La película Barbie se erige como un poderoso alegato a favor del empoderamiento femenino, la igualdad de género y la inclusión, al tiempo que abarca una amplia gama de teorías feministas y filosofías de género. Desde su representación inicial de Barbieland como una sociedad matriarcal, hasta la exploración de la identidad y la lucha por la aceptación en el mundo real, la película es un hito en la historia del feminismo en la pantalla grande.

La concepción de Barbieland como una utopía matriarcal, donde las mujeres ocupan roles de liderazgo en diversas esferas de la vida, refleja una visión feminista de cómo el mundo podría ser si se superaran las barreras de género. Esta idea se asemeja a los planteamientos de autoras como Simone de Beauvoir, quien abogaba por liberar a las mujeres de la opresión histórica y abrir espacios para su autonomía y autorrealización. De Beauvoir argumentaba que la mujer ha sido considerada como "el otro", subordinada al hombre, y su emancipación requería trascender este estatus para lograr la igualdad.

La trama de la película, con Barbie enfrentando una crisis existencial y descubriendo que ya no cumple con los ideales físicos estereotipados, presenta una oportunidad para una exploración en profundidad de la identidad de género y la autoaceptación. Este viaje de autodescubrimiento recuerda la perspectiva de Judith Butler sobre la performatividad de género, donde la identidad de una persona se forma en interacción con el entorno social y cultural en el que vive. La evolución de Barbie hacia una comprensión más profunda de sí misma y su rechazo a la idea de ser definida por los estándares de belleza establecidos es una poderosa afirmación de la individualidad y la resistencia a las presiones externas.

La película también se enriquece con el enfoque en la sororidad y el apoyo entre mujeres, lo que coincide con las ideas de Bell Hooks. La relación de Barbie con otras mujeres, incluidas las distintas versiones de sí misma que encuentra en su viaje, refuerza la importancia de la solidaridad y la camaradería entre mujeres, en lugar de caer en rivalidades y competencias perjudiciales. Para Bell Hooks, la sororidad es un vínculo poderoso que puede desafiar la dominación patriarcal y permitir la liberación de las mujeres.

La elección de Greta Gerwig como directora y escritora, conocida por su enfoque feminista en películas anteriores, agrega una capa adicional de profundidad a la narrativa. Gerwig ha demostrado su capacidad para presentar personajes femeninos complejos y realistas, y su visión para abordar cuestiones de género con sensibilidad y perspicacia, tal como lo hizo en "Lady Bird" y "Mujercitas".

El elenco diverso y ecléctico, que desafía los cánones tradicionales de belleza y apariencia, resuena con las ideas de autoras como Kimberlé Crenshaw y su teoría de la interseccionalidad. Al presentar un elenco que representa una amplia variedad de identidades y experiencias, la película celebra la diversidad y promueve la importancia de abordar las opresiones sistémicas que enfrentan las mujeres debido a la intersección de su género, raza, clase y otras identidades. La interseccionalidad, como teoría, destaca la importancia de reconocer y abordar las intersecciones de opresiones para lograr una verdadera igualdad y justicia.

En conclusión, Barbie trasciende los límites del cine convencional y se convierte en un alegato inspirador hacia la igualdad de género, la diversidad y el cuestionamiento masculino. Desde su representación inicial de Barbieland como una utopía matriarcal hasta el enfoque en la sororidad, el apoyo entre mujeres y la interseccionalidad, la película se posiciona como un hito en la historia del feminismo en el cine, enviando un mensaje potente y necesario hacia una sociedad más inclusiva y equitativa para todos y todas. Es una obra cinematográfica que celebra la fortaleza y la diversidad de las mujeres y un llamado a la acción para empoderarlas y reconocer su papel en la transformación de la cultura y la sociedad hacia una visión más igualitaria y justa.

A Complete Unknown (2024), dirigida por James Mangold, se presenta como un biopic que aborda los primeros años de la carrera de Bob Dylan, desde su llegada a Nueva York en 1961 hasta su controvertida actuación eléctrica en el Newport Folk Festival de 1965. La película ha sido elogiada por su enfoque en este período específico, evitando el típico recorrido de toda una vida que suelen tener las biografías cinematográficas.

