Película formada por seis episodios, que aparentemente no tienen nada que ver los unos con los otros, pero lo que tienen en común es que en todas se muestra como varias personas corrientes pierden el control cuando son superadas por las situaciones que les rodean; y de una u otra forma, tienen que recurrir a la violencia más irracional, sin pensar seriamente en las consecuencias. El hecho de que una película esté dividida en varias historias inconexas, como es el caso, suele dar como resultado obras irregulares; pero afortunadamente éste no es el caso, ya que se mantiene un alto nivel en casi todo el metraje, y la gran agilidad de la acción, junto a la variedad de situaciones, hacen que el espectador permanezca enganchado en todo momento.

Este tipo de producciones también suelen tener un problema: si se diferencian demasiado unas historias de otras puede llegar a dar la impresión de que es una recopilación de cortometrajes; en cambio, si todas las partes cuentan con una estructura similar puede resultar demasiado monótono, llegando a causar en el espectador cierta sensación de déjà vu. En cambio, la obra del argentino Damián Szifrón, consigue mantenerse en un punto intermedio: todas las obras tienen los suficientes puntos de unión como para formar entre todas estas piezas un todo compacto; y al mismo tiempo cada una de ellas posee la suficiente personalidad para hacerlas únicas, ya que cada una contiene un enfoque, una atmósfera y un ritmo diferente al resto dependiendo de la historia, incluso perteneciendo a géneros cinematográficos distintos.

Pero si algo tiene en común cada una de las historias que forma esta obra es la mala baba continua, y la huída de las medias tintas y a todo lo políticamente correcto; colocándose en las antípodas de las llamadas comedias blancas. La controversia no se encuentra en el uso de la violencia en sí, ya que en ningún momento el autor parece condenarla, incluso en algunos casos llega a justificarla; pues ésta no se muestra como una fuerza opresora más bien como liberadora de todo aquel que se sienta asfixiado por humillaciones, traiciones, corrupción generalizada, eterna e incompetente burocracia.... y otros males de la sociedad actual, no solo la argentina, sino global. Todo eso le da cierto carácter antisistema muy acorde con los tiempos de crisis en los que vivimos. Todo eso, untado por buenas dosis de delirante humor negro. Además, la “gracia” del asunto es que no se trata de eventos extraordinarios, sino que tomó por punto de partida hechos que a todo el mundo le podrían suceder, pero donde nadie reaccionaría de la misma manera que los protagonistas de esta obra... ¿o sí?.

Una obra tan atrevida, como original y necesaria. Una deliciosa gamberrada que será la delicia de todo aquel que no le aterre lo políticamente incorrecto. Puede que no sea un trabajo redondo, pero se nota que la obra se ha realizado con mimo y esmero, como muestra la cantidad de brillantes encuadres y planos realmente originales. Por no hablar de la fantástica fotografía, uno de los pilares fundamentales a la hora de dotar a cada pieza de personalidad propia. Y claro está, un fantástico plantel de actores que cumplen a la perfección con sus respectivos papeles. Juntando todo eso se encontrarán las seis historias que conforman esta película, que no dejará indiferente a nadie.

Una de las obras maestras de Luis Buñuel y seguramente la mejor película jamás rodada en territorio español. Dura, satírica, poética y hermosa. Una obra que no concede ni un segundo de descanso. Cada escena es una joya en sí misma, bien estéticamente bien por su contenido o dobles lecturas. Película atrevida, polémica, donde el maestro de Calanda no deja títere con cabeza. Que una película como esta haya sido rodada en la España de Franco suena increíble, que fuera posteriormente prohibida en su país tras ser maldita por el Vaticano parece comprensible, pero que a día de hoy esta obra del cine universal sea desconocida para la mayor parte del público español es inadmisible. Una cinta para ver una y otra vez, pues gana considerablemente con los visionados.

La idea de la película proviene de una fantasía del la juventud del propio Buñuel: echarle un narcótico en la leche a la Reina de España, para una vez dormida, acostarse con ella. El nombre de la película – y de la protagonista de la misma – proviene de una santa italiana muy desconocida y que se preocupaba por los pobres. La unión de estas dos ideas es lo que dio origen a la historia de una joven con intenciones de convertirse en monja, invitada a la mansión de su tío donde será drogada y casi violada. Don Jaime, el tío de Viridiana, se suicidó por el arrepentimiento y la joven, renunciando a su pretensión de convertirse en monja, decide quedarse en su mansión donde dedicará su vida a la ayuda de los más desfavorecidos.

Viridiana no da palos de ciego durante el transcurso de sus casi 90 minutos de metraje. Seguramente la crítica más destacada es la perpetrada en contra de la religión, especialmente de la caridad cristiana; la cual muestra como inútil e ineficaz. Toda la historia de Viridiana con los mendigos es una buena muestra de ello. En este apartado también destacaría el gran montaje paralelo en que se contraponen dos formas de vivir la vida completamente distintas: los que trabajan por cambiar las cosas y los que rezan al cielo para que Dios las cambie. En ese aspecto, podemos ver la transformación, desde la pura y beata del comienzo, a la mujer del final, resignada y que acepta su propia naturaleza.

