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5.8
13,311
4
12 de agosto de 2017
12 de agosto de 2017
38 de 50 usuarios han encontrado esta crítica útil
Atómica se muestra como una película de acción desenfrenada en la que una espía irrumpe en la Alemania de la caída del muro de Berlin. Con las referencias de acción ya programadas en nuestra mente, queremos asistir a algo que nos evoque las buenas películas de espías, con la acción que a muchas de ellas les falta por no ser C18.
Lo que vemos es una película con una trama terriblemente desordenada y mal administrada desde el principio, con personajes que van y vienen sin tener un peso real y potente en la historia y en un contexto que no se explota en lo más mínimo. La primera hora y media avanza a trompicones, lentos, carentes de emoción. La música aunque interesante, se siente forzada, no se difumina con la trama y es casi vergonzoso ver como intentan mezclarla como parte de la escena con radiecitos ochentosos y demás. Personajes como el de Sofia Boutella bien no pudieron estar en la película, pareciera que su única función real es la escena lésbica junto a Charlize...
La última media hora es quizá lo que debió ser toda la película. La acción aumenta, las peleas aumentan, y en algún momento cuestionas a los personajes intentando entender el desorden en el que están metidos. Pero tampoco asistes a algo que te va a hacer saltar de emoción.
El final es, como la última bocanada de aire justo antes de hundirte en el mar, inútil... Ya no nos interesa mucho el destino de la protagonista, solo queremos salir y sentarnos a esperar John Wick 3...
Si eres de los que crees que poner música de los 80 en una película ambientada en los 80 es una genialidad, y que un guión lleno de vueltas desordenadas es lo que hace una película interesante, entonces ve corriendo a verla en el cine, te encantará
Lo que vemos es una película con una trama terriblemente desordenada y mal administrada desde el principio, con personajes que van y vienen sin tener un peso real y potente en la historia y en un contexto que no se explota en lo más mínimo. La primera hora y media avanza a trompicones, lentos, carentes de emoción. La música aunque interesante, se siente forzada, no se difumina con la trama y es casi vergonzoso ver como intentan mezclarla como parte de la escena con radiecitos ochentosos y demás. Personajes como el de Sofia Boutella bien no pudieron estar en la película, pareciera que su única función real es la escena lésbica junto a Charlize...
La última media hora es quizá lo que debió ser toda la película. La acción aumenta, las peleas aumentan, y en algún momento cuestionas a los personajes intentando entender el desorden en el que están metidos. Pero tampoco asistes a algo que te va a hacer saltar de emoción.
El final es, como la última bocanada de aire justo antes de hundirte en el mar, inútil... Ya no nos interesa mucho el destino de la protagonista, solo queremos salir y sentarnos a esperar John Wick 3...
Si eres de los que crees que poner música de los 80 en una película ambientada en los 80 es una genialidad, y que un guión lleno de vueltas desordenadas es lo que hace una película interesante, entonces ve corriendo a verla en el cine, te encantará

7.4
44,778
7
20 de julio de 2023
20 de julio de 2023
16 de 21 usuarios han encontrado esta crítica útil
¿Puede la verdadera moral solo evidenciarse ante su ausencia total?
¿Somos responsables de las decisiones que otros toman sobre nuestro propio accionar ético?
Aun a sabiendas de la profundidad de la historia, y de que Cristopher Nolan deseaba realizarla desde hace muchos años, la película Oppenheimer pareciera, por su Guion, su reparto y su forma de grabación, que se trata de un ejercicio en defensa del cine de autor. Oppenheimer y la creación de la bomba atómica parece un artificio, una excusa para darnos una obra de cine en su versión más tradicional y destacada.
Oppenheimer narra, desde diferentes tribunas, todas ellas conscientemente inquisidoras, la obra del físico norteamericano, la creación de la bomba atómica, el Mcartismo estadounidense y el posterior inicio de la Guerra Fría. Cada relato emerge de alguna tribuna en la que se juzga, desde diferentes perspectivas, la obra de Oppenheimer. El desarrollo de la historia tambalea entre los años 1930 y 1950, mostrándonos los razonamientos y las luchas intestinas que vivió el Padre de la Bomba Atómica.
