El argumento es pésimo, Vicky y Cristina dos guiris al más estilo "Orgasmus" digo Erasmus vuelan a Barcelona para acabar montándoselo a lo grande, y como no con lo mejor que puede ofrecer este pais después del buen jamon serrano de bellota, el sr Javier Bardem. Eso si, esta sórdida aventura que podría hacer un turista en Hospitalet, se hace en lo más fastuoso que puede ofrecer una ciudad como Barcelona y no olvidar un Oviedo que viste sus mejores galas de Fashion Week, no apto para bolsillos de poco fondo.
Mas allá de toda esta sórdida historieta no hay más argumento posible, no hay ni un clímax dramático ni crítica social ni nada de nada, tampoco ni un momento para disfrute de uno de esos diálogos ingeniosos que nos tiene acostumbrado, a nosotros, los seguidores de este gran director de cine que es Woody Allen.
Momento para la reflexión: El único instante en que la sala dio una gran carcajada es cuando la Pene que realmente da gran pena le dice a Scarlett "Niñata de Mierda", eso si en un español ininteligible para Scarlett, recordándonos un humor no visto desde Hostal Royal Manzanares o el Bellotero Pop de Esteso.

El film como en Casablanca es un romance imposible, un mutuo rescate momentáneo.
La relación que se establece entre los protagonistas será guardada en nuestra memória al lado de la que conjugan July Delpy y Ethan hawke en otra gran película en Antes del Amanecer.
Estas relaciones excepcionales y fortuitas demuestran que las cosas que no se dicen, son tan elocuentes como las que se dicen, confirman que ciertas cosas solo pueden decirse a quienes apenas conocemos pero en quienes podríamos hablar eternamente. Por que como juego o por necesidad ocurren en la clandestinidad y ya sabemos que los encuentros furtivos son más placenteros.
Estas relaciones observadas con indiscreto ojo de voyeur se revelan como una cuestión de colores, de texturas e hipnóticas cadencias. Así como por arte de magia logran que un hombre y una mujer se sientan como si fueran las únicas personas en el planeta.
Muestran la amargura y la rábia que demuestran a su fin las pasiones imposibles, delatando la verdad que hay tras el amor, siendo solo un momento fugaz acaba desvaneciéndose ante los ojos de quienes lo viven.
Excepcional es la gran actuación de Bill Murray por la amargura y aspereza que emana, los etendiendo el absurdo y el patetismo que domina nuestra vida. Interpretando una versión decadente de si mismo y descubriendo que la madurez no es lo que le habían prometido Murray no solo está mejor de lo que nunca antes se ha estado si no mejor de lo que casi cualquier otro actor pueda llegar a estar.
Los protagonistas de Lost in Traslation saben que sus momentos juntos son pasajeros y se preguntan como van a decirse adiós.
En una secuencia final de una gran belleza nunca antes vista descubrimos que su breve encuentro está destinado a perdurar, aunque sólo sea en la memória de las notas del gran tema final Just Like Honey de Jesus and Mary Chain.

Ante tan bello film me viene a la cabeza a Oscar Wilde en la Balada de la Carcel de Reading:

Sólo sabía que idea obsesiva apresuraba su paso, y por qué miraba al día deslumbrante con tan ávidos ojos; aquel hombre había matado lo que amaba, y por eso iba a morir. Aunque todos los hombres matan lo que aman, que lo oiga todo el mundo, unos lo hacen con una mirada amarga, otros con una palabra zalamera; el cobarde con un beso, ¡el valiente con una espada! Unos matan su amor cuando son jóvenes, y otros cuando son viejos; unos lo ahogan con manos de lujúria, otros con manos de oro; el más piadoso usa un cuchillo, pues así el muerto se enfría antes. Unos aman muy poco, otros demasiado, algunos venden, y otros compran; unos dan muerte con muchas lágrimas y otros sin un suspiro: pero aunque todos los hombres matan lo que aman, no todos deben morir por ello.

El personaje es principal por sus grandes dimensiones emocionales. Empieza su viaje iniciático por la pirámide de la alta burguesía británica al más estilo o único modo posible, que és la negacion del deseo y el amor. Hecho este que es retratado con mano magistral y fidelidad a la auténtica cara que encubre la máscara de la burguesia pedante e infantil de nuestro tiempo. Una burguesía que ha dejado la explotación del salario de subsistencia del siglos pretéritos pero aún adolece de la misma enfermedad.
Esta enfermedad es la que va apoderándose a cada paso a nuestro héroe trágico hasta su desenlace. Un desenlace que es una comunión o acto de iniciación a la nueva High class a la que sin darse cuenta acaba por formar parte como estandarte de ella.
Esta comunión es la que se basa en la idea fundamental del film. Matar lo que uno ama.
Allen nos propone a modo de reflexión la idea de la arbitrariedad de nuestros actos, la astucia racional que hay tras la ganancia y la pérdida, como meros puntos objetivables desde la propia subjetividad y una crítica feroz a nuestro sistema de valores endiosado por la mas venenosa savia que la nutre.
Aunque nuestro personaje aparece bajo la marca del más atroz de los asesinos, es la víctima principal que se va consumiendo a través de la consumación de cada uno de todos ellos.
Por último y a modo de reflexión final, ¿nuestro héroe trágico seguirá siendo después de tal suerte de desdichas el único en la sala operística que oye lo que realmente entona la soprano o acabará adoleciendo de sordera ante la ópera como cada uno de sus nuevos compañeros en cuya institución acaba de ingresar como nuevo delfín?