El otro eje central de la obra es el despertar sexual de la joven Viridiana. Al inicio sus instintos naturales están ocultos bajo su hábito y los sustituye por sus fuertes creencias religiosas. Idea que se enfatiza en el momento que los fetiches religiosos de Viridiana – la cruz, los clavos, la corona de espinas – son comparados con los fetiches sexuales de Don Jaime. La joven novicia hace todo lo posible por resistirse a sus impulsos. La original y sugerente escena en la que se ordeña a la vaca es la mejor muestra de ello. Pero desde que su tío casi la violase, en sus propias palabras, algo cambio en ella. Viridiana puso todas sus fuerzas en la fe pero cuando ésta se vino abajo, terminó claudicando a los brazos de su primo en una escena final que debido a la censura franquista terminó siendo más pecaminosa que la pensada inicialmente.

El reparto está encabezado por Silvia Pinal, Fernando Rey y Francisco Rabal. Pinal Y Rey en su primera – pero no última – colaboración con Buñuel; en cambio el tercero protagonizó unos años antes Nazarin, película con la que Viridiana se mira cara a cara, tanto por ser una especie de secuela o versión femenina de la primera, como por compartir varios temas en común – crítica a la caridad cristiana-. Estéticamente la película es impecable, empezando por ese elaborado blanco y negro que resalta con aún más fuerza los claroscuros de la historia. Cada plano está elaborado con precisión y buen gusto, matizando, reforzando o contradiciendo lo que se está contando en todo momento.

http://nosoyuncritico.com/criticas/ano/sunday-classics-2/2014/05/especial-cannes-viridiana-la-religiosa/

Coge como base Atrapado en el tiempo (o el Día de la Marmota) con un Bill Murray en estado de gracia, añádale un par de las mejores ideas de Click con Adam Sandler, sin olvidar varios chorros de cualquier comedia romántica, y para rematar, unos toques de humor un poco bruto para darle un poco sabor. Mezclando todos esos ingredientes en su justa medida, sorprender al espectador y ofrecerles una de las mejores películas del año… es solo cuestión de tiempo.

Aquí tenemos una película romántica que consigue evitar convertirse en una pastelada, pero sin perder el romanticismo por el camino. En esta película, puedes pasar de partirte de risa con cualquier barbaridad salida de la boca de alguno de los personajes, y poco después emocionarte con las tramas más intimas. Por que aquí, como en la vida, ahí lugar para los polos más extremos de las emociones… con la diferencia que aquí el protagonista puede viajar en el tiempo a su antojo. Domhall Gleeson es el encargado de interpretar, de una manera impecable dicho sea de paso, al protagonista de la función: un pelirrojo ingles que no tiene demasiado éxito con las mujeres, pero todo eso cambia cuando descubre que puede viajar en el tiempo (más concretamente, al pasado), y utiliza esa habilidad parara conquistar a la mujer de la que se encuentra locamente enamorado (fantástica Rachel McAdams), pero van surgiendo diversos problemas, que debe solucionar con su ingenio… y su nueva habilidad.

De todas la actuaciones, destacaría la de Bill Nighy como padre del protagonista, para quitarse el sombrero. Sin duda alguna, toda la trama padre-hijo es una de las mejores bazas de la película, y la que más fácil conseguirá emocionar a gran parte del público, y gran parte del merito corresponde a este veterano actor británico.


Además, si por alguna casualidad, la persona que más quieres en el mundo tiene el pelo de color rojo, esta es sin duda alguna una de las mejores películas para ver al lado de dicha persona.

De un tiempo para aquí, gran parte del público ha empezado a acusar el cine de Tim Burton de cierto desgaste, y de repetirse tanto en algunos aspectos que en sus anteriores trabajos el director de “Mars Attack!” parecía convertirse en una caricatura de sí mismo. Tanto es así, que el principal propósito de esta nueva obra parece haber sido deshacerse de esa imagen; y lo consigue. No sólo porque supere en calidad a sus predecesoras más directas (que lo hace), sino porque se aleja estéticamente y temáticamente de lo que se entiende generalmente como una “película de Tim Burton”. Se podría considerar la película más austera y convencional de su filmografía, pero sin renunciar a una fotografía cuidada, que distancia esta obra de ciertos telefilms con los que esta obra llega a tener alguna similitud en los momentos más bajos de su trama.

La película nos narra la historia real de Margaret y Walter Keane, marido y mujer; ella una talentosa pintora, él un charlatán con carisma que no dudará en firmar como propias las obras de su esposa. Este es el segundo biopic de Burton tras “Ed Wood”, película con la que ésta comparte más de un aspecto, entre ellas ser las obras más realistas del director, pero que en ningún momento llega a acercarse a su genialidad. La premisa es sin duda alguna uno de los puntos fuertes de la obra, pero desgraciadamente no se aprovecha del todo en una trama con demasiados altibajos. Otro de los aspectos con los que, al parecer, Tim Burton quería librarse de su sambenito de repetitivo es el prescindir de las dos caras imprescindibles de su cine más reciente, Johnny Depp y Helena Bonham Carter, apostando para los papeles principales por Christoph Waltz y Amy Adams, cuyas interpretaciones son uno de los puntos más fuertes de la obra.

