"Duele, duele, duele, duele, duele..."

Duele en mi corazón, duele en tus lágrimas, duele en las caricias sobre las venas de tu misma mano, duele en el peso de tus hombros, duele en el amor que te tengo.

Duele en mí y en ti, porque el placer de verte vivir se torna en el sufrimiento de verte sufrir. Ya no sé si repito la misma palabra porque me duele de verdad o porque es un mero automatismo, que uso de forma constante porque decir que me duele es como decir mamá, me alivia recordarte.

La palabra amor, con el tiempo, cada vez parece ser más dicha, más leída, más simple. Sin embargo, el amor es cada vez más exótico, más raro de encontrar, más complejo. Una palabra cambia radicalmente dependiendo del contexto en el que se encuentre, y Anne y Georges la convierten en la más bella del mundo por su historia y su final, demostrando el verdadero significado de lo que es "amar en la enfermedad".

Como Georges mencionó en la película: "lo que mejor recuerdo son los sentimientos", y eso es lo que siempre llevaré conmigo, esa sensación de estar ante una historia tan dolorosa como inolvidable, una lección de vida que me llega a una corta edad, pero que me alegro de ello pues nunca es pronto para darse cuenta o reafirmar la idea de lo necesario que es saber querer, cuidar y dejar ir. Y, aunque por encima de todo vaya a recordar lo que he sentido, no voy a poder quitarme de la cabeza tampoco lo que Michael Haneke, Jean‑Louis Trintignant y Emmanuelle Riva han conseguido con esta obra maestra, llena de silencios, de encuadres e interpretaciones dignos de todo reconocimiento.

No he podido resistirme a ver esta obra con la idea de que Elle es Anne, que Emmannuelle Riva es la misma persona en "Hiroshima, Mon Amour" que en "Amour", en países diferentes, con edades diferentes, con un compañero de vida y de "amour" diferente, pero siendo la misma mujer que vivió un amor apasionado, con ganas de ser devorada hasta la fealdad en su juventud y que en su vejez vive un amor duradero, enternecedor y fiel.

"Duele, duele, duele, duele... y por fin, dejó de doler." Porque si hay algo peor que la muerte es el sufrimiento propio. Y si hay algo peor que el sufrimiento propio es el sufrimiento de las persona que amamos. El amor en ocasiones va de eso, de doler.

Se me pone la piel de gallina después de todavía mi segundo visionado al recordar como he cruzado mi mirada con las dos de Noémie Merlant (Marianne) y Adèle Haenel (Héloïse). Es algo que consigue esta película si la miras como un conjunto de cuadros que es lo que consigue si capturas momentos del film.

No logro comprender como Francia ha desprestigiado a esta película, siendo la mejor película europea del año y me atrevería a decir de la década como mínimo, porque tanta belleza, tantas emociones y tanto arte solo consigue dejarnos mudos ante esta joya.

Gracias Céline Sciamma, por este trabajo tan precioso y esta historia de amor que me ha dejado con lágrimas en los ojos y una sonrisa al acabarla en las dos veces, y eso, muy pocas películas son capaces de producirlo a lo largo de la historia. 9,6/10

Paul Schrader, de nuevo has conseguido hiptonizarme con uno de tus guiones, y no solo eso, sino a través de una dirección fantástica que construye una película prácticamente perfecta.

Cuando empecé a verla no imaginaría que la peli acabaría yendo por los senderos que finalmente recorrió, pero es que así es el cine de Pual, desconcertante e imprevisible, cociéndose a fuego lento para llevarte a la autodestrucción y a un mundo completamente descarnado.

La crudeza y frialdad no solamente se encuentra en las reflexiones del reverendo Toller (influencia del cine religioso de Ingmar Bergman), sino también en sus planos estéticos, en sus leves movimientos de cámara y en su paleta de colores, formando en conjunto una imagen extremadamente pulcra.

La historia me parece escalofriante, sobre todo a través de la evolución psicológica de un reverendo que es uno de los protagonistas más interesantes que he visto en pantalla, me encontré completamente absorto ante sus diálogos y pensamientos internos. Su relación con la mujer embarazada (interpretada muy bien por Amanda Seyfried) es tan peculiar como natural, el único ápice de optimismo y esperanza que encontramos en una cinta tan oscura.

Y el final... comento sin spoilers, pero es uno de los que más tensión me han generado y que más tiempo me han dejado reflexionando, no solo por sus posibles interpretaciones que me parecen todas maravillosas, sino por la idea de que la película haya podido llegar hasta ese punto tan extremo sin que sea chocante o forzado, como espectador se entiende perfectamente.

