La película “1976” es el debut de la directora Manuela Martelli que es un homenaje a esas mujeres opacadas en la dictadura en un trabajo de excelente factura técnica y sobresaliente interpretación de Aline Küppenheim.

No se si recuerdan a Manuela Martelli, protagonista femenina de Machuca, esa adolescente irreverente de la cinta de Andrés Wood que dio la vuelta al mundo. Pues bien, esta vez la actriz pasa a situarse detrás de las cámaras debutando por primera vez como directora con una cinta llamada “1976”. Esta narra la realidad de Carmen (Aline Küppenheim), una mujer que vive una vida bastante acomodada durante el Chile en la dictadura. Su esposo médico, tiene hijos y varios nietos y acude a su casa de la playa a pasar las vacaciones de invierno. Es ahí cuando el sacerdote de la familia y amigo de Carmen, le pide que en secreto ayude a un joven herido llamado Elías y ella acepta en su sentido humanitario descubriendo que el joven es un detractor de la dictadura que esta en su búsqueda que complejiza ese mundo interno de Carmen del deber , la moral o simplemente generar un despertar emocional que la lleve adelante.
Debo decir que la cinta de Martelli se cocina a fuego lento, la cámara sigue con muchos primeros planos a Carmen (Aline Küppenheim), que esta excelente en su actuación de esta mujer afligida, que quiere hacer algo más con su vida que ser la perfecta dueña de casa de clase acomodada. Ve en esta posibilidad sentirse parte de un momento histórico y entregarle algo de emoción a su vida.



La película con aires de misterio y thriller, huye de los escenarios cargados de morbo que provocan las agresiones, persecuciones y los toques de queda, más bien recurre con mucha sutileza de una heroína en un mundo pequeño donde en el telón de fondo están pasando muchas cosas que prefiere no absorber, excepto en esta petición efectuada por un cura. El film es lento y tranquilo, pero se palpíta en el un poco de tensión constante gracias a su banda sonora complementado por largos silencios. Mención muy honrosa es su dirección de arte , producción y fotografía que parece de un grupo de realizadores avezados y no es el debut de Martelli en los largometrajes, algo más que auspicioso sumar a otra realizadora que le hace bien al cine chileno.
La cinta, que es una coproducción entre Chile y Argentina, se puede ver en Netflix y cuenta entre su palmarés haber participado en el Festival de Cannes, en la sección de Quincena de realizadores, es ganadora en BFI London Film Festival, como Mejor ópera prima y obtuvo en el Festival de Tokio, el premio como Mejor actriz para (Aline Küppenheim).

Un documental que aborda los inicios y sus más grandes obras musicales para el cine es “Ennio”, dirigido por el italiano Guiseppe Tornatore, director de “Cinema Paraíso” y “Malena”.
Esa emoción y tristeza de haber tocado la trompeta para poder comer en la post guerra en Italia o la desazón por no haber obtenido el premio Oscar por el sublime trabajo desarrollado en las bandas sonoras para la cintas “La Misión” o “Cinema Paraíso”, son aciertos que te quedan impregnados en la retina al ver este documental llamado “Ennio”, que se estaba desarrollando justo cuando vino la muerte del gran compositor italiano.
Dirige este trabajo, quizás unos de los cineastas que más colaboraciones tuvo con el artista, el también italiano que es Guiseppe Tornatore, que trabajaron juntos en “Cinema Paraiso”, “Malena”, “Baaria”, “La desconocida”, “La Mejor Oferta”, entre otras.
El mundo musical y cinematográfico se entrelazan en un relato maravilloso por parte del mismo Ennio Morricone en reveladoras entrevistas dadas al cineasta en la comodidad de su hogar y por parte de un grupo de artistas que van dando su testimonio de su trabajo como Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Joan Baez, Bruce Springsteen, Hans Zimmer, Dario Argento, Lina Wertmüller, Bernardo Bertolucci, Oliver Stone o Quincy Jones
Afortunadamente, la película es más que un resumen de los grandes éxitos ofrece un compromiso real con un personaje complicado, cariñosamente obstinado y modesto en su hacer y cuya inventiva cambió tanto su campo elegido como la canción por el de la música para películas que entró de mala gana y se convirtió en su vida donde cada diez años le decía a su esposa que se iba a retirar y nunca lo hizo afortunadamente.
Me pareció un tremendo trabajo el acertar esas entrevistas largas donde el maestro va recordando como fue invitado a muchas películas como “Los Intocables” o “Erase una vez América”, donde tenía sus dudas iniciales con su modestia donde no sabia si eran tan buenas sus obras pero que funcionaron muy bien con las imágenes en movimiento y oscuridad de las salas de cine.
El recordar esas melodías con las imágenes con Robert de Niro como cazador de indígenas en “La Misión”, o la demolición del cine en “Cinema Paraíso” son momentos únicos muy emotivos que solo un genio puede lograr. También Sean Connery muriendo baleado en “Los intocables” de Brian de Palma o Sean Penn en una balacera final en “Tiro de Gracia”, donde el soporte de sus partituras son elementos clave para el funcionamiento del arte en movimiento que cuesta borrarlos de la memoria fílmica. Asimismo “Malena” con Monica Bellucci o Robert de Niro en “Erase una vez América” de Sergio Leone, generan mucha nostalgia y son una y otra vez revisados por sus directores y colaboradores del músico. Este en sus inicios fue catalogado como un compositor comercial y señalado por funcionar solo para los Spaguetti Western como “Por uno dólares más” o “El bueno, El Malo y el Feo”, pero que le abrieron las puertas al cine y a lo que vino después que es perpetuarse en la memoria colectiva de mucha gente que disfruto de películas y rescata momento junto a sus creaciones que viven en muchas nuevas generaciones.
Morricone, el hombre de los anteojos gigantes y la originalidad en sus partituras, recibió dos Oscar, uno por su trayectoria y otro muy merecido y algo tardío en los “Ocho más odiados” de Quentin Tarantino. Justicia tarda pero llega también con este imperdible documental que ronda en muchas páginas en internet.