Uno de los mayores aciertos y fallos es la gran cantidad de tonos y géneros por los que pasa la obra de un momento a otro: drama social de época, comedia romántica, los efectos de la ambición, drama doméstico, la tragedia de un artista reconocido en caída, incluso el drama judicial. Todo eso favorece un visionado ágil y ameno, pero que da fuerza a la sensación de estar ante una obra un tanto irregular; a lo que ayuda el hecho de que no profundice realmente en ninguno de los temas de los que trata. Puede que, si hubiera apostado más por centrarse en alguno de esos temas, dotándolos de más importancia y profundidad, tendríamos ante nosotros una obra superior, pero eso es algo que nunca sabremos.

¿Se acerca, en cuanto a nivel, a las obras maestras de Tim Burton? No, está muy lejos de aquellas en todos los aspectos; ni siquiera es de las mejores películas de su director en este siglo, pero consigue dejar mucho mejor sabor que todo lo que había realizado desde su decepcionante visión de “Alicia en el país de las Maravillas”. Y una buena oportunidad para ver al californiano saliendo de su “zona de confort” para examinar nuevos mundos, y otras formas muy diferentes de hacer cine de las que nos tiene acostumbrado normalmente. Aunque en todo momento se aprecia cierto regusto a obra menor, sirve perfectamente para recordarnos que Tim Burton está vivo, y que aún tiene capacidad para sorprendernos.

El actual -y esperemos, permanente- alto el fuego de la banda terrorista ETA ha hecho que últimamente hayan surgido varios proyectos cinematográficos con, en mayor o menor medida, el llamado conflicto vasco de fondo, como podrían ser Ocho apellidos vascos o El negociador, ambas comedias con el guionista y director Borja Cobeaga como nexo en común. Pero también se ha abordado este tema con un enfoque más serio y frío, como es el caso que nos ocupa; que a diferencia de la exitosa película dirigida por Emilio Martínez-Lázaro no nos muestra el lado más amable del conflicto, sino el más crudo: el que se pudre bajo cal viva. La historia se centra en uno de los episodios más famosos de la agrupación parapolicial bautizada como Grupo Antiterrorista de Liberación, o GAL (sobre la cual Miguel Courtois realizó una película tras su éxito de su debut El lobo, también basada en una historia real relacionada con ETA), en la que éstos secuestraron en Francia a unos jóvenes pertenecientes a la banda ETA, para luego torturarlos durante días, matarlos y enterrarlos en cal viva. Doce años después comenzó un juicio contra los perpetradores de dichos crímenes, y de cuyo sumario se basa esta película.

Una obra rodada alternando euskera y castellano, lo que le añade veracidad; a lo que también contribuye una imagen realista, cercana al documental, pero bien elaborada. A dicho realismo también ayudan el tono y el ritmo con los que se narran la historia, lo que cuaja perfectamente con la acertada visión neutra con la que se nos cuenta; dentro de lo que cabe, porque ser cien por cien imparcial en un tema tan peliagudo como este es imposible. Se agradece que se huya de cualquier maniqueísmo y no se limite en mostrar a unos como muy buenos y a los otros como muy malos; sea quienes sean. Aunque esto no ha evitado que la obra haya levantado cierta polémica, aunque con semejante temática era inevitable. El ya mencionado realismo hace que las escenas de las torturas cobren una impresionante dureza; mucho más, que si por ejemplo, hubieran tenido un enfoque más gore.

Respecto a las actuaciones hay que destacar a Unax Ugalde, en su papel protagonista como el abogado Iñigo, sobresale por encima del resto, resultando creíble en todo momento, y logrando transmitir la pasión de su personaje, al mismo tiempo que la frustración que siente en algunos momento, o las dudas que hacen que se plantee sus más profundos principios. Iñigo Gastesi interpreta al ayudante del personaje de Ugalde, con el que realiza un genial contrapunto, especialmente en la escena en la que termina ejerciendo de su conciencia. Dentro del grupo GAL, son dignas de mención las interpretaciones de Francesc Orella como el General Galindo; y sobre todo la de Oriol Vila como Felipe Bayo Leal.

Pese a la polémica producida, la obra de Pablo Malo resulta necesaria para recodar uno de los capítulos negros de nuestra historia reciente. Puede que la obra espante a muchos por su temática, pero quien le dé la oportunidad, y la vea libre de prejuicios, podrá disfrutar de un thriller político bien realizado. Y el mensaje de fondo no podría ser más adecuado en los tiempos que corren: lejos de dividir y generalizar en buenos y malos; promueve la búsqueda justicia y la mirada al futuro en lugar de la venganza y el rencor. Y también tratar de sembrar en la conciencia colectiva de que en ambos bandos ha habido víctimas y verdugos.

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