En los últimos días de la segunda guerra mundial, un grupo de jóvenes alemanes de un pequeño pueblo aleman, son reclutados a filas a través del Volkssturm. Sus vírgenes ideales y su enérgico ímpetu se darán de bruces con la realidad de la guerra.

El cineasta austríaco Bernhard Wiki (1919-2000) se consagró primero como actor para seguidamente hacerlo como director. “El puente” es su obra más reconocida internacionalmente por su calidad y su valiente carácter antibelicista con una férrea crítica a la educación de la Alemania Nazi.

El film se basa en la novela homónima de Gregor Dorfmeister, alias Manfred Gregor, y que, a su vez, se inspiró en un hecho real que en propias palabras de la película: "fue un hecho tan insignificante que ni salen en los partes de guerra".

Dividida en dos bloques. El primero se centra en un grupo de adolescentes alemanes enardecidos por la ideología nazi de sangre y honor. La vida semirrural de los chiquillos centroeuropeos supuraba inocencia al no saber la realidad cruel y despiadada de la guerra.

Poco a poco vamos conociéndolos en sus distintas situaciones personales. La interpretación de los chicos, a cargo mayoritariamente de actores con poca experiencia, es satisfactoria y loable.

En el segundo bloque la película se vuelve realista, cruda y amarga. Las secuencias bélicas son de gran valor cinematográfico, están construidas con un gran sentido de la fuerza de la imagen. La acción transcurre de noche y la factura de la película es notablemente tétrica, casi fantasmal. La fotografía es oscurísima, llevando hasta el extremo el estilo del expresionismo alemán.

El director usa la figura del puente casi como un personaje más. El puente se usa como elemento figurativo de la patria alemana y de sus ideales.

Don Anselmo (Pepe Isbert), un jubilado madrileño, se obceca en la compra de un cochecito de paralíticos como los que tienen sus amigos para poder acompañarlos en sus tardes de divertimento. Para obtenerlo llevará al límite la convivencia con su propia familia.

“El cochecito” es la segunda colaboración entre el director italiano Marco Ferreri y el gran novelista/guionista Rafael Azcona, después de la también conocida “El pisito”.

Ferreri adapta el relato del mismo Azcona "El paralítico" de la obra "Pobre, Paralítico y Muerto" y nos muestran una comedia trágica, deudora del neorrealismo. Una radiografía del costumbrismo de la España del Franquismo.

La película nos transporta a la vida de Don Anselmo interpretado maravillosamente por Pepe Isbert, película con un sutil y cáustico humor negro, la cual tuvo un final censurado que hizo perder toda la fuerza que si tenía con el final original (mucho más negro y maquiavélico)

Toda la película descansa en Pepe Isbert, aunque es muy coral (hay muchos personajes), lo cual conlleva que a ratos las conversaciones cruzadas aturullen y resulten algo cargantes.

La interpretación de Pepe Isbert nos recordará perfectamente al carácter cabezón, egocéntrico e incluso egoísta de muchos de nuestros abuelos, llevando la tensión familiar hasta donde ellos consideran.

La película ganó el premio de la crítica en el Festival de Venecia de 1960. En la taquilla fue un sonoro fracaso, con los años se ha convertido en una película de culto.

-Texto realizado por 《 Grupo Salvaje 》 para Plano General

Ferdinando Cefalú (Marcello Mastroianni) un noble siciliano de familia venida a menos está perdidamente enamorado de Ángela, su prima adolescente. Intentará por todos los medios que su mujer Rosalía le ponga los cuernos para utilizar en su favor un código penal italiano que le daría razón en unas determinadas circunstancias a la hora de poder casarse con Ángela.

Pietro Germi elabora una comedia dramática para hacer una dura crítica a la hipocresía de la sociedad retrógrada/machista y a las leyes italianas de aquella época.

La crítica se focalizaba en la inexistencia del divorcio y los problemas que provocaba. También sobre el código penal italiano de aquellos tiempos que establece una importante reducción de penas en los casos de "delito de honor" (asesinato de la mujer cuando el marido la encuentra en flagrante adulterio).

Divorcio a la italiana se trata de una de las películas clave de lo que se denominó Commedia all'italiana. Este género, muy vinculado a la cultura popular de Italia, nació como contraposición al neorrealismo italiano que imperó la cinematografía italiana de mediados de los 40 a finales de los 50.

