La simple presentación de las líneas básicas del argumento ya es una declaración de intenciones de lo que ofrece la película. Objetivamente hablando, el film es un despropósito y una gran mentira. Pretende ser anti-sistema, ácrata y nihilista, pero no es más que una cinta comercial al 100% (¡precisamente eso contra lo que pretende atentar!). Se presenta con un guión pedante y pretencioso, con frases graves y presuntamente imperecederas (casi místicas), pero resultan tan artificiales como una hamburguesa del McDonald's (o la comida que te dan en un avión). Al final, lo que prima en esta película es la forma sobre el fondo, cuando falsamente se presenta como justo lo contrario.

Capítulo destacado en ese apartado lo tienen las escenas de lucha, en la que tipos sudorosos se golpean sistemáticamente... es ahí donde se nota que David Fincher se encuentra en su salsa: músculos y sangre, hematomas faciales y dientes escupidos en el suelo... sería interesante que Sigmund Freud psicoanalizara a quienes encuentran ese tipo de escenas 'interesantes'...

Entre lo poco positivo que puede destacarse de esta película es el estilo de la narración, en algunos momentos muy ágil (y con algunos planos realmente originales)... pero, en su conjunto, parece una sucesión de anuncios de la MTV. También resulta sorprendente el giro que se le da a la película cuando el espectador descubre que Tyler Durden es una proyección psicológica del protagonista: esto es, todo lo que él desearía haber sido y no es.

Lo malo es que, una vez de descubre esto, el ritmo de la película (y el interés en el guión) cae en picado... el desenlace final acaba siendo tremendamente cutre: el protagonista se pega un tiro en la boca para acabar con su vida (y con su alter-ego)... y, efectivamente, logra deshacerse de Durden, ¡¡¡pero el protagonista no sólo no muere, sino que pretende formar una pareja estable con Marla Singer... la novia-cadáver!!! Puro delirio.

Así, la propietaria de la vivienda es Blanche Devereaux (Rue McClanahan), una mujer sureña, coqueta y frívola, siempre dispuesta a tener affaires amorosos con cualquier desconocido que le resulte atractivo.

Rose Nylund (Betty White), por contra, es una atolondrada y afable mujer de Minnesota, que suele contar absurdas anécdotas relacionadas con su pintoresco lugar de nacimiento, un pueblecito de granjeros (de origen noruego) llamado Saint Olaf.

Dorothy Zbornak (Beatrice Arthur) es una neoyorquina, de origen italiano, que enseña literatura en un instituto. De su madre ha heredado su predisposición a lanzar mensajes mordaces a cualquiera que logre sacarla de sus casillas. Su apellido lo tomó de su ex-marido, Stanley Zbonark (Herb Edelman), un individuo con el que se casó 'de penalti'.

Finalmente, Sophia Petrillo (Estelle Getty) es la madre de Dorothy; este personaje proviene de Sicilia y destaca por sus cáusticos comentarios, que no dejan títere con cabeza (cuando ella habla, el resto de personajes puede echarse a temblar). Encarna a la voz de la experiencia y es la personificación de la astucia.

En términos generales, la serie ha envejecido realmente bien y, pese a todo el tiempo que ha transcurrido desde que comenzó a emitirse, aún cuenta con muchos gags divertidísimos. Se aprecia cierta moralina en algunas ocasiones, pero posee una vitalidad que ya quisiera para sí muchas otras series televisivas más actuales.

La comencé a ver de nuevo hace poco y me alegré al comprobar que mis recuerdos acerca de esta serie estaban bien fundados: me sigue haciendo reír, como ya me sucedió cuando se emitía en TVE.

No puedo comprender las notas tan altas que conceden otros usuarios a esta película: el director convierte un clásico del terror en un pastiche bastante indigesto, que añade a la trama original una artificial historia de amor... más propia del film Disney 'La Bella y la Bestia' que de otra cosa; además, el modo en que el director aprovecha la más mínima ocasión para introducir desnudos parciales de mujeres en la película me parece de un provincianismo total. Y algunos elementos que se toman prestados de 'El Exorcista' (como el vómito de sangre de la ya vampirizada Lucy Westenra) sobrepasan los límites del paroxismo.