No pretendió aparentemente Nolan juzgar desde su perspectiva la obra del físico, más allá de lo que él mismo lo hizo, pero tiende, sin quererlo o no, a limpiar un poco sus "manos llenas de sangre", a través de las narrativas que lo colocan como un hombre que cumplió con su deber y que vivió con las consecuencias de ello.
A pesar de ser un Thriller histórico, la película se separa del formato documental a través de la introspección de sus personajes. Conocemos las conexiones emocionales y profesionales de Oppenheimer, sus influencias y ambiciones, la creación de los Alamos, la carrera contra el tiempo y llegamos al climax, el momentum de la película, que no ocurre en Japón cómo podría pensarse, sino pocp antes, en una reunión en la que se decide dónde caerán las bombas, y en Nuevo México, con la culminación del Proyecto Trinity.
Japón, la traición de Strauss y Teller, el juicio moral auspiciado por el Mcartismo anticomunista y el debate sobre la lealtad de Oppenheimer son el desenlace de una historia, predicha por Einstein en aquella mítica conversación con su colega, en el que el físico estadounidense busca la redención a través del martirio, entendiendo que la moral solo se entiende ante su ausencia total, y que somos en parte responsables de las decisiones que otros toman a partir de nuestra postura moral previa.
Alguien tenía que ocupar el lugar del Destructor de mundos, y Oppenheimer solo fue quien, con su ingenio, lo logró primero.
La actuación de Cillian Murphy cumple con las expectativas. De alguna forma logra llevar al personaje a su rango actoral y nos hace una puesta verosímil. Emily Blunt se apropia de cada escena en la que aparece, siendo desde una perspectiva puramente actoral, la mejor del apabullante elenco de actores.
Se destaca Robert Downey Junior, en la que quizá sea su mejor actuación. Su rol de ¿Villano? en una película que realmente no necesitaba diferenciar los buenos y malos, es los suficientement bueno como para lograr empatía y odio por parte del publico hacia el Almirante Strauss.
El resto de actores, en mayor o menor medida, cumplen con mantener el extenso hilo conductor de la película de Nolan.
Post Data: ese pedacito de actuación de Gary Oldman como Truman. Que señor actor. Majestuoso.
Me queda un buen sabor de boca. No estamos en presencia de una obra espectacular, pero si de buen cine en su más pura expresión
¿Somos responsables de las decisiones que otros toman sobre nuestro propio accionar ético?
Aun a sabiendas de la profundidad de la historia, y de que Cristopher Nolan deseaba realizarla desde hace muchos años, la película Oppenheimer pareciera, por su Guion, su reparto y su forma de grabación, que se trata de un ejercicio en defensa del cine de autor. Oppenheimer y la creación de la bomba atómica parece un artificio, una excusa para darnos una obra de cine en su versión más tradicional y destacada.
Oppenheimer narra, desde diferentes tribunas, todas ellas conscientemente inquisidoras, la obra del físico norteamericano, la creación de la bomba atómica, el Mcartismo estadounidense y el posterior inicio de la Guerra Fría. Cada relato emerge de alguna tribuna en la que se juzga, desde diferentes perspectivas, la obra de Oppenheimer. El desarrollo de la historia tambalea entre los años 1930 y 1950, mostrándonos los razonamientos y las luchas intestinas que vivió el Padre de la Bomba Atómica.
No pretendió aparentemente Nolan juzgar desde su perspectiva la obra del físico, más allá de lo que él mismo lo hizo, pero tiende, sin quererlo o no, a limpiar un poco sus "manos llenas de sangre", a través de las narrativas que lo colocan como un hombre que cumplió con su deber y que vivió con las consecuencias de ello.
