“Vidas pasadas” es una película a priori sencilla, pero conformada por muchas capas. Una historia honesta, con mucha verdad, en la que la autora se abre en canal, y nos permite conocer parte de su vida a través de Nora, la protagonista. Antes de ver la peli descubro, en internet, que ambas tienen en común sus origines surcoreanos, haber vivido en su infancia un proceso migratorio a Canadá, estudiar y residir en Estados Unidos, su amor por la dramaturgia, un marido escritor… Después de ver la peli, tengo la certeza de que Celine y Nora, comparten algo más profundo, algo que sin lugar a duda impulsó a la autora a escribir y dirigir esta historia: un gran amor, un amor que no prospera, que se idealiza, que permanece y nunca no te abandona.

“Vidas pasadas” nos cuenta, en tres actos, la relación de Nora y Jae Shung. Primero su enamoramiento juvenil, tan recíproco, puro y tierno, como solo el primer amor puede serlo. Años después un reencuentro, a través de las redes sociales, que despierta y reaviva su vínculo. Por último, un acto final, en el que acompañamos a los protagonistas en sus paseos por Nueva York (que bonitos los travellings) y nos cuestionamos, junto a ellos, muchas de nuestras decisiones.

La película, gracias a su enorme sinceridad, nos hace reflexionar sobre lo que pudo ser y no fue, sobre lo que nos contaron del amor romántico y lo que descubrimos después, sobre los caprichos del destino, los recuerdos, las elecciones, sobre los caminos que no tomamos y las muchas ocasiones en las que cada uno de nosotros, casi siempre en silencio y sin compartirlo con nadie, nos preguntamos a donde nos hubieran llevado esos trenes que un día dejamos pasar.

Elegante y acertada fotografía, emotiva banda sonora, interpretaciones top, una historia preciosa, contada con sutileza y delicadeza, y que cuenta con una escena final tan triste como brillante.

Durante el visionado de “La chimera” asistimos perplejas a un desfile de excéntricos personajes:

La película comienza presentando a Arthur, “el inglés”, que despierta de un sueño en un tren. Lleva puesto un traje de lino tan desgastado como su ánimo, pero lo conservará hasta la última secuencia. Podría haberse hecho con otra ropa, pero lo terrenal dejó de importarle hace tiempo, quizás nunca le importó. Lo lleva como una suerte de uniforme con el que llevar a cabo su misión. Ya en este tren la frontera de lo real y lo irreal comienza a desdibujarse. Interpretado por un increíble Josh O'Connor (que ya me encantó en “The Crown”) es el protagonista de la historia, aun así, no llegaremos a conocerle. Es parte fundamental de una banda rural de “tombaroli” (saqueadores de tumbas) por contar con un inexplicable don, pero no comparte las motivaciones de sus compañeros.

Conocemos también a “la mamma”, Flora, atrincherada en su decadente mansión, agarrada a un pasado que no puede, ni quiere, asumir o soltar. A la espera de algo que no va a llegar, la guarda cariño a Arthur por el vínculo que solo se crea al compartir una pérdida.

En imágenes oníricas, cortas pero sugerentes, atisbamos a Beniamina, y no son necesarios más planos para intuir que se trata de una mujer con un magnetismo especial, una musa.

Luego está Italia, migrante, supuesta alumna de Flora, que hace las veces de criada. Ama la música, pero necesita más un techo para su hija e hijo, y no está en disposición de pelear por una situación más justa. Nada más conocer a Arthur siente por él curiosidad y fascinación. La misma que se siente como espectadora.

Los “tombaroli” no parecen actores, si no personajes reales. Aportan a la película algunas secuencias tragicómicas y otras que parecen documentales costumbristas, rescatadas de una vieja hemeroteca. Arthur busca una conexión con lo sagrado y con “el más allá” y entiende el valor de los objetos recuperados. La banda, en cambio, se toma los saqueos como un trabajo, una forma más de ganar dinero que hace mantener viva su esperanza en tener por fin un auténtico golpe de suerte.

Por último, tenemos a los traficantes de antigüedades, que representan al sistema, a los que se lucran del expolio sin mancharse las manos y perpetúan las injusticias.

Estamos ante una película extraña, de estas en las que llevas una hora de metraje y aun no sabes bien lo que estás viendo. Resulta a ratos excesivamente lenta, pero si tienes paciencia y sabes donde buscar, te ofrecerá algunos tesoros. Entre el realismo y el realismo mágico, está rodada en distintos formatos, con cambios de ritmos, que acompañan muy bien la transición de lo picaresco a lo onírico. Grandes interpretaciones, diseño de producción y trabajo de vestuario. Imposible no mencionar el maravilloso cartel. Acertadísima la música, que alterna el pop de aquel momento, con música clásica y con dos canciones, interpretadas por una especie de juglar, que contienen en sus letras las claves de lo que la película quiere en realidad contarnos

Mejor ver esta ingeniosa película de noche mientras imaginas que estás presenciando, en directo, un "late nigth" de entrevistas en la televisión estadounidense a finales de los 70.

