“Pasión Obsesiva” se centra en describir la personalidad de un psicópata adolescente (Mark Wahlberg), experto en las artes de la seducción. Encantador cuando quiere enganchar a los otros y, sorpresivamente, violento cuando sus víctimas no hacen lo que a él le interesa. A lo largo de la película, podemos ver como este hábil manipulador logra seducir a una inocente chica adolescente (Renne Witherspoon), y como intenta dominarla y poseerla como si de un objeto se tratara. Interesado solo en satisfacer sus propios deseos egocéntricos, el psicópata sin conciencia, no dudará en tratar de eliminar a todo el que se interponga en su camino. Está claro que el guionista Christopher Crowe (“El último mohicano”) solo pretende transmitir un mensaje sencillo; pero el caso es que lo hace de forma correcta y efectiva.

Un joven Mark Wahlberg interpreta al psicópata manipulador, de forma convincente. El actor protagonista de CSI, William L. Petersen, hace lo propio en el papel de padre protector. Podemos ver también a unas jovencísimas Alyssa Milano y Renne Witherspoon. A destacar la escena en la que Alyssa Milano provoca, en plan Lolita, al padre de la protagonista, ante la mirada perversa del psicópata.
 
Ambientada en Seattle, el director James Foley nos regala, además, con la inclusión de bonitas imágenes panorámicas de la ciudad a lo largo de todo el film. La música, compuesta por el prolífico Carter Burwell, tiene un tema central sencillo, pero muy adecuado para la historia. En la banda sonora nos encontramos también con una preciosa versión de la canción “Wild Horses”, (de los Rolling Stones), hecha por el grupo “The Sundays”.
 
En resumen, estamos ante una película digna, hecha con profesionalidad, que solo pretende advertir acerca del peligro que supone caer en la red de un psicópata manipulador. Abstenerse los amantes de los efectos especiales y de las grandes superproducciones. Y, por cierto, el director (James Foley) hace un trabajo soberbio con la cámara. Todos los planos están medidos con escuadra y cartabón (como le gustaba a Hitchcock). Un trabajo mucho mejor de lo que cabría esperar en una película de bajo presupuesto, como esta.

-Que quieran comprobar que hasta el hombre más gallo puede perder toda su dignidad hasta acabar siendo una gallina... por una hermosa mujer.

Una mujer (Holly Hunter) escapa, mediante la música, de la sociedad victoriana que la envuelve y por la que se siente esclavizada. Solo su piano y el amor de su hija dan algún sentido a su existencia. Un hombre inculto y sencillo (Harvey Keitel) es la única persona capaz de comprenderla y compartir sus sentimientos. Su marido a lo más que llega, finalmente, es a dejarla ir, tras entender que ella nunca podrá ser suya.

El carácter de la mujer protagonista está impregnado de un autismo moral que la lleva a evadirse de una forma casi psicótica de la realidad. Su negativa a mantener el más mínimo contacto con el mundo queda, metafóricamente, muy bien plasmada con su mudez. Esta mujer no está de acuerdo con la realidad que la rodea pero, por desgracia, adolece del más mínimo compromiso existencial para intentar cambiarlo. Su postura, carente de espíritu de lucha, se limita a una cómoda huida, mediante el arte. Harvey Keitel intenta establecer un contacto humano con ella y sacarla del aislamiento en el que se encuentra encerrada.

La película recibió tres Oscars de ocho nominaciones: mejor actriz principal, mejor actriz secundaria y mejor guión original. En Cannes ganó la Palma de Oro (ex-aequo con “Adiós a mi concubina”). También consiguió el César a la mejor película extranjera.

Postdata: el plano del marido bajando por la escarpada colina, con un hacha en la mano, es tan impactante que aparece en algunos manuales de dirección cinematográfica.

Pues bien, Prozac Nation peca de este grave defecto que criticaba Aristóteles. La protagonista de la película es una joven chica (Christina Ricci) que quiere ser escritora. Todo parecía que iba bien, pero resulta que la vida de la chica empieza a ser un total desastre. Poco a poco, su personalidad se va volviendo más problemática Tiene fuertes depresiones y huye de ellas refugiándose en el alcohol, el sexo y las drogas. En un momento dado, la protagonista toma conciencia de la gravedad de su problema y decide resolverlo. Para ello, acepta asistir a sesiones de terapia con una psiquiatra. En el segundo acto vemos como esta chica, con la ayuda de la terapeuta, intenta discernir las raíces de su enfermedad para encontrar una solución a su crisis existencial. Cuando parece que la protagonista empieza a comprender algo de su situación, tiene una gran recaída y la psiquiatra le recomienda tomar pastillas antidepresivas. Y colorín, colorado este cuento se ha acabado. Nuestra heroína sigue con su vida hecha un desastre, pero muy tranquila gracias a que va todo el día drogada por el mundo. La relación con su padre sigue siendo tan enfermiza como al principio. Su novio y su mejor amiga la abandonan hartos de aguantarla. La comunicación con su madre permanece igual de tirante y violenta. Pero ahora vive en “un mundo feliz” gracias al soma del Prozac. Antes huía de sus problemas bebiendo alcohol y tomando drogas; ahora puede escapar gracias al paraíso de la moderna ciencia química. En resumen, el Prozac es el aristotélico Dios de fuera de la máquina que le resuelve la existencia al personaje.

En conclusión: Prozac Nation se enfrenta al tema de la depresión dando la equivocada respuesta de que, para superarla, lo mejor es huir de ella por medio de pastillas. Evidentemente, o nos enfrentamos, cara a cara, a nuestros problemas personales o con el tiempo nos encontraremos con que han aumentado como si tratara de una bola de nieve rodando por una pendiente. La chica protagonista de esta película termina siendo tan enfermiza y egoísta como lo era al principio; con el agravante de que, al final, encuentra la trampa para poder ocultárselo a sí misma de una forma socialmente correcta.

Prozac Nation es una película cuyo guión está basado en un libro autobiográfico de la escritora norteamericana Elizabeth Wurtzel. Una curiosidad: Lou Reed hace de sí mismo en la película.

Un último comentario: es impresionante que la Poética de Aristóteles, escrita cuatro siglos antes de Cristo, siga siendo el libro más útil cuando se trata de criticar una obra dramática. Las enseñanzas de Aristóteles valen para analizar tanto una obra teatral clásica griega, como la última película de Hollywood. ¡Qué pena que la única copia existente de la segunda parte de la Poética, dedicada a la comedia, se perdiera en el monasterio de “El nombre de la rosa”! O, al menos, eso contaba Umberto Eco, ¿no?