A pesar de ser un Thriller histórico, la película se separa del formato documental a través de la introspección de sus personajes. Conocemos las conexiones emocionales y profesionales de Oppenheimer, sus influencias y ambiciones, la creación de los Alamos, la carrera contra el tiempo y llegamos al climax, el momentum de la película, que no ocurre en Japón cómo podría pensarse, sino pocp antes, en una reunión en la que se decide dónde caerán las bombas, y en Nuevo México, con la culminación del Proyecto Trinity.
Japón, la traición de Strauss y Teller, el juicio moral auspiciado por el Mcartismo anticomunista y el debate sobre la lealtad de Oppenheimer son el desenlace de una historia, predicha por Einstein en aquella mítica conversación con su colega, en el que el físico estadounidense busca la redención a través del martirio, entendiendo que la moral solo se entiende ante su ausencia total, y que somos en parte responsables de las decisiones que otros toman a partir de nuestra postura moral previa.
Alguien tenía que ocupar el lugar del Destructor de mundos, y Oppenheimer solo fue quien, con su ingenio, lo logró primero.
La actuación de Cillian Murphy cumple con las expectativas. De alguna forma logra llevar al personaje a su rango actoral y nos hace una puesta verosímil. Emily Blunt se apropia de cada escena en la que aparece, siendo desde una perspectiva puramente actoral, la mejor del apabullante elenco de actores.
Se destaca Robert Downey Junior, en la que quizá sea su mejor actuación. Su rol de ¿Villano? en una película que realmente no necesitaba diferenciar los buenos y malos, es los suficientement bueno como para lograr empatía y odio por parte del publico hacia el Almirante Strauss.
El resto de actores, en mayor o menor medida, cumplen con mantener el extenso hilo conductor de la película de Nolan.
Post Data: ese pedacito de actuación de Gary Oldman como Truman. Que señor actor. Majestuoso.
Me queda un buen sabor de boca. No estamos en presencia de una obra espectacular, pero si de buen cine en su más pura expresión

7.1
41,268
7
5 de marzo de 2017
5 de marzo de 2017
13 de 16 usuarios han encontrado esta crítica útil
Consejo inicial, Animales nocturnos es una buena película para ver sin referencias previas.
Narra la historia de Susan (Amy), una mujer que parece haber logrado todo lo que había deseado en la vida (¿como su madre?): el esposo ideal, una posición de alcurnia social, dinero... Toda una cápsula idealizada que se resquebraja cuando el pasado toca su puerta. Su ex esposo Edward (Jack) le envía un manuscrito de lo que es su primera novela, dedicada para ella y titulada precisamente como él solía llamarla. A lo largo de la película, a través del manuscrito y de los recuerdos, vamos conociendo la historia de Susan y Edward, así como todas las emociones y sensaciones que se desencadenaron en y luego de dicha relación.
La película, como al parecer le esta ocurriendo a muchos últimamente en Hollywood, peca un poco de preciosista. El artificio fotográfico en algunos momentos resulta de un obvio casi desagradable. De igual forma la intención de dejar un falso positivo en el entramado de las historias que se narran suele ser tan obvio (A través de la iluminación, secuencias, y demás) que rebotan en la pantalla como un gran letrero de "¿Entendiste, ya veras que no?".
A pesar de esto, Animales nocturnos atrapa al espectador en tramas que se desarrollan en distintos tiempos: uno pasado, que según mi criterio es el que no termina de entregar el material necesario para armar el (los) desenlace(s); uno ficcional, maravilloso por las actuaciones y el alto grado de emociones que rebasan su propia linea narrativa, y un estático presente, sobre el que parecen orbitar los otros dos, y que pasa casi desapercibido, cumpliendo su función de sostén de la telaraña. Las maravillosas alegorías que permiten encajar personajes de la realidad de Susan dentro del relato de Edward y viceversa, las profundas emociones que Edward logra transmitir a Susan sobre lo que fue su vivencia tras la separación y cómo recrea sus demonios los libera sobre Susan: la debilidad, el abandono, el miedo, el reconocimiento, el odio, la confrontación, la fuerza y la muerte; todo, va del apogeo a una maraña decrescente sobre un desenlace que parece necesitar más la duda del espectador, que el final necesario.