Esta obra, cierto es reconocerlo, intenta seguir de un modo bastante fiel a la novela el desarrollo de la trama, pero cada elemento añadido es un paso atrás en el conjunto. La mayoría de las interpretaciones son flojas (al pobre Keanu Reeves se le ve tan superado que acaba dando pena, mientras que Winona Ryder es la viva encarnación del universo 'posh')... resultando especialmente triste el trabajo de un irreconocible Anthony Hopkins, al que se obliga a dar vida a un personaje de cartón piedra... el único que se salva de la quema es Gary Oldman, que suele estar bien cuando debe encargar a personajes 'extremos'.

¿Aspectos positivos del film? La ambientación, el vestuario y la banda sonora... que en todo momento resulta inquietante. Todo lo demás es absurdo y bizarro, con tendencia a la pomposidad: la frase más célebre de la película ("He atravesado océanos de tiempo para encontrarte") no puede ocultar que el resto de la película está vacía de contenido.

En la edición de 1992 de los Oscar, la película ganó tres premios (Mejor Vestuario, Maquillaje Efectos Sonoros), estando nominada también en la categoría de Mejor Dirección Artística.

Para intentar comprender esta cinta es necesario saber que John Milius, el director, es la persona que inspiró a Walter Sobchak, aquel personaje tarado que siempre aludía a la Guerra de Vietnam en la película 'El Gran Lebowski'. Milius participó, junto a Francis Ford Coppola, en la elaboración del guión de 'Apocalipse Now'... pero es en 'Amanecer Rojo' en donde se plasman sus auténticos traumas belicistas...

Se acusa a Milius y a esta película de ser fascista, pero realmente 'sólo' es un retrato aproximado a la clásica mentalidad reaccionaria estadounidense: antieuropeísta, probelicista, ultraconservadora y patriotera... defensora de la posesión de armas, preocupada por la inmigración que llega desde México y desdeñosa con la clase política, a la que considera débil y cobarde.

Esta obra de propaganda nos intenta convencer de que un grupo de muchachos pueden mermar a un enemigo mejor pertrechado y más numeroso si posee la motivación adecuada. Es imposible no ver que existe un trauma post-Vietnam en la peli: al igual que en 'Rambo', la conclusión es: "Con unos cuantos chicos como éstos, no podemos perder ninguna guerra".

La idea es 'calar' entre la mentalidad de los adolescentes y mostrarles cuál es el camino para ser "un buen americano"; un camino que pasa, inexorablemente, por estar dispuestos a reprimir sus emociones y a convertirse en un soldado carente de sentimientos, que cumple las órdenes sin titubear y sin hacer preguntas. No es casual que esta obra se proyectara en muchos institutos norteamericanos... probablemente, con la intención de hacer aumentar el número de alistamientos en el ejército.

En el plano meramente cinematográfico, el guión es paupérrimo (digno de un telefilm) y la interpretación de la joven camada de actores que participan en este folletín es bastante penosa. Los efectos especiales son flojos y la banda sonora de Basil Poledouris está a años luz de la que nos deleitó en 'Conan, el Bárbaro'.

El avispado lector imaginará que la adaptación cinematográfica de este sainete no es una gran maravilla del séptimo arte, pero cualquier valenciano (como yo) deberá admitir que visionar este film resulta entretenido, porque la obra de Baldoví supo capturar (por extraño que suene) las esecias del tradicional carácter valenciano: el carácter socarrón; las continuas alusiones (en segundo sentido) al sexo, a través del lenguaje del campo; las reminiscencias de esa 'coentor' tan arraigada en la zona...

Además, y siendo justos, también en la obra tienen cabida aspectos más 'serios', relacionados con el modelo de vida socio-económico (esencialmente, agrícola), el folklore, la religión y la política de "la terreta". Es una comedia costumbrista que, en parte, revela las preocupaciones cotidianas del momento histórico retratado.

Otro de los puntos interesantes está en los diálogos: en todo momento se trata de rimas (rijosas, toscas y zafias, en no pocas ocasiones), con algunas licencias en castellano (?) que acaban resultando delirantemente jocosas. El idioma valenciano empleado no es el normativo, sino el propio del habla rural y tradicional...

No debe dejarse de lado que es un film de la época del destape, y la italiana Maria Rosaria Omaggio dejó muy poco a la imaginación con su esmerada 'interpretación' de Visanteta... tanto revuelo causó en este film, que tuvo que participar en la segunda parte de la película (llamada 'Visanteta, estate queta').