Volvamos a 2013. 'Felina' es emitido en televisión y, con ello, el último capítulo de la última temporada de una serie que había ganado millones de seguidores en todo el mundo. Un final que; aunque se podía esperar, no pierde ningún mérito, pues se trata también de uno de los momentos más impactantes de todo Breaking Bad. Un final cerrado en el mejor sentido de la palabra, todo lo que le hubiera gustado a los fans que sucediera, sucedió; sin dejar ningún cabo suelto. Ninguno, salvo uno que, quien haya terminado de ver la serie, se lo puede imaginar y es el "motivo" de esta película que explica qué sucede con ese cabo suelto justo después del final.
Primero de todo, quiero dejar claro que, a pesar de haber disfrutado el show la primera vez que lo vi y de considerarlo como uno bastante decente, tampoco me apasiona. Pero sé ver cuando algo tiene potencial desde la base, ¿a quién no le llamaría la atención la historia de un profesor de química que se convierte en uno de los mayores narco traficantes de Nuevo México? Una gran idea que podría haberse llevado bastante mejor durante el show y que, sin duda, se desprecia totalmente en esta secuela.
Muchos seguidores de la serie se preguntarán, después de verla: "¿Por qué esta continuación?", "¿Por qué arriesgarse a fastidiar el final?". Creo tener la respuesta, y utilizaré el caso de otras series emblemáticas.
Por un lado, tenemos Deadwood, un show cancelado al final de su tercera temporada debido a problemas con HBO relacionados con el presupuesto (en el cual la actriz Anna Gunn forma parte del reparto). Pasan 12 años y, finalmente, en verano de 2018 se publica 'Deadwood: The Movie', un largometraje que otorga el final que había escrito en el guión de la serie. Está justificado. Aunque no estaba en los planes de la productora, era una historia que había que terminar.
Vayamos ahora con Los Soprano, posiblemente principal competidor de Breaking Bad en cuanto a shows televisivos de la época, en términos de audiencia y aclamación posterior. Sin ir más lejos, el último capítulo del show de HBO, 'Made in America', se mantuvo como el más visto de la historia junto al último de Sex and the City, por encima de 'Felina'. Dejando de lado que la historia escrita por David Chase supera en todos los sentidos a la de Gilligan, el impacto que tendría en años posteriores habría contribuído (según mi modo de ver las cosas), a la formación de esta idea de rodar 'El Camino'. Tras años de una idea repetida en numerosas ocasiones por Chase sobre realizar una película de Los Soprano, se confirmó oficialmente en marzo de 2018. Pocos meses después, sin previo aviso, empieza un rodaje a toda velocidad en un periodo de 60 días y en secreto de la película continuación de Breaking Bad. ¿Casualidad? No lo creo. Después de ver esta película y el poco esfuerzo que se ha empleado en la escritura del guión, tengo claro que no estaba pensada hasta hace muy poco, con todas las consecuencias que esto tiene.
"¿Qué se le pasaría a Gilligan por la cabeza?" también se preguntaran muchos. No se trata de no haber entendido la película o el homenaje a la serie que se ha intentado hacer en ella, se trata de que la idea de realizarla fue, desde un primer momento, un error. Puede considerarse un intento por imitar la decisión de los creadores de Los Soprano de alargar el producto, pero distanciando mucho la fecha de emisión de un producto de otro (en este caso, 'El Camino' ha salido un año antes que la precuela 'The Many Saints of Newark'), porque el mismo Gilligan supo desde un primer instante que no tendría nada que hacer con el talento de David Chase, que nunca lo tuvo.
Y no solo el rodaje de 'El Camino' fue confirmado después, si no que fue publicado en Netflix mucho antes. Normal que el resultado haya sido chapucero.

Como muchos de los que siguieron la edición del Festival de Cannes 2019, me percaté de que el director que se alzó con la Palma de Oro tenía un nombre que me sonaba. Viendo que se trataba de uno de los galardones cinematográficos más importantes del mundo y, a su vez, de uno de los directores surcoreanos más renombrados de la década de los 2000, me entró la curiosidad.

Resulta que Corea del Sur es un buen lugar a donde evadirse a través de la portal que ofrece el cine, cultural y artísticamente la forma de ser de la gente parece sacada de las leyendas que ellos mismos crean; algo similar a lo que sucede con el resto de los residentes del continente asiático. Mucha gente les mira con ojos raros y descarta ver sus películas por el simple hecho de ofrecer un enfoque bien distinto de la sociedad, de la realidad. No puedo más que sentir cierta lástima por ese concepto fallido desde la base, el cual puede producir en los occidentales el hecho de perderse determinadas joyas. Joyas en forma de películas, tanto por su valor como por su distinción más que obvia con todo aquello a lo que estamos condenados a estar acostumbrados.

