Studio Ghibli felicita a Disney+ por su tercer aniversario con Zen – Grogu y los Hollines. El estudio de Miyazaki sintetiza en tres minutos el respeto que se profesan los gigantes de la animación con una estética minimalista en plena sintonía con el mensaje.

La creación de Zen – Grogu y los Hollines es un gesto importantísimo entre Ghibli y Disney

Studio Ghibli y Disney se conocen desde hace mucho tiempo. En 1996, la productora de animación americana se convirtió en distribuidora de los productos de Ghibli. Sin embargo, la relación entre ambas empresas ha dado más problemas que alegrías a la casa de Totoro. En Disney nunca llegaron a entender que las obras de los japoneses no responden a los esquemas hollywoodienses y eso hizo que traicionaran varias veces el acuerdo firmado. Cambios en la longitud de los largometrajes, en los diálogos, en la música y la falta de cuidado con que trataban la obra de Miyazaki y otros directores, hicieron que Ghibli terminara deseando librarse del contrato.

Studio Ghibli no siempre tuvo la solvencia de la que dispuso a partir de El Viaje de Chihiro. La ganadora del Oscar a Mejor Película de Animación en 2003 permitió a la compañía abrir fronteras y conseguir una notoriedad inusitada. Pero, hasta entonces, la obra de los japoneses era bastante desconocida para el público occidental. Aun así, la crítica siempre ha sido benevolente con la obra de Miyazaki y Takahata, lo que hizo que se pudiera considerar de culto en muchos aspectos.

Ghibli y Pixar
Studio Ghibli, sin embargo, siempre ha mantenido una relación estupenda con Pixar. De hecho, en Toy Story 3 (2010) podemos ver un gran Totoro de peluche. Por otra parte, en El viaje de Chihiro una farola saltarina nos remite al flexo de Pixar. Ghibli ha ido vadeando distintos problemas a lo largo del tiempo, pero nunca ha perdido ni su esencia ni su mensaje. Así que, cuando les fue posible, acabaron por acordar distribuciones con otras compañías menores.

En 2006 Disney fagocitó a Pixar. Podemos suponer que eso facilitó la reconciliación entre Ghibli y la gigante americana. O quizá no tenga que ver. El hecho es que, de un tiempo a esta parte, Disney ha vuelto a rondar al estudio japonés llegando incluso a distribuir El viento se levanta (2013). Aunque esa vez solo fuera en Estados Unidos y Canadá.

Aun así, y aunque las aguas se hubieran calmado, sorprende que no sea Disney+ quien tiene en su catálogo las películas de Ghibli y sí Netflix quien las ofrece. O quizá no sorprenda tanto. Quien conozca un poco la trayectoria de Miyazaki sabe que su vida son sus películas. No es probable que sea de los que se olvidan de las traiciones a la primera ocasión.

La creación de este cortometraje, por todo ello, supone un gesto de deferencia valiosísimo desde el punto de vista de Studio Ghibli a Disney. De hecho, ese y no otro es el argumento que llena los tres minutos de duración de esta preciosa pieza de animación.

Zen – Grogu y los Hollines: La creatividad en manos de maestros

Un día antes de la salida del corto pudimos tener conciencia de su existencia y, una vez visto, cientos de personas se quejan del hype que se ha creado alrededor de su publicación. Resulta difícil entender quién consideran ellos que ha creado el hype. Ghibli no necesita crear ninguna expectativa, ellos son expertos en crear obras de arte.

Como veníamos diciendo, detrás de este cortometraje hay muchísima enjundia que puede pasar desapercibida para quien no conozca la relación entre Ghibli y Disney. De hecho, aunque Miyazaki no aparezca en los créditos, sabemos que él tiene la última palabra en su estudio. Además, el hecho de que él mismo aparezca en la primera foto posteada en las redes sociales, es una clarísima declaración de intenciones.

Zen está dirigido por Katsuya Kondo, quien trabajó para Disney y luego formó parte de Studio Ghibli hasta 1992 siendo, por ejemplo, animador en títulos como El castillo en el cielo (1986), Mi vecino Totoro (1988) o Porco Rosso (1992). Posteriormente se desvinculó del estudio, aunque ha seguido trabajando asiduamente con ellos en otros proyectos como freelance.

El cortometraje tiene un estilo minimalista, de factura tradicional sin animación digital y con una estética cercana a la acuarela. La música que lo acompaña viene de la mano de Ludwig Göransson, compositor de la banda sonora de The Mandalorian y ganador de un Emmy por la misma. De hecho, viene a ser una reducción del tema principal de Grogu en la serie de Star Wars.