Timothée Chalamet encarna al joven Dylan, ofreciendo interpretaciones en vivo de sus canciones que, aunque técnicamente imperfectas, capturan la esencia cruda y auténtica del músico. Su actuación ha sido destacada por algunos críticos como "hipnótica" y, sin duda, logra transmitir el magnetismo que hacía de Dylan una figura única en aquella época.

Sin embargo, la estructura narrativa de la película se asemeja a una sucesión de escenas que, si bien reflejan la naturaleza enigmática de Dylan, carecen de profundidad en el desarrollo del personaje. Esta aproximación ha sido vista por algunos como una forma de mantener el misterio que siempre ha rodeado al artista, pero también puede resultar en una experiencia cinematográfica superficial y poco reveladora.

Además, la película ha sido criticada por tomar libertades históricas y ofrecer una representación unidimensional de figuras clave en la vida de Dylan, como Suze Rotolo y Joan Baez. También se ha señalado que adopta una perspectiva demasiado centrada en Dylan como genio solitario, minimizando la influencia de otras figuras fundamentales en su trayectoria.

En resumen, A Complete Unknown ofrece una visión estilísticamente atractiva de los años formativos de Bob Dylan, pero su enfoque fragmentado y la falta de profundidad en la caracterización pueden dejar a los espectadores con una sensación de insatisfacción. Aunque captura la atmósfera de la escena musical de los años 60, la película no logra desentrañar el enigma de Dylan, resultando en una obra que, aunque interesante, es fácilmente olvidable.

"Mickey 17", la más reciente película de Bong Joon-ho, se presenta como una sátira de ciencia ficción que, lamentablemente, no alcanza las cotas de sus obras maestras como Parásitos, Memories of Murder o Mother. En esta ocasión, Bong retoma la vena distópica que exploró en Snowpiercer y Okja, pero con resultados menos satisfactorios.

La trama sigue a Mickey Barnes (interpretado por Robert Pattinson), un "prescindible" en una misión de colonización en el planeta Niflheim. Su labor consiste en asumir tareas peligrosas que inevitablemente conducen a su muerte, tras la cual es "reimpreso" en un nuevo cuerpo con sus recuerdos intactos. El conflicto surge cuando Mickey 17 sobrevive inesperadamente y descubre que Mickey 18 ha sido creado para reemplazarlo, lo que plantea cuestiones sobre identidad y existencia.

A pesar de un planteamiento prometedor, la película se queda en la superficie de temas como la explotación laboral y la ética de la clonación, sin profundizar en ellos de manera significativa. La narrativa se siente dispersa y, en ocasiones, cae en clichés que restan fuerza al mensaje satírico que pretende transmitir. La actuación de Mark Ruffalo como el líder de la misión, Kenneth Marshall, resulta caricaturesca y poco convincente, lo que debilita la crítica política que la película intenta articular.

Visualmente, Mickey 17 es impresionante, con una dirección de arte que destaca en la representación del inhóspito Niflheim. Sin embargo, esta riqueza visual no compensa las deficiencias en el guion y el desarrollo de personajes. La película oscila entre el humor negro y el drama existencial, pero no logra equilibrar ambos tonos de manera efectiva, resultando en una experiencia cinematográfica que deja una sensación de insipidez.

En resumen, Mickey 17 es una obra menor en la filmografía de Bong Joon-ho. Aunque aborda temas relevantes y cuenta con un elenco talentoso, la ejecución carece de la profundidad y el ingenio que caracterizan sus mejores trabajos. Es una película que, si bien no es un fracaso total, tampoco deja una impresión duradera, situándose en un discreto 6 sobre 10.

La sustancia (2024), dirigida por Coralie Fargeat, se ha consolidado como una película de culto casi instantánea, sin necesidad de que el paso del tiempo avale su estatus. Este filme de terror corporal nos sumerge en una narrativa audaz y grotesca que explora la obsesión por la eterna juventud y las consecuencias de desafiar los límites naturales del cuerpo humano.  

La trama sigue a Elisabeth Sparkle (Demi Moore), una celebridad en decadencia que, en su desesperación por recuperar la fama y la juventud perdidas, recurre a un suero del mercado negro. Este elixir promete rejuvenecerla, pero desencadena efectos secundarios inesperados que la llevan por un camino de transformación física y psicológica. A su lado está Sue (Margaret Qualley), cuya relación con Elisabeth añade capas de complejidad a la historia.  

