El maestro del suspense quiso volver a dejar boquiabiertos a crítica y público con esta adaptación de la novela de Daphne du Maurier, de la cual sólo quedan resquicios en el título y la idea del ataque aviar contra la población civil. Tanto es así que dentro de la “crítica profesional” existen tanto defensores como detractores de esta película. Por mi parte la considero una de las mejores del director británico, no solamente por su eficacia narrativa, con su habitual ritmo de reloj suizo, sino sobre todo por sus numerosas reflexiones antropológicas, siempre ocultas bajo la sombra del misterio.

El argumento, como el propio Alfred dijo en Cannes, no puede ser más simple: “...es la historia de una comunidad que sufre sin explicación los ataques cada vez más violentos de pájaros...”. Aún así el maestro preparó muchas claves en esa historia para inmortalizar la cinta. Para el análisis, voy a comentar por orden los que creo son principales temas de la película (ver spoiler).

Personalmente recomiendo esta película a todo el que aún no la haya visto, ya que contiene elementos para todos los gustos: romance, comedia, drama, terror, intriga psicológica... Que cada uno saque sus propias conclusiones. Con todo, supone un gran interrogante dentro de la carrera de Hitchcock, y una pieza única en la historia de la imagen.

El peculiar y desconocido cineasta Max Ophüls rodó en Alemania esta película en pleno ascenso de Hitler al poder, y un mes después de su proclamación como Kaiser, se estrenó. Eso sí, habían eliminado los nombres de los autores y técnicos judíos, que eran la mayoría. Al tiempo, Ophüls y su familia estaban ya huyendo a París. Inmediatamente después de su llegada, rehizo la película cambiando sólo los primeros planos y doblaje. La reedición está, en general, peor valorada por la crítica por la falta del ambiente vienés.

Liebelei fue su primera gran película. Las anteriores, Die verliebte Firma (1931), Die verkaufte Braut (1932) et Die lachende Erben (1932) eran cualitativamente menores. La película finalmente anunció al mundo la maestría de Ophüls como director. De hecho en doce años más tarde, el productor Preston Sturges dio trabajo a un Ophüls en paro: estaba muy impresionado precisamente por esta película. Kubrick o Truffaut son otros admiradores Liebelei.

La primera característica es la sencillez de esta película y de casi todas las obras de Ophüls. La historia en sí misma tiene poco interés, incluso en el tiempo, ya que no es más que un melodrama que evoca esa época “dorada” con el emperador Francisco José (ver en spoiler 1), pero esta previsibilidad da el director la libertad para organizar y dar sentido al material. La emoción de la película no proviene de la información pura y simple, sino del diseño de los personajes. La precisión de la puesta en escena no valora la simple acción, sino las tensiones y relaciones entre los elementos previamente establecidos. Lo que diferencia las películas de Max Ophüls de las de sus voyeuristas contemporáneos es que el punto de vista pertenece principalmente a los personajes. Ellos construyen la mirada, son los sujetos y nosotros sus objetos (ver en spoiler 2).

Liebelei, como La Signora di tutti (1934), Letters from an unknown woman (1948) y muchas de las mejores películas de Ophüls, es un melodrama es la característica más notable del melodrama es la normalizada existencia de redundancias: la misma información se da tantas veces al espectador que, acaba sabiendo más sobre la historia que los propios personajes. Pero en el cine de Ophüls la redundancia no excluye la sencillez o la economía de medios, existe una tensión constante entre esos dos elementos (ver en spoiler 3).

Otra constante en la filmografía de Ophüls es el choque de generaciones (ver en spoiler 4). Ophüls no hace una variación sobre el tema sino que añade datos específicos que transforman el material original. La adaptación es un proceso de herencia: la aceptación requiere transformación.

Una joya.

A menudo en los medios de comunicación se juzga la cultura caribeña-jamaicana (y otras culturas no europeas) sin llegar a contextualizar bien los hechos. Se asume que Jamaica está a la altura de potencias económicas europeas o americanas, por lo menos socialmente. A pesar de ello, esto no puede estar más lejos de la realidad. Jamaica tiene su propia identidad cultural como nos han descubierto músicos como Bob Marley, deportistas como Usain Bolt, ideólogos como Marcus Garvey o películas como "The harder they come" (1972). La película, en mi opinión, se pone al nivel mediático porque apenas contiene trazas de la forma de vida jamaicana, más bien una satisfacción sucesiva de tópicos. ciertas tendencias estilísticas y musicales, en las que los ídolos se jactan de ser el que más dinero o poder tiene. El público al que el film va dirigido es de un nivel de vida superior al de la isla, de hecho ni reside en ella, sino más bien en EEUU.