Stockholm habla de los amores fugaces de una noche, de la diferencia de perspectivas que provoca la presencia o ausencia de luz, de los juegos de seducción que aceptan la mentira como parte indispensable, de promesas que es lícito incumplir porque, realmente, prometer ya no parece vinculante y, sobre todo, habla del egoísmo. Stockholm trata los secuestros mentales, la manipulación y la banalización de los sentimientos; nos enseña la responsabilidad que acarrea hacer daño a una persona a sabiendas de que es frágil; habla de la ingenuidad y de la inocencia de los que no juegan en el mismo tablero; también de amores y decepciones. En definitiva, cuenta una historia que a todos nos ha pasado; desde un lado o desde el otro.La grandeza de la película reside en la simplicidad con la que se plantea. Un Javier Pereira mediocre y una Aura Garrido maravillosa, son prácticamente los únicos personajes de un largometraje que, en un principio, resulta insulso e incluso aburrido hasta la primera vez que te hace sentir incómodo. Esa incomodidad radica principalmente en el grado de implicación que hayas tenido en situaciones como las que te plantea el guión, más o menos desagradables pero desgraciadamente habituales. Y ya te has enganchado a la historia.

Podríamos evaluar la película como dos partes independientes en las que los personajes, el tono y el propio argumento son radicalmente distintos. ¿Y no es así el amor cuando se rompe? ¿No ocurre eso cuando desaparece la confianza? ¿No pasa que, de un día para otro, el amor de tu vida se convierte en un extraño al que no conoces? ¿No pasa que, de pronto, tus ansias de venganza tienen como objetivo a alguien a quien nunca habrías querido hacer daño? Y es que, también, podemos leer su mensaje desde un punto de vista más profundo y, en vez de tratarla como si únicamente hablara sobre lo que ocurre una noche en una gran ciudad, pensar en ella como una metáfora de una relación tóxica, construida sobre unos cimientos falsos e inestables.

Hay cierto masoquismo en buscar en la literatura o el cine aquello que nos apasione, que nos mastique, trague y digiera. Los grandes relatos, no por tamaño sino por tener un lugar reservado en nuestra memoria y vísceras, provocan en nosotros un placer efímero que habitualmente se acaba convirtiendo en dolor. Y es que, cuando se cierra una historia que te ha acompañado, no más o menos tiempo, sino ahí adentro, donde se crean las ideas y se viven las emociones, se siente uno por un momento huérfano, abandonado y profundamente triste. Por eso, en ocasiones, es casi preferible no tener la cuestionable suerte de encontrarse con algo que te impacte y, en definitiva, te cambie.

Cómo entrenar a tu Dragón 3, despedida de la saga basada en los libros de Cressida Crowell, es, para empezar, una maravilla visual de calidades que ni siquiera a Disney se le ha visto superar. La siempre denostada Dreamworks vuelve a demostrar que cuando quiere hacerlo bien, lo hace sin prisas (lleva retrasando el estreno de este largo desde 2016) y con unos resultados excelentes. Las texturas, las iluminaciones, los colores y el nivel de detalle arrancan ovaciones en bajito en la sala, a nada que se esté dispuesto a valorar esos elementos técnicos.

Si hay un género que en los últimos años ha irrumpido en el cine español con muchísima fortuna, es el thriller. Especialmente prolífico y laureado, de manos de directores como Sorogoyen, Arévalo o Martín Cuenca, las producciones españolas están teniendo tantísima calidad que resulta sorprendente que la industria cinematográfica sea una de las más damnificadas por los presupuestos de Cultura.

Cuando los ángeles duermen se suma a la tendencia del suspense, en este caso, tratando un tema bastante delicado en la actualidad. La premisa parte del atropello involuntario de un padre de familia a una adolescente.

Germán, protagonista interpretado por Julián Villagrán, regresa a casa de una reunión de trabajo al otro lado del país, habiéndose perdido el cumpleaños de su hija. Bajo la consecuente presión de su mujer (Marián Álvarez), se ve obligado a hacer el viaje del tirón, aunque la Guardia Civil lo pare y le recomiende que descanse antes de continuar. Para burlar a dicha patrulla, Germán decide conducir por una carretera comarcal en plena noche.

Por otro lado, tenemos a Silvia y Gloria, dos adolescentes de un pueblo apartado. Silvia (Ester Expósito) vive un infierno familiar cuyo motivo no acaba de quedar muy claro ya que lo único que se ve es una discusión con sus padres sobre que ella quiere salir de fiesta y los padres prefieren que no lo haga. Gloria, sin embargo, encarna la adolescencia liviana y despreocupada. En definitiva, es la amiga divertida de una Silvia atormentada.