Por estos días de pandemia se recomienda ver cine en plataformas y destacamos a “Chicas Perdidas”, un potente drama derivado del periodismo de investigación que fue tras un asesino en serie de mujeres en Long Island donde las autoridades no tuvieron un exhautivo trabajo.

La pandemia hace que Nexflix siga adquiriendo derechos de varios film para estrenarlos a nivel mundial. Esta vez lo hicieron con una cinta estrenada en el festival de Sundance llamada “Chicas Perdidas”, que ya se estrenó hace un par de semanas y que permite apreciar en casa un terrible drama de un grupo de mujeres desaparecidas que a la policía no le importo mucho por tratarse de trabajadoras sexuales que no tuvieron la debida diligencia, más aún cuando se trataba de más de media docena de chicas
La cinta basada en la novela de Robert Kolker, quién es un periodista de investigación que desarrolló un minucioso trabajo testimonial con las familias de las mujeres desaparecidas, pone en la memoria esos preocupantes crímenes que al parecer estaban inconexos pero sorprendió la poca prolijidad de la policía y de una sociedad que juzga demasiado.
La cinta de la directora Liz Garbus, habituada a trabajos documentales, tiene un aura muy sombría y muy bien lograda, te transporta de inmediato a esa oscuridad que viven las familias de las chicas no encuentran eco en la policia ni la sociedad pero si en el hambre de los medios de comunicación. La dirección de Garbus es efectiva, generando una sensación de temor creciente con las presunciones y temores van en aumento y se trasladan hacia los espectadores
Protagoniza este trabajo Amy Ryan, que es Mari una de las madres de las chicas la cual tiene un pasado complejo y prontamente comienza a jugar un rol clave en toda la investigación , acechando a la policía, asumiendo incluso labores de casi detective y líder de más de una docena de familias que se unen para que se les brinda igualdad y dignidad que se merecen esas chicas para que no sean olvidadas independiente de su ocupación o clase social.
En los roles principales, junto a la solvente Amy Ryan, a quién vimos en “Desapareció una noche” junto a Morgan Freeman está la joven actriz Thomasin Mckenzie, a quién recordaremos como la pequeña judía en la premiada “Jojo Rabbit”. Junto a ella encarnando al jefe de la investigación esta Gabriel Byrne, recordado cura en la cinta de terror “Stigma” y en la magnífica “Los Sospechosos Habituales”
Este cine recomendable, reflexivo y basado en hechos reales lo que genera preocupación sobre los que de cierta forma, sienten que la justicia a veces tiene marcadas diferencias dependiendo contactos, clases sociales quedando muchas veces la gente más humilde desprovista y poco visible hacia el resto de la sociedad y autoridades.

El film familiar “Jojo Rabbit”, fue sin duda una de las sorpresas de la temporada con sus seis nominaciones al Oscar con su particular visión de la Alemania Nazi y que consigue a través de los ojos de un niño que participa de las juventudes hitlerianas.