Los dos elementos más destacados de la película son: la galopante banda sonora que acompaña los 104 minutos de película a la desbordante interpretación Marcello Mastroianni.

Mastroianni está memorable con su sempiterno cigarro con boquilla, su mueca burlona y su estampa de hacerse “el tonto” en una de las comedias más negras de la historia.

El elegante y afable Roger Willoughby (Rock Hudson) es trabajador de la sección de pesca de los almacenes Abercrombie & Fitch. Su trabajo es muy bien valorado por sus clientes al considerarle ducho en la materia. Pero nada más lejos de la realidad ya que utiliza los consejos de unos clientes para dárselos a los otros. Su farsa se empieza a tambalear cuando su jefe insiste en que debería representar a la empresa en un campeonato de pesca en el lago Wakapoogee. La relaciones públicas del evento (Paula Prentiss) y la hija del organizador descubren su mentira e intentarán por todos los medios ayudarle para que nadie lo descubra.

El director Howard Hawks de 68 años quería hacer con esta película su propio homenaje a su gran comedia Screwball: “la fiera de mi niña” de 1938. Los actores originales (Hepburn y Grant) no quisieron participar, pero consiguió que los actores Rock Hudson y Paula Prentiss hicieran igualmente un trabajo extraordinario.
El personaje de Willoughby avanza la historia aprendiendo a pescar y a tratar a las mujeres. Este segundo juego, el de conquistar a las mujeres, es la respuesta a la pregunta del título original de la película: Man's Favorite Sport?

El film cuenta con un guion ágil, rápido y libre de prejuicios con unos diálogos divertidos y con el siempre buen pulso narrativo de Hawks que apuesta por mostrarnos que los polos opuestos se atraen.
El realizador minimiza el componente romántico y sirve con, imágenes de archivo de dos trenes chocando, una metáfora visual del amor como algo que surge a través de los roces y de los choques constantes entre dos grandes fuerzas.

Como curiosidad estamos ante la última comedia de Hawks que finalizaría su carrera con los archiconocidos westerns crepusculares “El dorado” y “Rio Lobo” también homenajes de películas suyas. Por lo tanto, podemos decir que Hawks terminó su carrera autohomenajeándose y creando, por si la podríamos llamar así, esta “comedia crepuscular”

Henry Mancini resalta los gags y el tono humorístico con su banda sonora más que correcta y acompaña a un technicolor que hizo uso continuado Hawks en sus últimas obras.

La señora Kurowski (Brigitte Mira), una sexagenaria de origen alemán, se resguarda en un bar durante un día muy lluvioso. En este bar conocerá a Ali (El Hedi ben Salem m'Barek Mohammed Mustafa) un joven marroquí que le invitará a bailar para posteriormente iniciar una relación sentimental con ella en una Alemania donde el racismo estaba a la orden del día.

Reiner Werner Fassbinder, el director de esta película fue uno de los máximos exponentes del nuevo cine alemán surgido en la década de los 60. Fue una mente brillante, pero con una personalidad autodestructiva. Murió joven, a los 37 años, por mezclar cocaína y somníferos. No sin antes dejar grandes obras y un estilo muy personal.

Nos encontramos ante un Fassbinder inconmensurable en el movimiento de la cámara y junto a un guion tal vez inspirado en “Solo el cielo lo sabe” de Douglas Sirk o “Harold y Maude” de Hal Hashby obtenemos un cóctel de imágenes para el recuerdo.

Azotado por la realidad de su época, el realizador utiliza la historia de amor de dos personajes de mundos completamente diferentes para hacer una crítica feroz al racismo y frialdad imperante en la Alemania de la postguerra y del atentado de Múnich 1972.

Nos encontramos ante un film con un encuadre y una escenografía casi perfecta pero despojado de todo sentimentalismo o dramatismo. Estamos ante una película extremadamente intelectualizada, fría, distante e incluso en algunos momentos interpretaciones cuasi robotizadas. Estamos ante el Universo Fassbinder al que no todo el mundo tiene acceso.

La película ganó en el festival de Cannes de 1974 dos premios. Premio del jurado ecuménico y premio FIPRESCI. Fassbinder utiliza como siempre a su propio séquito de actores y ayudantes de dirección. El actor que hace de Ali mantuvo una relación sentimental con el propio Fassbinder teniendo una vida incluso más tumultuosa que el propio personaje de Ali.