Este film que sin duda alguna colocaría los primeros asentamientos de un género que conocemos en el cine como ciencia ficción, no sólo por su narrativa y los temas que abarca sino por la utilización de algo que hoy en día no podría concebirse si nos referimos a película de la ciencia ficción, hablamos claro está de los Efectos Visuales.

Para entender el valor de este film debemos haber conocido antes a las dos figuras que sin su aportación no sería posible esta película, el creador de la historia y el que la mostró desde un punto de vista: el escritor H.G. Wells y director George Pal.

Sabido esto, la trama es sencilla: un individuo cuya identidad siempre permanece en el anónimo –para dar mayor veracidad a la historia- inventa un artilugio que le permite viajar en el tiempo y se va hacia un futuro lejano, exactamente al año 802.001 (*). Entonces el viajero del tiempo, descubre en aquella lejana Tierra, la humanidad tal como hoy la conocemos ya no existe y ha evolucionado en dos especies: los Elois y los Morloks. Pero aquel mundo desconocido para él, encierra más misterios de los cuales tendrá que desentrañarlos con las únicas armas que tiene: sus dotes deductivas y su intelecto científico. Descubriendo que aquel paraíso terrenal oculta el auténtico infierno.

(*) Una fecha donde ningún visionario excepto Wells podría reputar lo que allí ve, convirtiéndose la mente del escritor en la autentica Máquina del Tiempo.

Sin embargo, debemos recordar que “El tiempo en sus Manos” es una adaptación cinematográfica, y por tanto encontramos algunas divergencias respecto a la novela , como pueden ser: el aspecto de los Elois y los Morlocks (que el mismo director diseñó) difieren por los descritos por Wells ya que la época en que fue rodada no existían los medios técnicos en la industria del maquillaje para caracterizarlos; otra diferencia llamativa es que en ningún momento el viajero del tiempo puede "hablar" con ningún ser del futuro -algo lógico ya que en ese futuro casi infinito seguramente ningunas de nuestras lenguas hubieran sobrevivido-... cosa que George Pal lo resuelve este obstáculo con gran ingenio en gran parte debido a que sería impensable en los años 60 una película carente de diálogos con el único sustento de una voz en off; y por último el otro cambio más relevante: el origen de las razas.

Mientras que Wells había un claro mensaje de lucha de contra la distinción de clases en donde los Morloks eran el producto de una evolución de la clase proletariada que esclavizada por el trabajo con las maquinas son obligados a vivir en las entrañas de la tierra aislada del aire limpio (tal como ocurriría en tiempos de la revolución industrial en Inglaterra) y los Elois no son otra cosa que la evolución de la clase burguesa que vivía suntuosamente sin ningún tipo de preocupaciones; ... este mensaje de una mente social demócrata era imposible mostrarlo al público norteamericano que perseguía cualquier idea que alimentara el comunismo,...

30 de Octubre. Es la Noche del Diablo, la noche que precede a Halloween, conocida así porque los delincuentes llenan de incendios la ciudad para recrear el Infierno en la tierra. En esta noche la anarquía impera en las calles y la policía poco puede hacer por evitarlo. Lo sabe bien el oficial Albrecht (Ernie Hudson), que ha sido llamado por un caso de homicidio: en su víspera de bodas una pareja de jóvenes aparece brutalmente asesinada en su apartamento. Uno de ellos, el chico, es Eric Draven (Brandon Lee), un cantante de un grupo de punk-rock, y ella Shelly Webster (Sofia Shinas). Sólo su mejor amiga, la pequeña Sarah (Rochelle Davis) llorará por ellos. Compadeciéndose de la misma, Albrecht la consuela convirtiéndose a partir de ese momento en su mejor amigo. La dramática situación, finalmente queda en que, simplemente, "unos buenos chicos en el lugar y momento equivocados". No hay testigos y el caso queda archivado como otra víctima más de la Noche del Diablo.
Un año después de esos trágicos acontecimientos, con la llamada de un cuervo, el cuerpo de Eric recobra de nuevo la vida y emerge desde su tumba. Este cuervo no sólo le ayudará a recordar quién era y lo que le sucedió, sino que le guiará en el tortuoso camino de su venganza... porque esta noche, la Noche del Diablo, los causantes de aquel crimen tendrán una cita con la muerte en forma de fantasma, y tras de él se abrirán las puertas del infierno.