En esta línea se sitúa el relato porque a pesar de los intentos (ver en spoiler 1), el mensaje de la película está tan vacío como la mayoría de producciones de acción de Hollywood, aunque sin llegar en ningún momento a un nivel trepidante. Así como en "Caiga quien caiga" (The harder they come), el protagonista encarnado por Jimmy Cliff procedía de una familia pobre y lo que hacía, lo hacía para sobrevivir (y grabar su LP), en "Shottas" los protagonistas no tienen la misma coherencia (ver spoiler 2). La comparación con "Érase una vez en América" (Once upon a time in America, 1985) es indigna pero obligada, porque nada tienen que ver los contextos o argumentos, pero se parecen bastante en la estructura (al montaje lineal de la Paramount, no al de Leone)(ver en spoiler 3).

Como apuntes positivos me gustaría señalar a los dos protagonistas (Ky-Many Marley y Spragga Benz) que hacen una interpretación muy digna (¡rechacen versiones dobladas!), la banda sonora sobrecargada pero bien seleccionada y sobre todo me gustaría reseñar el trabajo del productor, guionista y director que con 200.000$ ha realizado una satisfactoria opera prima 100% jamaicana que no deja mal sabor de boca, pero adolece de sus defectos cuando la miras de cerca.

1- Busque una HISTORIA compleja que no requiera rodajes complejos, en un sitio sórdido cualquiera que se pueda conseguir barato o gratis le vale, a través de algún conocido. Adquiera una dosis de ácido cada noche.

2- Diseñe unos PERSONAJES de moralidad dudosa que puedan sucumbir ante los retorcimientos de su mente pervertida. Y que además, no requiera maquillaje, ni vestuario ni efectos especiales.

3- Desarrolle esos CONFLICTOS en los personajes, e intente que sus vidas se crucen para darle sentido a la historia. Añádale unas dosis de humor negro. Si todavía uno de los personajes no es un cadáver, por favor, borre todo lo que haya escrito hasta ahora y vuelva a empezar.

4- Construya el ESPACIO visual con una mirada curiosa y atenta sobre los personajes. Intente maximizar su decadencia mediante la imagen.

5- Consiga FINANCIACIÓN... Empiece a mover nieve.

6- Convenza a unos ACTORES Y TÉCNICOS colegas que se quieran quedar “un par de tardes o así” a ayudarle. De este punto hasta el 9, la nieve puede ser útil.

7- Consiga el poco MATERIAL que pueda necesitar, desde cámaras pasando por escenografía y atrezzo hasta bolsas de patatas. Para este punto, conviene ceñirse a lo que diga la ley sobre propiedad privada.

8- Enciérrese con ellos al RODAJE un fin de semana. Si el traidor del director de fotografía se va al pueblo con su novia, no se preocupe, grabe en blanco y negro. En caso de intento de motín por parte del equipo, utilice una cinturón contra los rebelados.

9- Consiga imágenes de ARCHIVO de tipo apocalíptico que se complementen con su historia. Por supuesto, que no haya que pagarlas. Empiece a consumir marihuana.

10- Siéntese tranquilamente frente a su computadora para el MONTAJE. Este proceso puede llevar mucho tiempo y frustraciones, no se desespere. Si se excede del metraje preconcebido, no se preocupe, pero intente que nunca se pierda el ritmo de la narración.


Enhorabuena, ya ha realizado con éxito un cortometraje casero. Ahora ya sólo tiene que presentarlo en algún festival underground para poder devolver todas las deudas cuanto antes.

Llega un punto en el que mucha gente como yo deja de enfadarse por las mentiras que los emporios de comunicación nos transmiten todos los días. Cada vez me resulta más fascinante la forma en que digieren la realidad para defecar la información al servicio del poder y la élite, ese complejo entramado que algunos llaman propaganda. Admiro el gran circo que han creado, y lo bien que funciona modulando las actitudes de la masa.

Por eso me resulta interesante esta serie, porque además de ser en sí mismo un producto propagandístico de primer orden, da un paso más allá: intenta convencernos del buen hacer de estos medios como transmisores de dicha propaganda oficial (libre mercado, republicanos/demócratas, guerras por doquier, terrorismo, etc). Lo que resulta aún más interesante es el argumento utilizado, la “dignidad del periodista” que lucha contra "ciertas influencias" que llegan desde el poder y sus intereses. Se olvidan, a propósito, de que los propios medios son grandísimas empresas y también tienen sus intereses, que de hecho suelen coincidir. Por lo tanto, cualquier intento de un periodista corporativo por modificar el tratamiento tecnológico, burocrático y masivo de la información no es sólo irreal, sino irrealizable, y aún más en televisión.

Lo más gracioso es que el resultado final, las llamadas “News 2.0”, adalides de la libertad y rigor informativos, no pueden representar mejor el tópico de periodismo torticero, que por hacer cuatro preguntas en directo e insistir en una de ellas, ya eres un héroe informativo. Perfecto para fans de Anas Pastor, Urdacis y compañía.

Por lo demás, realización impecable de los verdaderos profesionales, bastantes personajes arquetípicos exagerados y basura emotivo-amorosa reciclada mil veces en clave de sermón.

Buen intento Sorkin, pero no, una vez más no me lo trago. La poca confianza que aún ostentaba HBO se diluye a cada capítulo de esta serie.