Hace un día y medio tuve el mas que agradable placer de poder visionar una de las películas mas bellas de los últimos años "LOST IN TRANSLATION", reconozco que mi criterio a la hora de hablar de esta película se podría resentir al reconocer publicamente que Bill Murray , el antes comediante mas o menos graciosillo, pudiendosele meter dentro del mismo saco junto a personajes tan odiosos como CHEVY CHASE, MARTIN SHORT o RICHARD PRYOR, convertido no hace mucho tiempo en competente actor y a día de hoy en ACTOR con mayúsculas, siempre me ha gustado y además bastante. Su paso por películas tan mediocres como míticas, vease LOS INCORREGIBLES ALBÓNDIGAS, EL PELOTÓN CHIFLADO, LOS CAZAFANTASMAS, SCROOGE siguiendo por las ya mas maduras ATRAPADO EN EL TIEMPO, ¿QUÉ PASA CON BOB?, LA CHICA DEL GANGSTER o el remake mas que aceptable de AL FILO DE LA NAVAJA, su primer papel drámatico, hasta desembocar en películas mas que notables como WILD THINGS, THE ROYAL TENNEMBAUMS o la gran ED WOOD, siempre se ha hecho notar.
En "LOST IN TRANSLATION" Bill Murray ha logrado crear serias dudas ante mi unánime decisión hasta este momento de proclamar al excelente Sean Penn mejor actor de este año pasado por sus sobrecogedoras interpretaciones o valdría igual decir transformaciones por las geniales Mystic river y 21 gramos, la inexpresividad como actor de Bill Murray en esta película es algo mas que necesaria es la baza principal con la que juega este film. Mientras que Sean Penn actua hasta dejarse literalmente los cuernos ante la cámara de una manera brutal, Bill Murray hace exactamente lo mismo solo con la mirada, su mirada consigue alegrarnos o entristecernos, que se le quiera o que se le odie con una facilidad pasmosa.
"Lost in translation" narra de forma sobria pero un tanto arriesgada, ya que la película es lenta y pausada porque la narración requiere que sea asi, comercialmente hablando el hastío y la soledad de las personas que se encuentran lejos de su hogar, en este caso en Japón, y tienen que convivir durante unos pocos días con un idioma y unas costumbres completamente desconocidas para ellas y es en este contexto donde se encuentran estos dos personajes tan faltos de cariño y de atenciones que conseguirán crear una de las historias mas bellas e inteligentes de amor-amistad que ha dado el cine de los últimos años.
"Lost in translation" tiene muchas semejanzas a otra gran película del cine actual "Deseando amar" de Wong Kar Wai. Esta película al igual que su antecesora expresa todo el cariño y el amor que se profesan los dos protagonistas con tan solo una mirada o un pequeño roce o incluso un encuentro fortuito, brillantísimo trabajo el de los directores y en el caso que nos ocupa el de Sofia Coppola. Los protagonistas del filme de Sofia Coppola son personas faltas de amor y por eso se aferran a este nuevo gran cambio en sus vidas porque desean hablar y ser escuchadas y amar, como en el filme de Wong Kar Wai, y desear ser amado

Película dirigida por Blake Edwards en 1971 y el único western que dirigió en toda su carrera cinematográfica.
Holden, teniendo muy reciente el estreno de su película "The Wild bunch", aceptó interpretar otro western crepuscular y desmitificador en todos los sentidos.
Dos vaqueros, Holden y O'Neal se embarcan en un viaje por el oeste después de haber robado un banco, llevándose el dinero del terrateniente "Karl Malden" para el que trabajaban.
Con esa clásica premisa, Edwards rueda su película más personal, sincera y llena de valores hasta la fecha.
Se nota que el referente Peckinpah está presente en muchos temas que trata el film, la camaderia más arraigada, el código de honor tan estricto, etc, etc.
Las conversaciones entre el vaquero entrado en años, curtido y harto de una vida llena de penurias y el joven, impulsivo y con ganas de labrarse un futuro mejor, están llenas de emoción, sensatez, sabiduría y, curiosamente a pesar de los malos momentos vividos, esperanza para empezar de nuevo y establecerse en otro lugar.
"Dos hombres contra el Oeste", penoso título de la película en castellano, nos lleva a terrenos mil veces vistos en el género pero la descripción y como se narran las peripecias de estos entrañables personajes, que ansían buscar sus sueños frustrados, es lo que destaca y hace que se desmarque de otros muchos westerns también clásicos pero no tanto.

