El simbolismo de la obra absorbe hasta la propia filmación en blanco y negro. El color blanco representa la luz, la vida, la esperanza; mientras que el color negro representa la oscuridad y la muerte. El juego con las sombras, los tonos de luz; procuran generar en el espectador ese estímulo que les haga adentrarse psicológicamente en la película.
La crisis de fe de Ingmar Bergman es representada en la película por Max von Sydow ( Antonius Block). El protagonista recibe la visita de la muerte, que le dice que su final está muy próximo. Antonius, con el propósito de salvar su vida, le ofrece un pacto. Le reta a una partida de ajedrez. Si la muerte gana, Antonius morirá y se le llevará consigo; si por otro lado, gana Antonius, el premio no será otro que la vida. La vida del protagonista transcurre mientras se juega la partida. Todo el camino a partir de la visita de la muerte, son continuas referencias de la propia muerte hacia su poder, hacia la inexistencia de Dios, hacia la imposibilidad de librarse de ella y hacia el vacío posterior a su llegada.
A medida que avanza la película, la esperanza del protagonista se va a agotando y su fe va desvaneciéndose a la vez que la muerte se hace cada vez mas mas poderosa a sus ojos.
Hay una escena que para mi sintetiza la película en una sola imagen. El momento en el que Antonius Block presencia la imagen de Jesús en la cruz. En dicha imagen, se ve a Jesús con la cara triste y apenada, sin poder alguno; con la simple apariencia de un ser humano. En ese momento el protagonista termina de abrir los ojos.

El detonante de la insurrección contra los almirantes del acorazado fue el mal estado en el que se encontraba la carne que los tripulantes procedían a ingerir. La carne estaba en un claro estado de putrefacción, conteniendo gusanos que incluso podían apreciarse a simple vista. Los almirantes negaron rotundamente la podredumbre de los alimentos y ofrecieron de mala manera salmuera como solución. Esto propició el caldo de cultivo necesario para que la tripulación iniciara un heroico alzamiento contra los almirantes que acabaría siendo apoyado por toda la tripulación. Una de las escenas de la pelicula representa lo que parece ser la imagen personificada de dios; reflejado con la apariencia de un simple mortal (Con un aspecto adán y desaliñado). Esta trivial encarnación de dios simboliza el triunfo de la razón sobre las creencias religiosas (componente fundamental del gobierno zarista).

Uno de los sucesos que marcan el largometraje es la muerte de uno de los tripulantes;.siendo velado por todo el pueblo ruso, y evocando así a la unión del pueblo ruso contra la tiranía zarista. La película, además, no contiene protagonistas, esto es otro de los detalles que simbolizan el ideal colectivista del socialismo. Otro detalle que promulga los ideales de esta corriente, se aprecia en la escena final, en la que sin necesidad de provocar fallecimiento alguno, las tropas de la embarcación zarista se unen fraternalmente a la causa bolchevique.

Las escena de la escalera, es una de las escenas más egregias de la historia del cine. Esta muestra sin tapujos la frialdad y la inhumanidad del ejercito zarista fusilando a miles de rusos ( niños y mujeres inclusive) mientras estos huyen aterrorizados bajando unas escaleras que parecen no acabarse nunca.

Otro momento a destacar, es la conmovedora imagen del grito de exasperación de una madre mientras suplica ayuda con su hijo moribundo y malherido en sus brazos. El ejercito responde aplicando fuego a discreción sin ningún remordimiento.
La película acaba con la unión fraternal de los tripulantes del Acorazado Potemkin y los tripulantes del zar. Emulando el reconocido mensaje de Marx invitando a la unión de los pueblos y de la clase obrera mundial contra la tiranía capitalista.