No obstante, tengo una buena noticia para esas personas a las que aún les pueden los prejuicios a pesar de lo que pueda gustarles el cine: el caso de Corea del Sur es posiblemente el más hollywoodiense. Para explicar este fenómeno solo hay que acudir a las bases históricas del país y cómo éste adquirió una enorme influencia de EEUU en el proceso. Algunos ejemplos de obras indispensables y que no se alejan tanto de los géneros a los que estamos acostumbrados son, por un lado, 'Burning' de Lee Chang-dong y para mí la mejor película de 2018; y por otro, 'Memories of Murder' de Bong Joon-ho, mismo creador de la obra que se llevó el máximo título del festival francés y de la cual escribo hoy: 'Parasite'.

Personalmente, tenía muchas ganas de que llegara el estreno y llevaba las expectativas bastante altas, consecuencia de conocer tanto su buen recibimiento por parte de la crítica como a mucha gente que nombraba a Bong hablando de cine. Mientras 'Memories of Murder' (2003) se ha ido incorporando a los policiales más representativos del género junto a numerosos clásicos de cine (siempre estadounidense, en su mayoría), por lo demás, el director no ha vuelto a destacar en tanta medida, sí he percibido una gran aclamación por este último largometraje. Y vaya si es merecido. Mis expectativas no se han visto frustradas, puede que se hayan superado.

Esta película trae una trama que de por sí es brillante. Cualquiera puede imaginarse lo que va a pasar en ella leyendo el título; aunque no nos esperemos de qué modo. Una familia sin trabajo. Otra, que necesita un profesor particular. Una no ha conocido más que la pobreza y a la otra le sobran los recursos, hasta el punto de contratar a cualquiera para los puestos que reclama.

La acción de "parasitar" mostrada como una gran metáfora llena de ironías, decisiones a la desesperada y acontecimientos que volverían loco a cualquiera, y vaya si lo hacen con algunos. El estamento como condición permanente, sin importar aquellos momentos donde parezca que se termina la miseria, pues son fugaces y algunos nunca se despiden de ella totalmente. ¿Quién parasita a quién? ¿Es el hombre pobre el que chupa la sangre del rico adueñándose de sus recursos y de sus lujos de forma pasajera? ¿O es el hombre rico el que recolecta la sustancia que elabora el pobre, llevándose más de ella que el propio pobre? Tal vez estas preguntas sean aplicables al mundo que vivimos un poco más a la izquierda del escenario que plantea esta película, tal vez no sea tan distinto como nos dictaban inicialmente nuestros prejuicios.

No sabía qué esperar esta vez. Martin Scorsese apostando por Netflix con una película cuya temática principal aparente es la mafia y un reparto muy parecido al de ‘Goodfellas’, título del cual, de hecho, ya recicló la trama para hacer una especie de remake en 2013 que a muchos jóvenes les sonará: ‘The Wolf of Wall Street’. Personalmente, disfruté de ella de forma parecida a cuando vi el clásico de los noventa, pues si algo ha demostrado hacer el director neoyorkino tras más de 50 años es hablar de los mismos temas adaptándose a las distintas épocas, de tal forma que ha gustado en todas ellas y se ha conseguido proclamar como uno de los nombres mejor recibidos del séptimo arte.

De hecho, la mayor parte de obras creadas por él las he disfrutado muy por encima de lo que suelo disfrutar una buena película, algo que decía mucho. Precisamente en esta década ya me había fascinado cómo trataba la riqueza y los excesos en la mencionada ‘The Wolf of Wall Street’, además del suspense introducido en ‘Shutter Island’ y la tensión narrativa en una de las más reconocidas por el público, la crítica y las academias ‘The Departed’, la cual le otorgó el Oscar a Mejor Director en 2005, sorprendentemente la única estatuilla de toda su carrera. El resto de títulos, aunque menos aclamados en comparación, no dejan de sonar: ‘Gangs of New York’, ‘The Aviator’, ‘Hugo’, o ‘Silence’.

