Emilia Pérez es una de esas películas que desafían las etiquetas. Jacques Audiard, conocido por su versatilidad, entrega aquí un musical criminal con tintes de melodrama y denuncia social que logra sorprender por su valentía y sinceridad emocional. Lejos de ser una provocación gratuita, la película se apoya en un guion sólido y una puesta en escena estilizada que combina la violencia del narco mexicano con una historia de redención, identidad y transformación.

La trama, sin revelar demasiado, gira en torno a una abogada desencantada que es reclutada por un poderoso capo del narcotráfico que desea desaparecer… para renacer como mujer. Esta premisa, que en manos torpes podría caer en lo sensacionalista, es tratada con un respeto y una sensibilidad notables. El film aborda el tránsito de género no solo desde el cuerpo, sino también desde la dignidad y el derecho a empezar de nuevo.

Karla Sofía Gascón ofrece una de las interpretaciones más potentes del año: contenida, intensa y profundamente humana. Su Emilia Pérez es un personaje complejo, lleno de contradicciones, que despierta empatía sin esconder su pasado. También destacan las actuaciones de Selena Gomez y Zoe Saldaña, que aportan matices emocionales y presencia escénica, en una película que depende mucho de la química entre sus protagonistas.

El aspecto musical sorprende: las canciones no están como mero adorno, sino que funcionan como monólogos internos, momentos catárticos o narrativos. La música, compuesta por Camille, aporta un tono híbrido entre lo urbano, lo teatral y lo íntimo, acompañando el relato sin romperlo. No es un musical al uso, sino un film que incorpora el canto como forma de expresión emocional en un entorno donde el silencio suele ser letal.

Emilia Pérez es, en definitiva, una película audaz. Tiene imperfecciones —algunas transiciones tonales no son del todo suaves, y hay momentos donde la alegoría pesa más que la coherencia narrativa—, pero su apuesta por un cine comprometido, libre y emocionalmente honesto la convierten en una experiencia única.

Sean Baker vuelve a explorar los márgenes sociales con Anora, una película que mezcla comedia, drama y realismo urbano para construir una historia profundamente humana y, a la vez, inesperadamente luminosa. Lejos del moralismo o la condescendencia, Baker nos entrega un retrato crudo pero lleno de empatía sobre una joven trabajadora sexual neoyorquina que se encuentra de pronto envuelta en una historia digna de un cuento de hadas... solo que contada desde el Bronx y con vodka ruso de por medio.

Mikey Madison da vida a Anora con una energía magnética: vulnerable pero ingeniosa, dulce pero implacable, su interpretación sostiene todo el film. El personaje es complejo, lleno de contrastes, y evita los clichés con inteligencia gracias a un guion que sabe cuándo ser tierno y cuándo ser brutal.

El estilo de Baker, con su cámara inquieta, su uso de actores no profesionales y escenarios reales, mantiene el sello del neorrealismo americano que lo caracteriza. Sin embargo, aquí hay un pulso narrativo más controlado y maduro. La película sabe cuándo reírse y cuándo mirar de frente a la precariedad sin convertirla en miseria estética.

Anora es una historia sobre identidad, deseo y elección, disfrazada de comedia romántica, pero con el corazón y los conflictos de un drama social. Lo más sorprendente es cómo evita el cinismo: hay ternura y esperanza, sin que por ello se ignore la dureza del contexto. Una película pequeña en apariencia, pero grande en alma.

Cónclave, dirigida por Edward Berger y basada en la novela de Robert Harris, nos invita a entrar en uno de los escenarios más herméticos y enigmáticos del mundo: el cónclave para elegir al nuevo Papa. A través de un enfoque sobrio y elegante, la película construye un thriller contenido donde la política, la fe y el poder se entrelazan con precisión.