Así... - Spoiler necesario ↓
Narra la historia de Susan (Amy), una mujer que parece haber logrado todo lo que había deseado en la vida (¿como su madre?): el esposo ideal, una posición de alcurnia social, dinero... Toda una cápsula idealizada que se resquebraja cuando el pasado toca su puerta. Su ex esposo Edward (Jack) le envía un manuscrito de lo que es su primera novela, dedicada para ella y titulada precisamente como él solía llamarla. A lo largo de la película, a través del manuscrito y de los recuerdos, vamos conociendo la historia de Susan y Edward, así como todas las emociones y sensaciones que se desencadenaron en y luego de dicha relación.
La película, como al parecer le esta ocurriendo a muchos últimamente en Hollywood, peca un poco de preciosista. El artificio fotográfico en algunos momentos resulta de un obvio casi desagradable. De igual forma la intención de dejar un falso positivo en el entramado de las historias que se narran suele ser tan obvio (A través de la iluminación, secuencias, y demás) que rebotan en la pantalla como un gran letrero de "¿Entendiste, ya veras que no?".
A pesar de esto, Animales nocturnos atrapa al espectador en tramas que se desarrollan en distintos tiempos: uno pasado, que según mi criterio es el que no termina de entregar el material necesario para armar el (los) desenlace(s); uno ficcional, maravilloso por las actuaciones y el alto grado de emociones que rebasan su propia linea narrativa, y un estático presente, sobre el que parecen orbitar los otros dos, y que pasa casi desapercibido, cumpliendo su función de sostén de la telaraña. Las maravillosas alegorías que permiten encajar personajes de la realidad de Susan dentro del relato de Edward y viceversa, las profundas emociones que Edward logra transmitir a Susan sobre lo que fue su vivencia tras la separación y cómo recrea sus demonios los libera sobre Susan: la debilidad, el abandono, el miedo, el reconocimiento, el odio, la confrontación, la fuerza y la muerte; todo, va del apogeo a una maraña decrescente sobre un desenlace que parece necesitar más la duda del espectador, que el final necesario.
Así... - Spoiler necesario ↓
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
spoiler:
justo en el último tercio de la película, Susan empieza a mandarnos señales de locura, para que un porcentaje de espectadores llenen el internet con la tesis de que Edward nunca existió (Una revancha que Susan hace a sí misma por haberse convertido en su madre?)
Susan siente las emociones del manuscrito y escribe a su esposo (bastardo infiel muy bien literalizado en el villano de Tony) e hija (que hace su aparición en la misma postura de la hija muerta de Tony), dándonos a entender que es ella la que recrea su vida y no Edward?
Susan sabía que nadie llegaría a su encuentro? Es un plantón la "Revenge" tan esperada? Edward es el personaje idealizado que muestra el recuerdo de Susan?
¿Se suicidó Edward al terminar la novela, siendo su muerte la verdadera revancha? (Hubiese sido un grandioso final saberlo)
Tom Ford pudo haber cerrado su excelente película con un final más cercano a esa primera escena en el que Susan se corta al abrir un manuscrito que tenía como fin precisamente eso, hacerla sangrar, pero lamentablemente ideó un final para generar controversia con pistas mal arregladas y sin una verdadera sustentación alternativa.
Susan siente las emociones del manuscrito y escribe a su esposo (bastardo infiel muy bien literalizado en el villano de Tony) e hija (que hace su aparición en la misma postura de la hija muerta de Tony), dándonos a entender que es ella la que recrea su vida y no Edward?
Susan sabía que nadie llegaría a su encuentro? Es un plantón la "Revenge" tan esperada? Edward es el personaje idealizado que muestra el recuerdo de Susan?
