Clásico del género western dirigido por George B. Seitz en 1940. La película sigue la historia del mítico Kit Carson, del cual personaje se hacían cortos y series en mi infancia por su valentía y heroicidad en los territorios hostiles de shoshones y otros.

Pues bien, Carson, a regañadientes y sólo seducido por una bella dama, acepta guiar a un grupo de colonos a través del territorio indio de California, acompañadp de militares americanos.

En esa travesía, vemos cómo Carson se ha de enfrentar al capitán Fremont, enamorado de la misma mujer que él, y a las emboscadas indias que ponen en peligro las vidas del grupo. Por cierto, en pocas pelis del género se ven tantos y tan ágiles indios.

La película destaca por su originalidad al diversificar las miniaventuras de manera inesperada pero contundente y en forma sorprendente para regocijo del espectador.

Aunque hay acción a raudales, también se toma tiempo para el intimismo y la reflexión. Hay interesantes intercambios entre los personajes e incluso sustanciosas escenas de amor.

George B. Seitz aprovecha tanto los espacios abiertos como los cerrados para crear una experiencia visual cautivadora con ríos, montañas nevadas o desfiladeros peligrosos.

Los diálogos son acertados, y algunos incluso critican al estamento militar. Jon Hall interpreta a un Carson simpático, audaz y valeroso, que utiliza más su ingenio que su revólver. Además, el prolífico Ward Bond y el joven Dana Andrews también hacen un buen trabajo en sus respectivos papeles.

Para sorpresa mía, la peli se hace cargo de todo un triángulo amoroso, con Carson incluido, y lo más sorprendente, consentido y todos felices. Será porque los tres participantes son personajes de gran candidez y simpatía. Así y todo, es sorprendente para la época que el final de la peli nos obsequie con este regalito.

En suma, estamos ante un western espléndido que combina acción, reflexión y personajes memorables. Es una obra para quienes, como yo, gustan de las películas del salvaje oeste.

La documentalista chilena Maite Alberdi nos regala un estudio dolorosamente tierno, de no ficción, un fragmento de la vida de un matrimonio. Ambos temen el día en que deje de reconocerla, y trabajan diariamente los recuerdos. La película es una experiencia profundamente personal.

Alberdi inserta su cámara en la cotidianeidad, en la del enfermo y su mujer, la directora nos mostrará ese hogar para narrar los cambios que tienen lugar a través de los años, fruto de la demencia alzhéimer.

“Haciendo un poco de historia”

Augusto José Góngora Labbé (1952-2023) fue un periodista, documentalista y presentador de TV chileno. Durante su carrera estuvo a cargo del área cultural de la televisión nacional de su país, durante las décadas de 1990 y 2000, habiendo pertenecido a su directorio entre 2016 y 2017.

Tras un primer matrimonio, Augusto inicia una nueva relación en 1997 con la actriz Paulina Urrutia, con quien se casó en 2016.

En 2014, con apenas sesenta y dos años, Góngora fue diagnosticado de una demencia tipo Alzheimer y fue en 2020 cuando su esposa Paulina dio a conocer un importante deterioro de sus funciones, hasta su muerte en 2023 con setenta y un años.

“Un relato de amor”

Augusto y Paulina han vivido juntos y enamorados desde hace más de un cuarto de siglo. Cuando la memoria de Augusto empieza a debilitarse, aprenderán a reinventar su forma de relacionarse y la forma de mantener ese amor que va parejo a los recuerdos que pugnan por volar.

La historia del periodista Góngora y la actriz Paulina Urrutia (conocida como “la Pauli”) sigue su curso en el celuloide. En la pantalla vemos como ambos repasan su relación mientras enfrentan los desafíos de la enfermedad.

Hay momentos de ternura, caricias, risas íntimas y también fases de desconcierto y agresividad. No evita la película mostrar la crudeza de la enfermedad, lo cual que obliga al espectador a mirarla directamente, de frente.

“La determinación de Paulina”

El motor de esta batalla es la mujer de Góngora, la actriz convertida en ministra de Artes y Cultura Paulina Urrutia, con quien contrajo matrimonio en 2016, dos años después de su diagnóstico.

Hay determinación, devoción y un optimismo casi inagotable en Paulina, mientras guía amorosamente a su esposo a través de la creciente niebla de su pasado. Presenciamos sus vidas en común, el empuje de ella, sus ganas de retenerlo despierto y lúcido.

Ese núcleo de sentimiento profundo y hermoso ricamente resonante asegura que el documental no se adentre en el melodrama en ningún momento, ni devenga tragedia fatal.

