algo de fascinación, supongo que por el presupuesto algo ajustado del film, excepto alguna que otra que paso a comentar en los spoilers.
Música decente.
De todas formas, sigue siendo recomendable para los amantes de la ciencia-ficción, además de entretenida en general.

Pablo Berger nos trae un bombón de película. Se nota que está hecha con mucho amor, esmero y trabajo, y esto es lo primero que he podido admirar de la película. Es cierto que le ha podido pesar un poco el no contar con el factor sorpresa, por el precedente de The Artist (aunque también es verdad que es mala suerte, ya que Berger parece ser tenía el proyecto en mente y en marcha desde hacía tiempo), pero el estilo sigue pareciendo original e incluso da a la película un toque de aire fresco.
Así, además del estilo (ya sabemos: cine años 20), lo siguiente que destaca es su singular y original propuesta: presentar una Blancanieves ambientada en Sevilla. La idea, como digo, es brillante, aunque al final quizá la propia historia, que todos conocemos, de Blancanieves lastre un poco el conjunto (a mí me parece una historia plana, simple y demasiado trillada).
Técnicamente, se me queda a medias tintas. Lo que más destaca sin duda es la propia realización, una dirección más que notable. La fotografía de De la Rica es buena, pero no deslumbra (esperaba más de él, la verdad). La música de Vilallonga también es buena, pero no termina de emocionar. Amén de ser demasiado obvia en la gran mayoría de ocasiones.

Como telefilme que es, no está del todo mal, pero da la sensación de no haber aguantado nada el paso del tiempo y sus imágenes están todo lo estereotipadas que se podría esperar de una peli de principios de los 90. El payaso es sin duda lo mejor de la película. Además se sigue sin demasiados problemas, pero la historia con los niños queda demasiado pastelosa (pese a que me parece que aquí trabajan mejor los niños que los adultos), y la de los adultos queda sosa y sin interés.
Cabe destacar también la música, bastante buena para lo que podría ser.
De todas formas, para payasos asesinos yo me quedo con los killer klowns, que al menos aquellos tenían más gracia.