¿Se suicidó Edward al terminar la novela, siendo su muerte la verdadera revancha? (Hubiese sido un grandioso final saberlo)
Tom Ford pudo haber cerrado su excelente película con un final más cercano a esa primera escena en el que Susan se corta al abrir un manuscrito que tenía como fin precisamente eso, hacerla sangrar, pero lamentablemente ideó un final para generar controversia con pistas mal arregladas y sin una verdadera sustentación alternativa.

6.4
41,795
9
22 de marzo de 2020
22 de marzo de 2020
10 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Damos por descontado lo obvio, hasta que nos cagan la cara. Obra maestra
______________________________________________________________
Es dificil hablar de esta película, un tratado de política y simbología, sin entrar en spoilers.
Una oda a la critica social descarada y OBVIA, a drede, sin piedad ni anestesia. Muy oportuna en este momento en el que la solidaridad y la disciplina parecen pasar por la ley del garrote.
Sin duda una de las mejores películas que he visto, con un inicio sorprendente, una trama que mantiene atrapado al espectador, y un final que, aunque quizá un poco flojo, no deja "desperdicio" alguno. De largo la mejor película que he visto en Español en muchos años.
Spoilert Alert ↓ Solo para los que la vieron. Un análisis de algunos personajes, no dio el espacio para todo
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Es dificil hablar de esta película, un tratado de política y simbología, sin entrar en spoilers.
Una oda a la critica social descarada y OBVIA, a drede, sin piedad ni anestesia. Muy oportuna en este momento en el que la solidaridad y la disciplina parecen pasar por la ley del garrote.
Sin duda una de las mejores películas que he visto, con un inicio sorprendente, una trama que mantiene atrapado al espectador, y un final que, aunque quizá un poco flojo, no deja "desperdicio" alguno. De largo la mejor película que he visto en Español en muchos años.
Spoilert Alert ↓ Solo para los que la vieron. Un análisis de algunos personajes, no dio el espacio para todo
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
spoiler:
El protagonista se sumerge en un sistema carcelario para poder dejar de fumar. Amanece en una celda e inmediatamente pregunta a su compañero de celda, un anciano, Trimagasi, si se encuentra en "El hoyo", a lo que el viejo le responde con una frase que se convertirá en uno de los adjetivos que defina la película misma, "Obvio".
A partir de allí empieza una descarada critica a la sociedad, sus estratos, sus escalas y clases, que intentan subir desesperadamente y caer en un ciclo que parece no tener fin. El hoyo, y la administración, facilmente puede identificarse como el stablishent, en el que participamos obligados siempre, conscientes o no. Solo hay tes clase de personas, los de arriba, los de abajo, y los que deciden saltar.
Trimagasi entró al Hoyo por asesinar a una persona luego de lanzar el Tv por la ventana en un arrebato, tras dejarse "timar" por productos de cocina. Es un alienado, odia a sus timadores, pero les compra. Es quien le explica al protagonista las características de El Hoyo y como los de abajo estan destinados a morir de hambre.
Trimagasi representa a esa clase media que termina siendo media clase, ni de arriba ni de abajo, se deja mear por los de arriba y los llama hijos de puta, mientras mea a los de abajo porque los de arriban le hace lo mismo, aprovecha lo que puede su posición esperando que al final del mes algo le haga subir, pero sabiendo también que puede amanecer abajo. Sus amistades son circunstanciales. Te respeta, pero si te necesita "comer" para mantenerse vivo mientras puede escalar posiciones, lo hará sin dudarlo, apoyado en una falsa moral. Es el viejo Trimagasi quien comienza la crítica descarada a los estratos. Es él quien da forma a la jungla. Ante la ansiedad del protagonista, que le pide hablar con los de arriba, lo increpa preguntando ¿"Tu no serás comunista? Los de arriba no oirán a un comunista". Tanto descaro (en la trama y fuera de ella), se resuelve con una frase que Trimagasi repite una y otra vez: "Obvio". Esa obvia estratificación social, esa nula solidaridad, esa ley del más fuerte que nos rige y que es asquerosamente representada en "El Hoyo" es una obviedad que damos por sentado, hasta que nos cagan en la cara.