Ella lo convence para que rellene el mismo lienzo en blanco una y otra vez. Algunos días recuerda más que otros. Y algunos días cae en la desesperación, llorando por cuán inaccesibles se le hacen los libros.

Vemos a Pauli leyéndole a Augusto, caminando con él por el parque, haciendo fisioterapia, observando protectoramente cómo él hace un tambaleante intento de andar en bicicleta, incluyéndolo en sus ensayos para una obra de teatro.

“El olvido de un hombre que luchó contra el olvido”

La paradoja, el absurdo vital y sustancial de esta cinta es ver que el hombre que luchó para preservar la conciencia de su país en los momentos de la dictadura de Pinochet, no puede ahora salvar su propia memoria.

Las imágenes de él al frente de protestas amplifican este extremo. Lo mismo que los recuerdos de su asociación con el iconoclasta cineasta chileno y teórico del cine Raúl Ruiz, vistos en una entrevista con Góngora, en la que hablan de la fascinación de Ruiz por resucitar los muertos.

El contrasentido de ver a Augusto, un gran valedor y luchador para mantener vivos los dolorosos recuerdos de la dictadura. Curiosa y significativamente, una de las publicaciones más conocidas en la que colaboró es: Chile: La memoria prohibida (1989), (“Crónica de los años sin olvido”), que relata hechos ocurridos entre 1973 y 1975.

Hay imágenes de la presentación del libro; también imágenes de un ejemplar dedicado a Paulina, quien le lee a su marido la dedicatoria: “los que tienen memoria tienen coraje (…) sin memoria no sabemos quiénes somos”, aunque ya Augusto apenas entiende…

“Tensión y padecer”

La tensión se muestra a menudo en ambos rostros. El dolor del olvido es muy profundo. Pero la fuerza del vínculo, de su relación y los destellos del hombre vibrante e inteligente todavía allí, bajo la bruma, hacen que esta película sea tan inesperadamente conmovedora como triste.

Obra cruda y emotiva pues, aunque esté cuidadosamente preparada, hay momentos en los que un brote de la enfermedad obliga a encender la cámara. Estos momentos están llenos de pura aspereza y desabrimiento.

“Elogios y reconocimientos”

La película ha sido elogiada por su enfoque y su habilidad para transmitir amor y positividad en medio del drama de la enfermedad. Para el Rotten Tomatoes, y el “Tomatómetro”, el filme es calificado con un 92%, lo que refleja su impacto en la audiencia.

Fue galardonada con el Premio Goya a Mejor Película Iberoamericana y nominada a Mejor Documental en los Oscar 2024.

“Por cerrar”

Documental que aborda el miedo al olvido desde una perspectiva emotiva y realista. Su enfoque en la relación entre Augusto y Paulina, lo convierte en un documento pleno de sensibilidad, perseverancia, valentía y corazón.

Un testimonio poderoso sobre la fragilidad de la memoria y la fuerza del amor en tiempos difíciles: el verdadero “amor en los tiempos del cólera”, del que hablara García Márquez.

Maite Alberdi nos invita a reflexionar sobre la importancia de recordar y valorar cada momento. Este documental es una experiencia inolvidable que trasciende las barreras del género.

Publicado en revista ENCADENADOS: https://encadenados.org/criticas/la-memoria-infinita-3/

Clásico Western estadounidense dirigido por con enorme oficio por Joseph M. Newman. La película se desarrolla durante la guerra en el suroeste del país, y sigue la historia de un sargento que asume el mando de la caballería después de que un capitán muere en una emboscada.

Para salvar a su tropa, el sargento decide dirigirse hacia el fuerte más cercano, pero para lograrlo, debe cruzar territorio apache.

La trama ofrece una interesante combinación de acción y tensión, y la dirección se dirige claramente hacia esos extremos.

En el reparto Joel McCrea interpreta al sargento Vincent, un líder valiente y decidido que debe guiar a su grupo de soldados a través del territorio hostil. John Russell da vida al soldado Kinch, un hombre con un pasado turbio y una actitud desafiante. La química entre estos dos actores es palpable, y comparten diálogos muy interesantes.

Se beneficia de su uso de paisajes naturales: las vastas llanuras, los cañones y los desiertos crean una sensación de autenticidad. El batalló, rodeado de tierra árida y rocas, se convierte en un personaje más en la historia.

La película aborda las tensiones raciales entre los soldados y los nativos americanos. La desconfianza mutua y los prejuicios están presentes a lo largo de la trama.