El cambio en la plataforma de visualización de la nueva película o la inclusión de actores que ya son de avanzada edad, hasta el mismo Scorsese, con sus 77 años; no me preocupaban, era probable que de todos esos elementos resultara una película por encima de la media más para poder disfrutarla y despedir la década con buen sabor de boca. Mi única preocupación era si me decepcionaría que se desaprovechara semejante reparto, semejante oportunidad y si por su duración iba a haber momentos de menor intensidad que hicieran de ella una película menos memorable. Me siento feliz de poder decir que, tras verla, no ha reducido mis expectativas. Diría más, instantáneamente se ha convertido en mi favorita que ha hecho Scorsese este siglo.

No se trata de la típica historia de ricos infelices. Mientras en ‘Goodfellas’ o ‘The Wolf of Wall Street’ se narra la decadencia de las personas por dejarse llevar por sus excesos, ‘The Irishman’ se salta las partes del disfrute de lujos, centrándose en mayor medida en los momentos personales. Tenemos a Frank Sheeran, hombre que gracias a su cercanía con el mafioso Russel Bufalino entabla una relación cercana con el legendario sindicalista Jimmy Hoffa, el cual existió realmente. En cuanto a los personajes, se podría partir de la premisa de que el hecho de haber visto tantas veces a De Niro, Pesci y Al Pacino actuando, despistará que sean ellos quienes lleven el rol. Este no es el caso, pues otro de los temas tratados en el film es la vejez y la soledad que conlleva hacerse mayor, sentimiento mostrado en pantalla de forma magistral precisamente porque tanto actores como director ya se encuentran en momentos avanzados de sus vidas. Scorsese se ha unido a Almodóvar y Tarantino en un 2019 que ha destacado gracias a algunos de los cines de autor más personales de sus carreras, con una gran aportación por parte del neoyorkino.

Los personajes no brillan tanto por su carisma como por el cariño que transmiten al espectador con lo que dicen, con cómo interactúan dentro de la trama. Sorprende cómo por momentos llegamos a dudar si hemos visto al mismo De Niro en otras películas clásicas debido a ese grado de sentimentalidad que alcanza en su interpretación; del mismo modo que dudamos con sus dos compañeros de reparto por el mismo motivo. Por otra parte, el lado humano del personaje de Sheeran solo he tenido la sensación de verlo con Jake LaMotta en ‘Raging Bull’, ya en palabras mayores. El retrato ofrecido de Jimmy Hoffa también abunda en humanidad, nos sentimos identificados con él en ciertos momentos, mientras que en otros solo sentimos lástima. De Russ sentimos cierta seguridad y neutralidad, no le condenamos por sus acciones, le vemos como alguien cercano al igual que lo es para el protagonista. Los tres se compenetran de tal manera que hacen de toda la historia una experiencia nostálgica y muy cinematográfica, pues su director los mueve sobre ella con todos los conocimientos del arte que ha ido forjando durante estas décadas.

La mayor parte de la trama gira en torno a estos tres individuos, pero se les da mucha importancia a sus familias, presentes en los momentos importantes y que también influyen en lo que pasa, algo que comentaré con más detalle utilizando momentos concretos del argumento. En términos más generales, se hace gran uso del montaje, de la explotación de los recursos narrativos y brillantes exhibiciones artísticas del elenco.

Llegó el día esperado: una película de Tarantino llega a las salas de cine. Después que en los estrenos anteriores observásemos algunas de las obras más regulares de su filmografía (y con ello me refiero a 'Los Odiosos Ocho' y 'Django Desencadenado'), muchos de los fans más conservadores y, probablemente, los más fieles, ansiaban otro largometraje del director que en esta ocasión no nos entretuviera simplemente, si no que nos transmitiera algo nuevo. Algo que no se redujera a contar una historia a su manera, dejando así su firma para poderla añadir a la lista de "películas de Tarantino" y hacerla más grande, un hecho que parecía que era su objetivo últimamente debido a los trabajos anteriores. Partiendo de esta premisa, hay que decir que esta vez sí ha cumplido con las espectativas.

¿Violencia? Por supuesto la hay, no es nada nuevo para quien haya visto al menos una película de este director. Lo importante, en su caso especial, no es cuestionarse si hay o no hay violencia, sangre, ni en qué cantidad; si no preguntarse de qué manera van a ser mostradas. Porque si algo ha dejado claro en sus 8 trabajos anteriores (tomando las dos partes de 'Kill Bill' como uno solo), es que el medio está justificado, al menos en este caso. Para los que se fijan en los detalles de las escenas, en la dirección artística y en los homenajes; pueden ir al cine tranquilos, porque van recibir todas esas cosas.

