Hombres que no matan en nombre de dios sino del diablo, la humanidad condenada al castigo infernal, y la redención, erigen ‘Valhalla Rising’, la séptima y vikinga película de Nicolas Winding Renf.

No es casual que tras las cámaras de esta sanguinaria historia medieval se encuentre Winding Refn, quien ha convertido la violencia en algo más que un estigma dentro de su filmografía; con la trilogía ‘Pusher’ y ‘Bleeder' talló en estética trash los criminales bajos fondos de Dinamarca con resultados desiguales- sobre todo en la primera, demasiado condicionada por el éxito de 'Trainspotting' -. ‘Bronson’, biopic pasado de rosca del preso más peligroso de Inglaterra, supuso un punto de inflexión alejado del realismo de cámara al hombro hacia territorios de mayor preciosismo formal. Con ‘Valhalla Rising’, Refn descompone de forma sangrante las estructuras corrientes del cine de aventuras llevándolas al territorio de la vanguardia más lírica.

Todas las películas de Refn, son en esencia, la historia de hombres atrapados en su propio infierno: unos advierten súbitamente la iluminación, otros vuelen a caer en la funesta jaula del dolor. El camino a través de la niebla del guerrero afligido de gris forma de vida, suele presentarse en la filmografía del danés como un viaje de expiación con mejor o peor conclusión dependiendo de la película. Si tu dios es el demonio, todos los caminos te conducirán al infierno, al igual que a toda la gente que te siga; la salvación es sinónimo de sacrificio. Esto es, sin ir más lejos, una del más o menos medio centenar de bases argumentales que puede tener cualquier obra de ficción dramática. La premisa es llevada en 'Valhalla Rising’ al extremo de la literalidad absoluta donde entra en juego el buen hacer de Refn a la hora de narrar esta historia, dividida necesariamente en cuatro actos con dos fragmentos diferentes que remiten directamente a filmes como ‘Apocalypse Now’, o ‘Aguirre, la cólera de dios’: el viaje del guerrero y su lucha interior.

El filme enamora en su cariz legendario elevado a lienzo en su primer lance. Un imponente Mads Mikkelsen, tuerto y demacrado es un poderoso guerrero esclavizado que asesina a su amo. Tras enrolarse, junto a un niño, en un barco vikingo, comienza un viaje al infierno donde se desentrañarán los recovecos más oscuros del corazón humano en una segunda parte mucho más cenagosa, densa y metafísica pero igualmente hermosa y poética.

Refn se muestra iconoclasta con la narrativa de un subgénero -el de vinkingos- que no había alcanzado de forma lo suficientemente vehemente la autosuficiencia más allá de lo comercial, rompiendo los esquemas del actual cine de aventuras. El director de 'Bronson' se mata por conseguir lo idílico; por volver la violencia poesía y trasformar plano en metáfora a través de un ejercicio de pureza donde no tienen cabida las formas narrativas acuñadas en el género durante los últimos tiempos, conectando así con el viejo afán experimentativo de los discípulos de Roger Corman que reconstruyeron Hollywood en los años setenta.

La obsesión por el encuadre y la perfección pictórica de los paisajes es aquí compulsiva; el trabajo de fotografía de Morten Søborg, realmente bello, es una contribución esencial para hacer elipsis en los diálogos, en boca de personajes que son meros títeres, y engrosar la metáfora en imágenes como un sentido que se va para fortalecer a otro. En ocasiones lo consigue y en otras se ahoga en la confusión (por ejemplo: la inclusión de flashes rojos en momentos puntuales se me antoja más que como metáfora, como broma de un autor que ha repetido esa coletilla a lo largo de toda su filmografía y que de otra forma no tendría otro modo de hacerlo aquí).

‘Valhalla Rising’ es una película difícil, su predilección por la violencia estilizada y el paisajismo elevado a metáfora la puede hacer parecer un ejercicio puramente decorativista y vacuo. Nada más lejos de la realidad, la perfecta mixtura entre la lírica física y metafísica junto con el literalizado concepto argumental, crean una niebla de poesía que bien podría haber sido dirigida por el mejor Terrence Malick en un ataque de salvajismo. Y bien sabe Malick que la poesía no es para todos los paladares.