En 1994 el novel director Alex Proyas (Dark City) se daría a conocer mundialmente gracias a esta cinta, que es una adaptación de la novela gráfica de James O'Barr del mismo nombre. Esta adaptación difiere sustancialmente en algunos aspectos: como la escena del crimen y su forma en la que Eric y Shelly son asesinados, la obsesión por auto-mutilarse mediante cortes para acallar el dolor que le corroe por la pérdida de su amada, la figura del cuervo que de ser una entidad casi etérea que sólo puede ver el protagonista pasa a encarnarse en un cuervo de carne y hueso (el cual tiene un nexo espiritual con Eric concediéndole sus sentidos y sus poderes) y sobretodo la violencia en el film mostrada que se aleja bastante de la brutalidad y sadismo con que Eric lleva a cabo su cometido. Pero estas diferencias en contra de lo que podría pensarse, no traicionan para nada a la obra de O'Barr sino que la eleva, aportando momentos no contemplados en el cómic y consiguiendo una pieza que complementa perfectamente a la obra dibujada allá por 1989.

Alex Proyas, con la ayuda del director de fotografía Dariusz Wolski (que repetió trabajo en Dark City) consigue sumergirnos en una ciudad carente de color en sus calles, de catedrales abandonadas, edificios inhabilitados, con una lluvia perpetua que no es más que el reflejo del alma atormentada de Eric.

El cuervo es una película que nos habla de la posibilidad de que un día podemos perder todo aquello que tenemos, todo aquello que amamos sobre todas las cosas..
#continúa en el spolier por falta de espacio#

En el apogeo de la Guerra de Secesión, en un hospital de campaña del Ejército de los Estados Unidos, comunican al teniente John J. Dunbar (Kevin Costner) que debido a su herida en la pierna, ésta debe ser amputada.
Desesperado por aquel destino que le aguarda, Dunbar roba un caballo y se adentra en mitad de un fuego cruzado. Este acto de suicidio, equivocadamente lo toman como un acto de valentía. Sobrevive y no pierde la pierna, y es tratado como un héroe, apremiándolo con el caballo robado y un nuevo destino. Él sin pensarlo, decide alejarse lo más posible de la sin razón de la guerra e ir a un territorio inexplorado… Concretamente a “la Frontera”, aquella extensa franja de tierra donde se separa el territorio civilizado del hombre blanco y la pradera infinita del piel roja. Allí no sólo descubrirá la verdadera naturaleza de los Indios.. sino la suya propia.

Esta película es sin duda una de las historia épicas más bellas ambientada en el Oeste. En gran parte por la intención del director de reflejar con auténtica fidelidad como era el pueblo nativo americano antes de que el hombre blanco los echara de la tierra de sus ancestros para "encerrarlos" en Reservas. También en gran parte porque se da la extraña coincidencia de que el guionista sea el mismo autor de la novela en la que se basa el film.
Por tanto la fidelidad al relato está asegurada, y digo esto después de leer el libro. El espectador no se puede sentir decepcionado con esta adaptación cinematográfica. Pero para conseguir esta gran epopeya tuvieron Costner y su equipo que luchar no sólo con los exorbitados costes de producción, sino también con las inclemencias del tiempo -casi todas las localizaciones se rodaron en Dakota del Sur-, el adiestramiento de los lobos, la secuencia de la cacería del búfalo (que reunió a 2000 ejemplares, la manada más grande en América) con el fin de que el espectador tuviera una pequeña idea de lo que podía haber sido antes la Pradera.
La cultura india, de la cual pudimos y debimos haber aprendido en unas cuantas horas de metraje, se muestra muy bien en esta película, empezando por la imposición de que se usara la lengua Lakota para darle más veracidad a la historia (antes de que Mel Gibson pusiera de moda el uso de las lenguas autóctonas/indígenas en sus rodajes), las tipos de tribus que poblaban, la creación del poblado Sioux, las costumbres, ritos, etc, con el fin de que olvidáramos el estereotipo que teníamos del Pueblo Indio como salvajes arrancadores de cabelleras que por desgracia en la década de los 60 y 70 nos hicieron creer y que años después el mismísimo director John Ford “pediría perdón” en su película El Gran Combate (1964).

** (Continúa en SPOILER sin desvelar detalles del argumento, por falta de espacio) **

Klute podría pensarse -una vez vista- que es una película modesta dentro del gran género que es el cine negro, pero posiblemente estaríamos cayendo en un pequeño error si pensamos que así es. Con solo la visión de sus sorprendentes créditos iníciales sabemos que Klute se aleja del cliché que el género implica y nos muestra particularidades que no hacen más que valorar esta pequeña joya.