Continúa la pelicula con el protagonista salvándose de milagro de ser comido por Trimagasi, con la ayuda de Miharu (personaje primordial de la trama). La nueva compañera del protagonista es Imoguiri, otro personaje que entró voluntariamente. Antes trabajó para la administración. Si Trimagasi era la representación de la decadencia de la clase media, Imoguiri es un poco menos "obvia". Busca la redención tras años de colaboración con la Administración de El Hoyo, y para hacerlo intenta lograr una "solidaridad espontánea" en los presos, pidiéndoles "a los de abajo" que solo coman lo necesario. Nunca le hacen caso, hasta que el protagonista amenaza con cagar toda la comida la próxima vez si no comen lo que ella les indica. No somos solidarios por respeto y comprensión del Otro, sino en la medida en que este nos permita seguir viviendo nuestras individualidades. Me como lo necesario o no como nada, bajo amenaza soy solidario con el de abajo, solo porque es la única forma de sobrevivir (Les parece familiar esto? COVID-19).
Otros dos personajes podrían dar para tres o cuatro páginas de reseña. El último compañero del protagonista, representa la busqueda de la divinidad, en medio del caos, el bajar para poder subir, el descenso a los infiernos, es, junto al protagonista, quien intenta enviar "el mensaje", es quien demuestra que la disciplina solo se puede conseguir por las malas, o quizá por las buenas, pero siempre con la amenaza del garrote.
Al final, el protagonista logra llegar al último piso, y de allí, enviar el mensaje, que a fin de cuentas no necesita portador, es el mensaje lo que importa, y el mensaje es lo humano, la posibilidad de lo humano puro en medio del caos, y para bien o para mal, sube a toda velocidad hasta las fauces mismas de la "administración"
A partir de allí empieza una descarada critica a la sociedad, sus estratos, sus escalas y clases, que intentan subir desesperadamente y caer en un ciclo que parece no tener fin. El hoyo, y la administración, facilmente puede identificarse como el stablishent, en el que participamos obligados siempre, conscientes o no. Solo hay tes clase de personas, los de arriba, los de abajo, y los que deciden saltar.
Trimagasi entró al Hoyo por asesinar a una persona luego de lanzar el Tv por la ventana en un arrebato, tras dejarse "timar" por productos de cocina. Es un alienado, odia a sus timadores, pero les compra. Es quien le explica al protagonista las características de El Hoyo y como los de abajo estan destinados a morir de hambre.
Trimagasi representa a esa clase media que termina siendo media clase, ni de arriba ni de abajo, se deja mear por los de arriba y los llama hijos de puta, mientras mea a los de abajo porque los de arriban le hace lo mismo, aprovecha lo que puede su posición esperando que al final del mes algo le haga subir, pero sabiendo también que puede amanecer abajo. Sus amistades son circunstanciales. Te respeta, pero si te necesita "comer" para mantenerse vivo mientras puede escalar posiciones, lo hará sin dudarlo, apoyado en una falsa moral. Es el viejo Trimagasi quien comienza la crítica descarada a los estratos. Es él quien da forma a la jungla. Ante la ansiedad del protagonista, que le pide hablar con los de arriba, lo increpa preguntando ¿"Tu no serás comunista? Los de arriba no oirán a un comunista". Tanto descaro (en la trama y fuera de ella), se resuelve con una frase que Trimagasi repite una y otra vez: "Obvio". Esa obvia estratificación social, esa nula solidaridad, esa ley del más fuerte que nos rige y que es asquerosamente representada en "El Hoyo" es una obviedad que damos por sentado, hasta que nos cagan en la cara.