Precisamente, 'Érase una vez en... Hollywood' es una especie de macro-homenaje al final de la década de los 60, los rodajes de Hollywood, los westerns, el movimiento hippie, el crimen. Pudiera parecer que esta historia ha sucedido antes de ayer y, al mismo tiempo, que sucedió hace más de 50 años. Es obvio que a Tarantino siente un cariño especial por esa época de los EEUU, más de una vez ha mostrado su admiración por los westerns y prácticamente todas sus bandas sonoras utilizan canciones que provengan de entonces. Normalmente, esa apreciación acompañaba de forma secundaria a la trama principal; pero en este caso, y de forma revolucionaria, puede decirse la trama de esta nueva película es el homenaje que hace Tarantino en sí.

Cuando me preguntan sobre mi gusto de cine español, mi contestación no suele ser buena. No voy a mentir: a penas sé de directores o actores que formen parte del séptimo arte de mi propio país, ni siquiera sé de nombres de muchas películas que pueden considerarse de culto. Tan solo algunos títulos de algunos clásicos indispensables en la cultura cinematográfica general, tales como Buñuel o Erice, por su impacto a nivel mundial y sus aclamadísimos clásicos.
Como persona que se considera amante del cine, se trata de un dato decepcionante que me cierra muchos horizontes. Siempre defiendo que poder hablar de cine, pero sobre todo, disfrutar el cine; conlleva no encerrarse en un género, una época y, ni mucho menos, en una zona geográfica, por lo que tampoco hay que discriminar una en concreto.
Es por ello que para aquellos que, como en mi caso, no hemos puesto su interés alguna vez en revisar algunas obras notorias y no tan conocidas del siglo pasado, deberíamos hacerlo ahora. Pero creo que estamos excusados si se trata de las últimas dos décadas.
Mires para donde mires, para casi cualquier país del mundo que produzca películas, vas a encontrar una pequeña porción de ellas cuyo objetivo sea denunciar algún problema que preocupe o afecte directamente a un sector de la población. Tenemos a nuestros vecinos los portugueses, que pueden disfrutar de largometrajes donde la miseria y la pobreza se pueden respirar; Francia, donde las manifestaciones contra la ley educativa no se ocultan en los rodajes. Podemos irnos a Turquía, donde directores como Ceylan no escatiman en mostrar la enorme desigualdad que se vive allí, o Irán, donde atrevidos como Jafar Panahi han llegado a rodar documentales con su propio móvil y sin salir de casa para mostrar las consecuencias penales que puede tener grabar lo que no le guste al líder supremo. Incluso yendo un poco más lejos, Oppenheimer (un director danés), llegó a rodar documentales en Indonesia que narraban la crueldad de los paramilitares durante el genocidio de los 60, con el permiso y la participación de los mismos paramilitares.
No he recurrido a regiones con muchos más medios ni problemas tan distintos a los que se dieron en territorio español en algún momento de su historia. Precisamente, hay historias y problemas sociales a comentar para rato. Sin embargo, cuando me animo a ver una obra cinematográfica cuya producción es española, no tengo esa sensación.
Creo que estamos ante uno de los casos de mayor desperdicio de ideas u oportunidades de denuncia, me atrevo a decir, del mundo. A pesar de que suene a generalización, no soy capaz de ir al cine, ver una proyección de Marca España y ver algo innovador. Todo son comedias, no se salvan ni aquellas que puedan parecer tratar temas serios. Parece el país de las maravillas, normal que por fuera no se crean que estemos sufriendo una crisis económica.
Esto no quiere decir que, de vez en cuando, salgan a la luz algunos largometrajes de calidad en los que se tomen en serio esto de denunciar los grandes escollos de nuestra sociedad. Aunque en casos como este, vengan de un nombre que nos suena: Amenábar.
Por fin vuelve uno de los pocos directores que me recuerda que el cine español sigue pudiendo considerarse mínimamente bueno. En este caso, y tras muchos años realizando proyectos esporádicos como anuncios de cerveza, de navidad o un videoclip de las Nancys Rubias; así como dirigiendo largometrajes enteramente en inglés, nos ha traído el que para muchos es su obra más personal hasta la fecha. Cuenta la llegada del bando de los sublevados a la ciudad de Salamanca y el establecimiento de las tropas franquistas, de forma paralela a la recepción por parte del peculiar Unamuno. Lo cierto es que no es tanto una película de género histórico, puede considerarse un punto de vista sobre un hecho que cambiaría la forma de vida en un país entero de ahí en adelante, y pretende serlo desde los ojos del célebre escritor que la protagoniza.