El sargento Vincent debe equilibrar la lealtad a su deber con la compasión hacia los apaches, lo que crea un dilema moral interesante.

Las escenas de acción son emocionantes y bien coreografiadas. Los enfrentamientos con los apaches son tensos y llenos de peligro.

La estrategia militar utilizada por el sargento Vincent para proteger a su grupo y llegar al fuerte es un punto culminante de la película.

Aunque los efectos especiales pueden parecer modestos en comparación con los estándares actuales, eran llamativos para la época.

No es solo un western superficial. Aborda temas más profundos, como la lealtad, la confianza y la humanidad en medio de la guerra.

En resumen, es una película que combina elementos del género western con un trasfondo histórico y de conflicto, y un análisis profundo de los personajes.

Si te interesan las películas ambientadas en el siglo XIX y con un enfoque en el ejército y las tensiones raciales, esta es tu peli.

Genial dirección de André De Toth que sabe tomar el paisaje y la climatología como un personaje más del filme. La trama se desarrolla en un remoto poblado del Oeste, que queda aislado por la nieve.

El implacable Jack Bruhn (genial interpretación de Burl Ives) y su banda de desertores se apoderan del lugar. El ranchero Blaise Starrett (encarnado de forma superlativa por Robert Ryan), cuya reclamación de tierras se ve afectada por la llegada de los forajidos, se enfrenta a la banda de asesinos.

La película presenta una atmósfera tensa y claustrofóbica, acentuada por la nieve que bloquea las salidas del pueblo. La dirección de André De Toth utiliza hábilmente el entorno invernal para crear una sensación de aislamiento y peligro constante. La cinematografía en blanco y negro contribuye a la intensidad visual de la película.

En cuanto a las actuaciones, Burl Ives ofrece una interpretación memorable como el líder de los forajidos. Su presencia imponente y su voz profunda añaden una capa de amenaza al personaje. Robert Ryan también brilla como el obstinado Blaise Starrett, cuya lucha por proteger su tierra y su comunidad lo lleva a enfrentarse a la banda de criminales, engañándolos de manera inteligente.

La narrativa se centra en la tensión creciente entre los habitantes del pueblo y los forajidos. Las relaciones personales y los conflictos internos se entrelazan con la amenaza exterior, lo que da lugar a momentos dramáticos y emocionales.

La película también aborda temas como la lealtad, la valentía y la supervivencia en situaciones extremas, lo que concluye en una película digna de gran elogio por su emocionante trama, su acción, las posiciones de poder de los personajes y otras líneas argumentales relativas a las mujeres y su poder de seducción, bellas féminas como Tina Louise.

Aunque algunos han señalado ciertos aspectos negativos como que el papel del del joven forajido es poco creíble, o cierto desajuste en las escenas con Tina Louise, y algún problemita de engrase en la narrativa, sin embargo, esta obra es, según mi manera de ver la cosa, una joya olvidada por el tiempo, que convendría recuperar.

Película que ofrece una mezcla de acción, drama y tensión en un entorno invernal, y aunque no es ampliamente conocida, es una más que interesante opción para los amantes del género western, y eso a pesar de su limitado presupuesto. Pues para hacer una buena película, más que mucho dinero, hace falta mucha inteligencia, creatividad y genio.

Dirigida por Fernando Colomo, es una película que nos mete en la posguerra española, en 1947. La trama sigue a dos presos políticos, jóvenes estudiantes universitarios enviados a un campo de trabajo en el Valle de los Caídos por realizar pintadas contra el régimen de Franco.

Estos dos estudiantes consiguen escapar gracias a la ayuda de un francés especialista en fugas. A partir de entonces, emprenden un viaje por España junto con unas chicas norteamericanas que simpatizan con sus ideas.

Buena dirección y montaje, excelentes intérpretes (Jordi Mollá, Ernesto Alterio, Hedy Burress, Allison Smith o Juan Echanove), todos muy ajustados a sus papeles. La historia está basada en un hecho verídico y se desarrolla más por la vía cómica que por la dramática, lo cual es menos común en nuestra filmografía al tratar el tema de la guerra civil y de la posguerra.

La película logra un elegante equilibrio entre comedia y tragedia, y sirve como semblanza de una época y unos personajes no tan lejanos en el tiempo.

Película subvalorada y malentendida, destacando su enfoque en la libertad física e ideológica; además, es una elegante comedia que huye de lo ordinario, de lo que es más común. Destaca su enfoque de la liberación y la aventura en un contexto de posguerra.