Las actuaciones de Moore y Qualley son sobresalientes, aportando una profundidad y autenticidad que elevan la película. Moore, en particular, ofrece una interpretación valiente y sin reservas, considerada por muchos críticos como la mejor de su carrera. Su compromiso con el papel le valió el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Comedia o Musical, reconocimiento que subraya su capacidad para reinventarse y enfrentar nuevos desafíos en la pantalla.  

La dirección de Fargeat es igualmente notable, fusionando el género del body horror con humor y simbolismo para crear una narrativa accesible y resonante. La película aborda temas sobre la presión estética y la violencia física y social infligida a las mujeres, ofreciendo una perspectiva feminista que invita a la reflexión. 

Visualmente, La sustancia es impactante, con una estética saturada y elementos gore que rinden homenaje a clásicos del cine de terror. El diseño de vestuario, inspirado en divas pop como Beyoncé y Dua Lipa, añade una capa adicional de simbolismo y profundidad al personaje de Sue, reflejando la dualidad entre la apariencia superficial y la realidad subyacente.  

En conclusión, La sustancia es una obra que, con sus audaces elecciones narrativas y estéticas, se posiciona como una película de culto contemporánea. Aunque puede no ser del agrado de todos debido a su contenido explícito y su enfoque provocador, ofrece una experiencia cinematográfica única que desafía las convenciones y deja una impresión duradera. Le otorgo un 7 sobre 10, reconociendo su mérito en la actuación y dirección, aunque algunos aspectos de la trama podrían haberse desarrollado con mayor profundidad.

The Brutalist (2024), dirigida por Brady Corbet, ha sido recibida con entusiasmo por la crítica, destacando su ambición y escala épica. Se nos vende como una de esas “experiencias cinematográficas” que marcan época, pero, ¿realmente es para tanto? En el fondo, no deja de ser un drama de ambiciones clásicas, una historia de inmigración y sacrificio con un envoltorio lujoso y una duración excesiva que algunos confunden con profundidad.

La película sigue a László Tóth, un arquitecto húngaro y superviviente del Holocausto que emigra a Estados Unidos para perseguir el sueño americano. Hasta ahí, todo correcto. Sin embargo, The Brutalist peca de creerse más importante de lo que realmente es. Dura 215 minutos, con intermisión incluida, y se presenta como si fuera la gran epopeya definitiva sobre la lucha del inmigrante, pero su guion no tiene ni la complejidad ni la potencia emocional de otras películas que han explorado lo mismo.

Visualmente es imponente, sí, pero ¿cuántas veces hemos visto ya ese blanco y negro impoluto y esa composición pictórica en películas que intentan recordarnos “esto es cine de verdad”? Parece que su propósito es más impresionar que emocionar. Y ese es su mayor problema: su frialdad. Es una película que grita “soy importante” sin aportar nada realmente nuevo.

La ilusión de la “experiencia cinematográfica”

Muchos críticos han destacado que la película es un “viaje cinematográfico inolvidable”, pero da la sensación de que lo dicen simplemente porque no están acostumbrados a películas largas y pausadas. Que tenga una intermisión no la convierte automáticamente en un clásico. Hay decenas de películas de mafia, crimen y épicas históricas que superan las tres horas con muchísimo más contenido, desarrollo y fuerza narrativa (El Padrino, Era una vez en América, Heat, El irlandés…). Lo que pasa es que algunos ven una película de 215 minutos con planos cuidados y creen que han descubierto el cine.

Y ojo, no es que sea una mala película. Hay momentos en los que Adrien Brody logra transmitir el peso de los años y las derrotas de su personaje, y Felicity Jones hace lo que puede con un guion que la deja a medias. Pero la historia no sorprende en ningún momento. Todo lo que ocurre lo has visto antes, y probablemente en películas mucho mejores.

Conclusión: bonita pero vacía

The Brutalist es cine de apariencia monumental que, en realidad, no dice nada nuevo. Mucha pose, mucha fotografía elegante y un reparto sólido, pero poco más. Si le quitas su envoltorio de “gran cine”, lo que queda es un drama correcto, bien rodado, pero sin alma. No es terrible, pero tampoco memorable. Un 6 porque es competente, pero en cuanto salgan películas más atrevidas y arriesgadas, esta caerá en el olvido.