La película pasa por todas y cada una de las etapas mencionadas. La forma en la que se conocen Joel y Clementine; el cruce de miradas en el bar, el saludo en el andén, la conversación en el tren... El flechazo inicial, la emoción y la efusividad del comienzo, el desgaste de una relación pasada... y la necesidad del ser contemporaneo de no estar solo. Luego llega la convivencia, las discusiones, el paso tiempo, la monotonía, y el fin. Pero es ese el momento donde Kaufman da el drástico giro a la película al que no suele tener acostumbrados.
Cuando Joel y Clementine terminan la relacion, Joel descubre que Clementine ha hecho que la borraran de la memoria todos y cada uno de los recuerdos que vivió con Joel en un momento de impulsividad. Al enterarse de esto, Joel, hizo lo propio y visitó la clínica del doctor que lo llevaba a cabo, para asi repetir el proceso y borrar de su memoria a Clementine. Durante el proceso, Joel se embarca en ese viaje hacia el subconsciente; en ese viaje hacia el yo.
Joel esta inducido en un coma, en el que revive todos y cada uno de los recuerdos de su relación con Clementine a la vez que estos van desvaneciendose. En ese momento comienza la lucha de Joel, la lucha interna contra su máscara; la lucha contra su 'superyo'. Joel, a raíz de revivir dichos recuerdos, redescubre a Clementine y vuelve a enamorarse de ella. Se da cuenta de que no la llego a conocer. Vio lo mismo que vio en un principio, pero con la diferencia de que ahora era él el que la miraba. Joel intento por todos los medios que pararan el proceso al darse cuenta de que no queria olvidarla, de que todo habia sido un error, y que nunca habia dejado de estar enamorado de ella. A pesar de que el proceso de borrado se llevo a cabo, Joel salió victorioso de la batalla contra su 'superyo'.
El final de la pelicula no deja indiferente a nadie. Joel y Clementine vuelven a conocerse, y vuelven a iniciar una relación tratandose como auténticos desconocidos. Pero... Hay dos cintas, una para cada uno. Cada cinta contiene un mensaje. Mientras estan en el coche, Clementine reproduce su cinta. En dicha cinta suenan los motivos por los que Clementine decidió borrar a Joel de su mente. Al llegar a casa, Joel escuchó su cinta. Los dos son conscientes de que las cintas son premonitorias, de que lo que han escuchado, pasará más tarde o temprano. Pero nunca han dejado de ser ellos; su amor nunca se apagó. El 'yo' ha ganado.

En esta película Ingmar Bergman, a través de una conversación entre dos mujeres, realiza un profundo análisis psicológico de la mente humana. Por un lado esta Elisabeth, una reconocida actriz de teatro ingresada en un psiquiátrico por un suceso que la dejo sin habla.

Por otro lado está Alma, la doctora que la trata y con la que se dirige a una casa en la playa para incentivar su recuperación. Elisabeth y Ana a simple vista son dos personalidaddes completamente opuestas, con vidas dispares y con unas metas vitales desiguales. Elisabeth es la paciente, pero los roles de las dos protagonistas se intercambian conforme va avanzando la película sin que la propia Alma sea consciente de ello.

La película es un reflejo constante del interés y la admiración del sueco por la teoría psicoanalítica. La inquietud de Bergman fué representada en el personaje de Alma. Inconscientemente comienza su desahogo y termina virtiendo sobre Elisabeth sus secretos y sentimientos mas profundos e íntimos a pesar de que Elisabeth no articula palabra. Elisabeth proporciona a Alma la paz y la seguridad que nunca antes había tenido. Se siente comoda y fluye con ella de una forma onírica. Alma muestra con una laxitud y una dulzura incomexurable su lado mas humano, sus inquietudes y sus traumas sexuales ( una conversación cargada de erotismo y sensualidad en la que Alma le cuenta a Elisabeth su experiencia con 2 chicos jovenes en una playa).

El largometraje contiene repetidas referencias a que, a pesar de la sensacion de antagonía que infringen las protagonistas; no dejan de ser la misma persona.
Esta referencia a la tesis psicoanalítica de Carl Gustav Jung, explica su teoría  sobre la el 'yo' y la 'persona'. El reflejo del yo es Alma; esa vulnerabildiad, esa ternura y visceralidad; ese infinito deseo de mostrar todo lo que guarda en lo mas inhospito de su inconsciente, esa dosis de oxigeno, de alivio y de evasión que todo ser humano anhela en ciertos momentos de su existencia. Ese escapar del yo social. Elisabeth sin embargo, reverbera ese yo dolorido, cohibido; en silencio. La máscara que mostramos a la sociedad. El yo que añora la libertad del otro yo, pero que a la vez se averguenza de su infantil inocencia.

Uno de los viajes mas conmovedores que Goya realiza, es hacia su pasado mas inmediato. Ese viaje le devuelve al momento de angustia y desesperación que utilizó de inspiración para pintar sus catorce obras murales. La decrepitud física llama a la puerta de Goya, las visiones y la locura se apoderan de el. Comienza a ver de cerca la muerte. Goya, en una de las escenas finales ya postrado en la cama, intenta recordar su imagen de niño, pero no lo consigue.
La película comienza con la imagen de Goya dibujando un espiral en el vaho de la ventana mientras exclama: " La vida es como un espiral". Ese espiral simboliza la efimeridad del recorrido vital. Las idas y venidas de la existencia humana, desde el nacimiento hasta la hora final. La película finaliza con la muerte de Francisco de Goya en su cama, y el nacimiento de un niño.