@DavidCarideS

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Hal Hartley, consagrado y actualmente en decadencia autor de cine independiente, siempre me ha parecido uno de los directores que mejor han sabido establecer vínculos emocionales con el verdadera corazón humano, a través la proyección de personajes atormentados sobre un mundo hostil. ¿Acaso hay más épico que la propia vida, y más valiente que el día a día? Su visión, por lo menos en su primeros trabajos a principios de los noventa, fluye deliciosamente emocionante entre los engranajes del melodrama trivializado; situaciones surreales, y protagonistas majaderos y felizmente papanatas forman un empaque tornado leitmotiv en dos notables películas (‘La increíble verdad’ y ‘A simple men’) y una obra maestra (la bellísima 'Trust') siempre bajo el estigma de las relaciones interpersonales, el amor entre parejas, padres e hijos, hermanos y amigos, como claro paradigma.


En 'Amateur', un Thriller de identidades perdidas y segundas oportunidades, Hartley cambia el paisaje de sus precedentes obras, sin renunciar a su propia identidad; su estilo realizativo, ingenio y alteridad no se venden al abordaje, del ya de por si, difícilmente definible, por amplitud, cine negro, sino que este configura la excusa perfecta para poner sus cartas sobre la mesa y hacer lo que mejor sabe: regalarnos una historia extraña, delirante, dulce, emocionante, muy humana, donde brilla Isabelle Huppert entre otros. Un empaque con la inherente reflexión del a menudo olvido de nuestra propia identidad; de lo que lo que queda más allá de la apariencia condicionada por la sociedad occidental, tejida por la economía, sobre la que articulamos nuestra propia vida. Hartley nos recuerda que son las personas quienes deberían influir en el sistema, y no a viceversa, tomando el género negro sin renunciar a su propia conciencia.

@DavidCarideS

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‘El cosmonauta’, el primer largo de Nicolás Alcalá financiado íntegramente gracias al crowfunding (o eso dicen por ahí) se presenta bajo los estandartes del drama romántico intimista superpuesto sobre la excusa de la aventura espacial.

La producción, cuyo gasto ronda el millón de euros, resulta cuanto menos insólita por ambiciosa para tan escueto presupuesto; Alcalá se revela como un realizador de buena conciencia visual capaz de crear pulcros planos y encuadres que recubren de sensibilidad los escasos 79 minutos de película, a los que se añade un uso elegante de los efectos visuales. Desgraciadamente, aquí se termina lo destacable; la poesía solo se vislumbra como mera neblina en un desarrollo que no hace justicia al original concepto sugerido en un principio. El guión, escrito por el propio Alcalá, naufraga en su intento por emular el estilo acuñado por Terrence Malick en ‘Tree of Life’, a porrazo de un montaje extremo y situaciones melodramáticas envueltas en tristeza musical y romance hasta lo empalagoso.

Las sensaciones generales son de obra confusa y desestructurada en su desarrollo y montaje. Una película más preocupada por lograr la trascendencia que por tener los pies en el suelo.

@DavidCarideS

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Probablemente el de WildStorm sea uno de los universos comiqueros con menos tirada en la pequeña y gran pantalla; y no es porque no desprendan la suficiente calidad series como ‘Planetary’ o ‘The Authority’. ‘WildCats’ vio su adaptación televisiva en una serie de animación poco conocida y bastante maja que apenas sobrevivió una temporada, mientras que la inmersión del universo en el campo del largometraje cinematográfico se ejecutó con la presente ‘Gen 13’.