El protagonista y presentador del programa en cuestión, Jack Delroy, no pasa por su mejor momento. Ha perdido a su mujer, las audiencias de su programa se están resintiendo y su continuidad y futuro están en el aire. Dispuesto a todo por recuperar el interés de los espectadores (y animado por su diabólico productor) organiza un especial de "Halloween" que resultará ser mucho más terrorífico de lo que ambos esperan. La invitada estrella es una adolescente acompañada de su terapeuta y, presuntamente, está poseída por el mismísimo diablo.

David Dastmalchian está que se sale, lo clava en su papel. Consigue incluso que empatices con Delroy y desees que, al final, todo le salga bien. La historia cuenta con pocos personajes, pero suficientes y todos y todas están a la altura.

La inmersión en los 70 es total y tienes que recordarte, a ratitos, que estás viendo una película y no una antigua reposición. La forma de rodarla, la gama de colores elegida y el trabajo de posproducción, maquillaje, peluquería y vestuario tienen la culpa.

Si la telebasura nocturna ha sido uno de tus "guilty pleasures" y pasaste unos añitos sin dormir las horas recomendadas por ver terminar Crónicas Marcianas y si, además, te mola ver lo que sucede durante "la publi" o fuera de cámaras y adentrarte en los entresijos de la tele, te vas a divertir mucho con esta peli. Las fans de las Hermanas del Baptisterio, las Caras de Bélmez, de la sección de Javier Sierra y del programa Iker Jiménez (cuando estaba en la radio) estamos de enhorabuena.

Gran guión, con buenos diálogos, que recoge todos los clichés de este tipo de programas, en los que todo vale por el "share". Una incisiva sátira sobre los medios de comunicación, un asomarte a esos "late" de los que se nutrieron estos formatos durante las tres décadas siguientes, muchas referencias, posesiones infernales (con giro de cabeza incluido) y mucho humor. ¿Que puede salir mal?

Yo soy de las que se hubiera tragado este especial de TV enterito, y con palomitas.

La primera secuencia de la película nos sitúa junto a una carretera, en medio de la nada, en el desierto de Arizona. Un anticuado camión cisterna ha volcado, el conductor no parece haber sobrevivido al accidente y el goteo insistente de una fuga de combustible parece marcar el inicio de una cuenta atrás.

Cerca de allí, "el vendedor ambulante de cuchillos" (¿tenía nombre?) se detiene en una desolada área de servicio, con la intención de repostar su vehículo y realizar una parada rutinaria. Los surtidores se encuentran junto a un motel y un restaurante de carretera.

Pero los tanques se encuentran vacíos y, a no ser que se cuente con suficiente combustible, la opción más razonable es entrar al restaurante a esperar. El director y escritor, Francis Gallupi, ya ha compartido con nosotros el secreto y sabemos que ese camión de combustible no va a llegar.

Una a una, vamos conociendo a diferentes personas que, por el mismo motivo que el vendedor, se quedan varadas en el restaurante. Lo que comienza con un desafortunado imprevisto se transforma en una peligrosa situación en la que no todos los personajes tienen buenas intenciones ni disponen de la misma información.

"Last stop in Yuma County", ópera prima de este joven cineasta, ha convencido tanto a la crítica y gustado al público. A pesar de no contar con un millonario presupuesto, Gallupi presenta un ejercicio de notable calidad sustentado por un buen guion, buenas interpretaciones y una fotografía muy cuidada. Además, su duración se agradece y el resultado son 90 minutos de teatro, western, humor negro y suspense que se disfrutan.

Sandra es una mujer alemana que vive con su hijo ciego de 11 años, Daniel, y su atormentado marido, Samuel, en una casa aislada en los Alpes franceses. Desde la primera secuencia se hace latente la tensión que existe en la pareja y, cuando Samuel, tras una violenta caída, aparece muerto en la nieve, no discernimos si se trata de un desafortunado accidente, si él se ha suicidado o si, tal vez, su mujer lo ha asesinado.

Tras las primeras investigaciones Sandra se convierte en sospechosa y, un año después, asistimos al juicio, en un procedimiento en el que, además de los hechos, se juzgarán los evidentes defectos de la protagonista, mujer y madre que no se ajusta a los estándares que durante años hemos interiorizado. Los recuerdos del niño y las revelaciones que va teniendo sobre la naturaleza de la relación de sus padres, serán determinantes para el veredicto.

Todo el tema forense y judicial es tratado de manera interesante y minuciosa. Con un estilo que roza el documental nos adentramos en el desarrollo de los juicios franceses (los americanos los tenemos bastante más vistos), sin dejar de lado la influencia que la cultura, los prejuicios y los medios de comunicación tienen en estos casos. “Anatomía de una caída”, en su forma, se presenta como drama judicial, pero en su fondo es una película que explora las complejidades de la dinámica de una pareja en la que se han invertido los papeles tradicionales, siendo ella una escritora de éxito y recayendo en él la mayor parte de las cargas familiares, incluida la crianza de su hijo. Su mayor virtud es exponer, en tan solo un par de secuencias, lo complicado de lograr el equilibrio en las relaciones, y que estas satisfagan a ambas partes por igual.

Gran nivel interpretativo, con el valor añadido de tratarse de una película rodada en dos idiomas. Ritmo demasiado lento que acompaña las densas sensaciones que despierta. Mejor ver en el cine, en casa hay más riesgo de desconectar.