Klute (interpretado por un correcto Sutherland) se nos muestra no como un tipo duro y frío, de aspecto seductor y seguro de sí mismo, sino como un tipo algo enclenque de aspecto amigable que realiza sus pesquisas sin tener que caer en comportamientos rudos. Un detective afligido en su soledad que encontrará en Bree (posiblemente la Jane Fonda más sensual que veremos en su filmografía) un corazón donde encontrará algo de calor. Jane Fonda está deslumbrante en su papel de prostituta, realmente el espectador disfrutará cómo esta actriz nos muestra todos los registros interpretativos que encierra la compleja y frágil personalidad de este personaje. Esta actriz no sólo desnudará su cuerpo delante de la pantalla sino también su alma, entendiendo claramente el porqué se le concedió el Oscar a la mejor actriz (que no lo volvería a ganar hasta tres años después por su papel en El regreso).

El film dedica más tiempo a la vida íntima de los personajes más que a la investigación de Klute y en la cual irá desentrañando la oscura naturaleza que muchos esconden bajo falsas apariencias, la sordidez del deseo de la carne y el amor -sin caer en ser el más idóneo- que procesa hacia Bree, aunque él sepa que es fruta prohibida. Esta película atípica de detectives se aparta por primera vez de los estereotipos novelescos que definían al detective y se acerca más a la cotidianidad monótona de este empleo.

La música la lleva a cargo Michael Small que compone unos temas impregnados en melancolía que acompañarán a los personajes y colorearán sus existencias.
Cine íntimo para corazones solitarios.

En 1955, bajo el cielo de Nueva York cuatro iconos de la cultura coinciden en un mismo hotel: el profesor (Michael Emil), la actriz (Theresa Russell), su esposo el jugador de béisbol (Gary Busey, "El gran miércoles" 1978) y el senador (Tony Curtis, "Espartaco" 1960), cruzándose sus caminos como si fueran extraños compañeros de viaje, en este trayecto se mostrará de manera distante su oscura naturaleza en lo que, para ellos, no son más que sus insignificantes vidas.

Nicolas Roeg nos trae este sombrío e ingenioso film, donde a pesar de estar perfectamente reconocible cada personaje, en ningún momento se trata a ellos con su verdadero nombre o nombre de pila... llegando ni siquiera a aparecer en los créditos como tales. Así comprobaremos que "el profesor" es Albert Einstein, "la actriz" es Marilyn Monroe, "el jugador de béisbol" no es otro que Joe DiMaggio y "el senador" es el siniestro Joseph McCarthy, el cual pasará por los anales de la historia cinematográfica por ser el artífice de lo que posteriormente se conocería como "la caza de brujas". Quizás el objeto de este "anonimato" es que el espectador aparte su vista de sus vidas públicas y se nos muestre como insignificantes mortales llenos de secretos y de soledad.

Desde el principio de la cinta nos indica claramente que todo lo que veremos es ficticio. Nada más comenzar, el film nos sitúa cronológicamente en 1955 en pleno rodaje de "La tentación vive arriba". Marilyn estaba desposada con DiMaggio, pero en ese año Einstein (después de una hemorragia interna ) preparaba su cita con la muerte, así que el encuentro sería algo poco probable. Tomando esta premisa, Terry Johnson nos ofrece un juego sobre la posibilidad de que estas personalidades se conocieran e incluso va aun más allá, dándose en algunos momentos situaciones cómicas. Pero no nos podemos engañar, lo que vamos a ver en la pantalla es un drama, y en este caso un drama de sus vidas. La argucia del guionista es la inserción de una serie de flash-backs que nos adentra hacia momentos recónditos de sus respectivas vidas, emergiendo sus traumas como cadáveres sobre oscuras aguas.

Sintiéndose "la actriz" frustrada por no poder ser madre y cansada de usar su sexualidad para lograr todo en su vida. El "jugador de béisbol", envidioso de que la fama de su esposa sea superior a la que él consiguió, celoso de que todos los hombres la miren con lascivia. El "senador" frustrado por su impotencia, vierte todo su odio sobre la mujer y su persecución contra los comunistas, por la que no para de instigar al "profesor" para que le de su apoyo en la conferencia por el movimiento anti-comunista. Y el "profesor" cargado de remordimientos por aquello que "el ha creado", inunda páginas de fórmulas y ecuaciones que le hagan olvidar su sentimiento de culpa.

[..[.[[ La crítica continúa en el "spoiler" por falta de espacio sin desvelar detalles ]].]..]