Esta versión del cómic de Jim Lee interpreta con libertades el primer arco argumental del cómic construyendo un producto disfrutable pero definitivamente menor. No es que el propio ‘Gen 13’ original sea la panacea; personalmente me parece todo lo contrario. Ciertamente algunos números tienen dibujos bastante decentes, pero la siempre presente sensualidad me empachaba, me saca de contexto y consigue que durante sus primeros compases no me tome la historia demasiado en serio. Después se descarnaría la vena socarrona y la serie se volvería mucho más divertida (para mi gusto).

La película se asienta sobre esos pilares conservando lo bueno y lo malo sin que la balanza termine por decantarse por ninguno de los dos valores. Más que una película para cine, parece un episodio piloto alargado para una serie de TV con el agravante de que el final deliberadamente abierto no encontrará continuación. Destaca una correcta animación, de la que emana ese olorcillo de las series de superhéroes de los 90 y algún que otro momento divertido, sin alardes. ‘Gen 13’ es trágicamente el único exponente cinematográfico de un universo que pudo dar para mucho más.

@DavidCarideS

Steve McQueen se señalizó en el panorama cinéfilo en 2008 con ‘Hunger’. Su potentísimo relato sobre los presos del IRA con Michael Fassbender como protagonista, encerraba una suerte de tesis sobre lo absurdo de la violencia. En ‘Shame’ conserva la misma retórica formal, el mismo preciosismo estético, escénico e iconográfico, y por supuesto, al aclamado Michael Fassbender como parte fundamental; pero transforma la esencia de la historia difuminando el relato en retrato.

En su anterior filme, McQueen, narra la degradación física de un individuo causa de su fuerte convicción ideológica; su batalla desesperada por satisfacer las pretensiones del colectivo del que forma parte, o su cruzada por convertirse en mártir, dependiendo de como, o quien interprete la película. En todo caso, el cambio, para bien o para mal, es el destino de la historia de su protagonista. Por contra, en ‘Shame’, McQueen no narra historia, sino acontecimiento; no relata, retrata, con pulso de escultor, un círculo se cierra sobre los valores de la adicción y la salvación: la historia de un hombre que ha visto en el sexo una forma de escapar de sus traumas. Respecto a eso, no existe la necesidad de escarbar en su pasado. Siguiendo las pautas de la minitrama, y las convenciones previamente establecidas y ejemplificadas en filmes como 'Leaving Las Vengas', basta saber, que cuanto más grande sea la herida, mayor dosis de “curación” será necesaria. La salvación se tronca necesidad, y después… adicción.

Este conflicto interno recae sobre la piel de Fassbender, cuya interpretación, refuerza la caracterización e implicación emocional del personaje y lo vuelve a situar, tras ‘Hunger’, un escalón por encima de la mayoría de actores, y por supuesto, fuera de las convenciones de los galardones comerciales (es lo tiene hacer un desnudo integral en pantalla). Carey Mulligan completa el díptico protagónico con un caracter alejado de la mera pretensión de completar a Fassbender; se desnuda física y psicológicamente en un gran personaje de engranajes independientes, pero definitivamente relacionados con su compañero. La chica de ‘Drive’ consigue una interpretación dulcemente inocente, intensificando su naturaleza humana, casi “virginal” contrapuesta a la del personaje de Fassbender. Algo esencial para cimentar una atmósfera de conflicto mutuo que abarca múltiples espectros de su relación, sexualidad y sufrimiento.

El director de ‘Hunger’ trata con suma delicadeza un tema tan complicado como controvertido y la consecución de su trabajo tras las cámaras se advierte majestuosa: encuadres perfectos, gran simbolismo en sus imágenes; y una sensibilidad, particular en las escenas de sexo, que no confunde la veracidad con la verdad. Este último punto, hace de ‘Shame’ un ejercicio que idealiza y perfecciona la imagen de esta debilidad humana sin que se pierda en los laureles de la provocación. Es en esta reducción de la fe a los valores carnales donde se discierne la paradoja de adición terrenal contrapuesta con la creencia en los valores metafísicos constructivos y donde el retrato cargado de sensibilidad pintado por McQueen, asciende hasta el olimpo cinematográfico.

@DavidCarideS