En resumen, una obra maestra de Paul Schrader sobre la inestabilidad de la fe, la autodestrucción de nuestro mundo y a la vez de nosotros mismos y el dolor causado por la falta de esperanza, entre otros muchos temas que hacen que esta sea una película sobre la que escribir y leer. Además Ethan Hawke hace uno de los papeles de su carrera, quizás el mejor, lo que lo empieza a consagrar como uno de mis actores predilectos.

Hay películas que son verdaderamente trágicas, que arden en el pecho cuando se están viendo, que nos hacen tener menos fe en este mundo cuando las vemos, y aún así, que logran desprender una enorme belleza y conmover a través de su poesía visual. Este es el caso de "Nobody Knows", la cinta que catapultó al director Hirokazu Koreeda en Cannes en el año 2004, evidenciando lo grande que es el cine social japonés que tantas joyas alberga.

Ante la premisa, a mucha gente puede echarle para atrás esta película por creer que verán una historia creada solo con la intención de hacer llorar al espectador, siendo demasiado sensiblera y reafirmando el mensaje de lo culpable que es el mundo. Sin embargo, es la sutileza y el corazón que le pone el director y la cámara a esta película la que hace que tome otro rumbo realmente sorprendente e hipnótico, donde los sentimientos de unión, hermandad, solidaridad y compasión brillen.

Estos 4 niños, estos 4 hermanos, hacen que nos metamos en su pequeño mundo para aislarnos de lo exterior, de ser partícipes de las barreras que se fabrican en la infancia para permanecer en el juego, en la inocencia. Por mucho que sepamos que lo que está sucediendo fuera es desesperanzador la niñez se impone a todo y convierte la tierra en bonitas plantas que van creciendo, unas al lado de las otras.

El uso del silencio junto a las miradas de los niños en esta cinta es de lo más conmovedor que he visto en el cine, con unas interpretaciones de los infantes fuera de este mundo, especialmente la del hermano mayor que soporta tanto el peso narrativo de la película como el peso de la supervivencia y la diversión de sus hermanos de distintos padres. "Como aman los pobres", que decía nuestra querida y fallecida Gata Cattana. Como sembrar el amor a partir de las adversidades.

Por otra parte, remarcar la dirección magistral de Koreeda, con unos primeros planos de la mirada de los niños, de sus manos y de sus pies que sin necesidad de palabras expresan todas y cada una de las emociones que se plasman. Es de una belleza apabullante ver cómo se retrata la forma en la que cada hermano se recrea en el tiempo muerto, a través de dibujos de la madre que parece no volver, del cuidado de unas plantas cargadas de metáforas, de una partida de videojuegos en silencio para dejar dormir a los hermanos o de una niña tocando un piano de juguete que sabe que nunca nadie le regalará de verdad y no podrá aprender a tocar.

En resumen, una cinta que estremece de una manera hermosa a través de situaciones cotidianas y de cómo se las ingenia un hermano mayor para ayudar a sobrevivir a sus hermanos a partir de la desaparición terrible y sin excusa de una madre desentendida de todo. Duele mucho más la cinta cuando recordamos que está basada en hechos reales, pero lo dicho, es ese tipo de dolores que sanan el corazón y nos hacen enamorarnos más aún del cine.

10/10 ⭐

Semi-remake de los 6 primeros episodios de uno de los mejores animes de la historia, sino el mejor. Resume esos 6 capítulos en 100 minutos prescindiendo de partes relevantes de la trama pero añadiendo alguna nueva que deja al espectador dubitativo y con ganas de teorizar sobre las posteriores películas "Rebuild".

Este film evidencia el potencial visual de la serie con una animación de gran presupuesto, algo de lo que en su momento prescindía y al convertirse en una de las sagas más relevantes de la historia pudo adquirir y así desarrollar este proyecto.

Por lo tanto, la animación es espectacular, manteniendo bastantes de los mismos planos del arco inicial de la serie pero con mejor calidad, color, luz y acortando escenas que en el anime original eran criticadas por ser demasiado largas, algo que en mi opinión daba todavía más sentido a la propia escena, pero al ser un resumen se entiende su recorte.

El apartado del audio evoluciona en paralelo a la animación, con una banda sonora remezclada mucho más épica, y con sonidos detalladamente cuidados que hacen de la visión del film una mayor experiencia.

En conclusión, una película necesaria para comenzar a adaptar Evangelion al siglo XXI, y así evitar que se quedara atrás una saga tan mítica en relación con la nueva vertiente de animación tan grande que vemos cada año. El comienzo de 4 películas que engrandecieron todavía más la obra de Hideaki Anno.