Ralph Fiennes sostiene la película con una interpretación introspectiva y carismática como el cardenal Lomeli, cuya humanidad y dilemas morales aportan la profundidad que el relato necesita. El resto del reparto acompaña con solidez, destacando algunos papeles secundarios que logran perfilarse con claridad a pesar del carácter coral del elenco.

La dirección de Berger es comedida, casi austera, y eso juega a favor del tono claustrofóbico del film. El Vaticano se convierte en un personaje más, con sus muros cargados de historia, silencio y secretos. La fotografía tenue y el ritmo pausado refuerzan la atmósfera de tensión sutil, aunque en algunos momentos pueden rozar lo frío.

No es un thriller explosivo ni de grandes giros cada diez minutos. Cónclave prefiere sugerir, dejar respirar los diálogos, y construir la intriga desde lo humano y lo institucional. Puede resultar lenta para algunos espectadores, pero es precisamente esa contención lo que le permite mantener su dignidad narrativa sin caer en excesos melodramáticos.

Una película elegante, interesante y que propone reflexionar sobre la naturaleza del liderazgo, la espiritualidad y la fragilidad del poder. No es perfecta, pero su sobriedad es, en este caso, una virtud.

Las vidas de Sing Sing es un drama carcelario que se aparta de los convencionalismos del género para ofrecer una mirada introspectiva y humanista sobre la rehabilitación a través del arte. Dirigida por Greg Kwedar, la película se inspira en el programa real de rehabilitación mediante las artes en la prisión de máxima seguridad de Sing Sing, centrándose en un grupo de reclusos que encuentran en el teatro una vía para la redención y el autoconocimiento.

Colman Domingo interpreta a Divine G, un hombre encarcelado por un delito que no cometió, quien descubre un propósito en la vida al unirse a un grupo teatral dentro de la prisión. La actuación de Domingo es contenida y poderosa, transmitiendo la complejidad emocional de su personaje con sutileza. A su lado, Clarence Maclin, interpretándose a sí mismo, aporta autenticidad y profundidad al relato, reflejando su propia experiencia en el programa de teatro durante su encarcelamiento.

La dirección de Kwedar se caracteriza por una narrativa sobria y respetuosa, que permite que la historia hable por sí misma. La cinematografía de Pat Scola y la música de Bryce Dessner complementan la visión artística de la película, creando una atmósfera que oscila entre lo lírico y lo perturbador.

Las vidas de Sing Sing es una obra que desafía las convenciones del cine carcelario, ofreciendo una experiencia cinematográfica que invita a la reflexión sobre las posibilidades de redención y el papel del arte en la transformación personal.

Wicked es una adaptación cinematográfica del exitoso musical de Broadway, que a su vez se inspira en la novela de Gregory Maguire. La película explora los orígenes de las brujas de Oz, centrándose en la compleja relación entre Elphaba y Glinda, antes de los eventos narrados en El Mago de Oz.

La dirección de Jon M. Chu destaca por su enfoque visualmente deslumbrante, con escenarios y vestuarios que capturan la esencia mágica del mundo de Oz. La cinematografía y el diseño de producción son elementos clave que sumergen al espectador en este universo fantástico.

Las actuaciones de Cynthia Erivo como Elphaba y Ariana Grande como Glinda son notables. Erivo aporta profundidad y emoción a su personaje, mientras que Grande sorprende con una interpretación que combina carisma y vulnerabilidad. La química entre ambas actrices fortalece la narrativa central de la película.

La banda sonora, compuesta por Stephen Schwartz, mantiene la esencia del musical original, con números musicales que van desde lo íntimo hasta lo grandioso. Canciones como "Defying Gravity" y "Popular" son interpretadas con energía y emoción, destacando la habilidad vocal de las protagonistas.

Sin embargo, algunos críticos han señalado que la película podría beneficiarse de una mayor cohesión tonal y una duración más ajustada. A pesar de ello, Wicked ofrece una experiencia cinematográfica envolvente que encantará tanto a los fanáticos del musical como a nuevos espectadores.