Bienvenidos al festival de Ethan Hawke, todo un recital interpretativo al servicio de un gran personaje y una gran causa.
Siete episodios que se ven en un suspiro y en más tiempo que un suspiro, seguirás sintiendo toda la emoción por la ferviente lucha que el capitán abolicionista John Brown junto a sus hijos y otros muchos valientes llevarón a cabo, hasta sus últimas consecuencias, en pos de un único objetivo, la erradicación de la esclavitud.
Es una gozada y un auténtico lujazo disfrutar del inmenso registro interpretativo del que nos hace partícipes Hawke en esta serie, pero no solo se luce él ya que la historia está narrada por un personaje clave que hace de hilo conductor, me refiero al crío little onión/ Henry/Henrietta, no desvelo más detalles, interpretado excelentemente por un tal Joshua Caleb Johnson.
Los actores que interpretan a los buenos hijos, Beau Knapp, Nick Eversman, Ellar Coltrane, Jack Alcott y Maya Hawke, que adoran la figura de su padre y están dispuestos a seguirle hasta el final, secundan la función de manera convincente y solvente.
Por la serie van pasando personajes ilustres de la lucha abolicionista, la activista Harriet Tubman, el pretencioso y arrogante líder negro Frederick Douglas, etc, etc.
El episodio final deja un poso de frustración a la vez que de esperanza, ante todo lo que Brown y los suyos consiguieron y podrían haber conseguido con mucho más apoyo y colaboración.
Pero me conformo con lo que consiguió después de su muerte, convirtiéndose en el mártir por excelencia de la revolución abolicionista, una necesaria guerra civil donde ganaron, entre mil millones de comillas, los derechos de los negros.

Obra maestra!!
Un segundo visionado ha servido para confirmar mi primera valoración.
Estamos ante una película destinada, con el tiempo, a convertirse en obra de culto indiscutible.
James Gray ha escrito un guión perfecto y ha dirigido la película con maestría.
Un viaje interplanetario apasionante, introspectivo, lleno de pensamientos y diálogos para el recuerdo, terapéutico, impactante y sobre todo necesario para el astronauta Roy McBride, al que da vida un inmenso Brad Pitt.
La sombra de Malick es alargada y aquí Gray bebe de su cine menos metafísico y mas trascendental.
Ese momento en el que Roy se sincera al pasar uno de los múltiples tests psicológicos para comprobar su estado mental y de lucidez, dejándonos ésta perla reflexiva: "El ataque estaba lleno de furia. Entiendo esa furia, he visto esa furia en mi padre y la he visto en mi, porque me enfurece que se largase.
Nos abandono, ¿sabe?
Pero cuando observo esa ira y la aparto y la alejo, todo lo que veo es dolor, solo veo sufrimiento.
Creo que me mantiene aislado, me impide relacionarme y abrirme a los demás y querer a alguien de verdad ó sentir verdadero afecto por alguien y lo cierto es que no se como superarlo, gestionarlo, evitarlo.
Me preocupa mucho y no quiero ser esa persona, no quiero ser mi padre." ¡Vaya confesión!
En definitiva, somos lo que somos y pensamos como pensamos, la mayoría de las veces por culpa de nuestros padres.
El septimo arte abarca muchos géneros y dentro de esos géneros, con intencionalidad evidente por parte de los guionistas, podemos encontrar infinidad de mensajes esperanzadores, de protesta, crítica social, etc, etc.
En el caso de "Ad Astra" mucho de su contenido por lo menos en mi caso, con un trastorno psicológico declarado y evidente desde hace muchísimos años y por otra parte trabajadísimo a nivel terapeútico, visionar la película me ha servido, sin duda, para hacer una pequeña terapia.
El viaje de Roy hasta los confines de la galaxia para encontrar a su padre desaparecido en una misión, se puede usar desde ya como exposición ó ejemplo en futuras terapias cognitivo-conductuales

Una mujer regresa al pueblo azucarero de Billings donde, tiempo atrás, un asesino raptó a su hijo pequeño y mató a otros cuatro niños, para confirmar el asesinato y encontrar el cuerpo del pequeño, ya que no apareció el cadáver y no lo pudo enterrar en su momento.

Poco a poco irá descubriendo el terrible secreto que esconden los habitantes del pueblo y que tiene que ver con algo siniestro que merodea entre las plantaciones de azúcar.

Curiosa e intrigante película de terror que sin ser gran cosa, ha logrado captar mi atención y conseguir que empatice con la angustia y desesperación que transmite la protagonista, formidable Lisa Kay, durante todo el tiempo, aparte del resto de los habitantes del pueblo que aún estando muy estereotipados, logran dar esa sensación de desasosiego y malestar que produce el no entender que es lo que esconden y porque lo esconden.

Como casi siempre pasa en este género las explicaciones brillan por su ausencia, tienes que dar rienda suelta a tu imaginación para conseguir entender algo de la parte sobrenatural de la cinta, así como de ciertos comportamientos o actuaciones de los actores/actrices secundarios/as.

La película adolece de tener un desenlace bastante anémico y que, a mí parecer, es algo desconcertante e improvisado.

Aún con todo esto, es muy recomendable también por la atmósfera agobiante y de incertidumbre que consigue crear.

El resultado final es más que aceptable, dentro de la irregularidad de la trama.