La cinta “Jojo Rabbit” se sumerge en el último año del régimen de la Alemania Nazi y propone mirarla desde dentro del país germano a través desde los ojos de un grupo de niños pero en particular de Jojo de 10 años, que acude a las escuelas del régimen. En ella su director el neozelandez Taika Waititi (Thor: Ragnarok ), lo hace de una forma muy juguetona y excéntrica para adaptar la novela de Christine Leunens. Este nuevo integrante de Hitlerjugend (Juventud Hitleriana), es un antisemita devoto, aunque él y su mejor amigo, acuden gustosamente a esta escuela donde aprende a como lanzar una granada, matar animales, odiar a los judíos y lo hace no solo con la ayuda de sus particulares profesores sino que el secreto mejor guardado de este pequeño es que tiene un amigo imaginario que es nada más y nada menos que el propio Adollf Hitler, encarnado por el mismo director del film Taika Waititi.
La cinta es presentada como una sátira que esta contra el odio y con un claro mensaje hacia la intolerancia, presenta a Adolf Hitler como un personaje más torpe que el demagogo genocida que conocemos y genera más de un punto controvertido que alguna vez Chaplin toco sin éxito en su cinta “ El Gran Dictador”. La película hace poco para educar sobre las monstruosidades específicas de la Alemania nazi. Pero la pasión por la tolerancia sigue siendo sincera es el gran logro de su realizador encontrar la forma de dar paso desde la comedia satírica a convertirla en una denuncia de la maldad del régimen y donde la bondad se impone ante tanta tozudez y persecución. La realización es sin duda un film familiar que funciona con algunos altibajos debido principalmente a esta mezcla de comedia absurda y drama, con la cual se juega al límite por momentos pero funciona muy bien por el tránsito desde la locura, la maldad y la bondad que representan ciertos gestos ocultos de la madre del menor que es mejor descubrir viendo el film que comentarlos acá. La gran edición, la muy buena ambientación de época y sobre todo el tremendo grupo de actores infantiles y otros muy consolidados lo hacen un film llevadero y muy entretenido que debe ser visto.
Punto aparte para Scarlett Johansson que encarna a Rosie, la mamá de Jojo, que desde que irrumpiera en la cinta “Perdidos en Tokio”, es quizás uno de sus mejores años en el cine con el superéxito de “Avengers End Game”, con esta doble nominación a los premios Oscar como actriz protagónica en “Historia de un matrimonio” y esta como mejor actriz de reparto por haberle brindado la calidez, la magia y sentido humano que necesitaba el film que fue ganador del Oscar mejor guión adaptado, nominado a seis premios de la Academia, incluida la mejor película y fue ganadora del Premio People's Choice en el Festival Internacional de Cine de Toronto 2019.

La novena cinta de “Star Wars, el ascenso de Skywalker”, tiene un ritmo trepidante pero es innegable el apresuramiento y falta de profundidad que la transforma en un forzoso cierre que merecía algo mejor.

Llegue a ver la novena entrega de Star Wars la cual cerraría un ciclo que se abrió en 1977 con ese tremendo éxito de George Lucas que redefinió el cine de ciencia ficción para siempre. Lo hice a una sala de 4DX, esas donde la butaca se mueve con la cinta, el 3D impresiona, agua, olores se dejan sentir sobre el espectador aumentando la sensación de vivirla mejor con las peleas laser o vuelos del Halcón Milenario lo cual no es una mala experiencia que por momentos algo excesiva
La última de las trilogías a cargo esta vez de la compañía Disney con la dirección de J.J. Abrams(Lost), sin duda ha tenido muchos altibajos. Saldo a favor lo establecen los personajes de Rey y Kylo, los efectos especiales espectaculares, el diseño de vestuario, la música de John Williams que sigue encantando y el reencuentro con leyendas como Leia, Luke y Han Solo. Tambien es conmovedor ver a Leia pasarle el poder a Rey, cuyo ascenso muestra la película siguiendo sus propios instintos.
En contra de esta trilogía, es que tiene que muchos personajes secundarios que carecen de profundidad en sus historias, calcos de otros episodios vividos en las sagas de los ochentas y agregándole forzadamente diversidad racial e incluso algunos cameos de género que permite adaptarse a los tiempos actuales. Otro punto en contra lo constituye el guión, el cual no cierra del todo, muchos giros forzados con romance secreto, lazos sanguíneos que siguen apareciendo y por sobre todo algunas peripecias espaciales como correr a caballos sobre una nave imperial un poco fuera de toda lógica espacial. Ni decir el poco aprovechamiento de la aparición de Billy Dee Williams que regresa como Lando, el general que no habíamos visto desde 1983, Retorno del Jedi.
En esta última entrega la trama continua Rey (Daisy Ridley) que sigue su entrenamiento de fuerza, ahora bajo la tutela de Leia (Carrie Fisher digital). Por su parte, el Líder Supremo Kylo Ren(Adam Driver) se consume con la búsqueda del mal supremo en la galaxia con varias batallas épicas con la guerrera no quiere tomar la mano del lado oscuro recibiendo órdenes del emperador Palpatine (Ian McDiarmid) que está decidido a poner a Rey en sus garras antes de que ella pueda completar su entrenamiento.

Más de cuarenta años y nueve episodios en preparación para este cierre que lamentablemente cayó en apresuramiento comercial, que con frecuencia se siente como si a nadie realmente le importa lo que persiguen los personajes logrando que la fuerza se apague anticipadamente generando un hasta pronto a estos nueve episodios que dejan la puerta abierta a los “spin-off” o historias paralelas del universo Star Wars como la excelente “Rogue One” y la poco satisfactoria “Solo”.