Continúa la pelicula con el protagonista salvándose de milagro de ser comido por Trimagasi, con la ayuda de Miharu (personaje primordial de la trama). La nueva compañera del protagonista es Imoguiri, otro personaje que entró voluntariamente. Antes trabajó para la administración. Si Trimagasi era la representación de la decadencia de la clase media, Imoguiri es un poco menos "obvia". Busca la redención tras años de colaboración con la Administración de El Hoyo, y para hacerlo intenta lograr una "solidaridad espontánea" en los presos, pidiéndoles "a los de abajo" que solo coman lo necesario. Nunca le hacen caso, hasta que el protagonista amenaza con cagar toda la comida la próxima vez si no comen lo que ella les indica. No somos solidarios por respeto y comprensión del Otro, sino en la medida en que este nos permita seguir viviendo nuestras individualidades. Me como lo necesario o no como nada, bajo amenaza soy solidario con el de abajo, solo porque es la única forma de sobrevivir (Les parece familiar esto? COVID-19).
Otros dos personajes podrían dar para tres o cuatro páginas de reseña. El último compañero del protagonista, representa la busqueda de la divinidad, en medio del caos, el bajar para poder subir, el descenso a los infiernos, es, junto al protagonista, quien intenta enviar "el mensaje", es quien demuestra que la disciplina solo se puede conseguir por las malas, o quizá por las buenas, pero siempre con la amenaza del garrote.
Al final, el protagonista logra llegar al último piso, y de allí, enviar el mensaje, que a fin de cuentas no necesita portador, es el mensaje lo que importa, y el mensaje es lo humano, la posibilidad de lo humano puro en medio del caos, y para bien o para mal, sube a toda velocidad hasta las fauces mismas de la "administración"

7.0
57,799
5
6 de agosto de 2017
6 de agosto de 2017
6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Fui a ver Durkerke con la expectativa muy alta. Me la recomendaron como una clásica película de Nolan que catalogan como su obra maestra, con sus actores estelares recurrentes, con la adrenalina de la guerra y la sencillez de un guión bien elaborado.
La verdad en el aspecto técnico esta muy bien realizada, el juego en los tiempos y narraciones, la imagen, el sonido (no la música), el trabajo fotográfico es sinceramente una maravilla digna de analizar y presentar como el deber ser.
Sin embargo, la trama, la intención misma de la película a mi modo de ver se pierde totalmente. Una atmósfera en la que tenemos a 400 mil soldados queriendo huir de las tropas alemanas, lejos de ser angustiante y densa, es totalmente simplona. En ningún momento sientes la angustia del escape, más allá de algunos (pocos y difuminados) ataques hacia la playa de Dunkerke. Mucho menos te aproximas a la vivencia de los personajes, que terminan con una o dos excepciones, siendo personajes anónimos sin ninguna particularidad o desenvolvimiento importante.
Los primeros minutos como siempre Nolan graba más de lo que debió, tanto que en algún momento te preguntas si algo puede salvar la película. El clímax y el final es sin lugar a dudas una decepción, medianamente salvada por el juego narrativo y la trama de Tom Hardy.
Vayan a verla como quien ve una película de Tarkovsky, para saborear la imagen y la producción, sin ninguna intención de divertirse exacerbadamente.
La verdad en el aspecto técnico esta muy bien realizada, el juego en los tiempos y narraciones, la imagen, el sonido (no la música), el trabajo fotográfico es sinceramente una maravilla digna de analizar y presentar como el deber ser.
Sin embargo, la trama, la intención misma de la película a mi modo de ver se pierde totalmente. Una atmósfera en la que tenemos a 400 mil soldados queriendo huir de las tropas alemanas, lejos de ser angustiante y densa, es totalmente simplona. En ningún momento sientes la angustia del escape, más allá de algunos (pocos y difuminados) ataques hacia la playa de Dunkerke. Mucho menos te aproximas a la vivencia de los personajes, que terminan con una o dos excepciones, siendo personajes anónimos sin ninguna particularidad o desenvolvimiento importante.
Los primeros minutos como siempre Nolan graba más de lo que debió, tanto que en algún momento te preguntas si algo puede salvar la película. El clímax y el final es sin lugar a dudas una decepción, medianamente salvada por el juego narrativo y la trama de Tom Hardy.
Vayan a verla como quien ve una película de Tarkovsky, para saborear la imagen y la producción, sin ninguna intención de divertirse exacerbadamente.
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