Los tokiotas se muestran anonadados ante la presencia de una chica que salta al vacío y flota, pero luego vuelven a la rutina del móvil, al mundo tecnológico, pero ignorantes de que ese sea quizá el ultimo atardecer que vean en sus vidas y es aquí donde Shinkai hace una secuencia magistral donde hace un alarde de entendimiento pleno de la puesta en escena, de manejo del ritmo con el montaje y de comprensión narrativa de la música, porque Radwimps y Jinnouchi hasta ese momento habían hecho que el tema de los terremotos sea presentado con voces naturales y al pasarlas al sintetizador hacen una declaración tan categórica como en su día lo hizo James Horner con Titanic, de que la ingeniería que ha sido fuente de dicha también puede atrapar a las voces y condenarlas a la muerte; en un caso con el barco que no podía hundirse y aquí con los titanes de acero que intentan tocar el cielo, por eso los únicos seres que pueden escapar y ver la calamidad que esta por acontecer son los más apegados a lo natural y lo demuestra el director con un inolvidable plano detalle del ojo de un cuervo, que alzará vuelo en unos momentos, solo Suzume y la familia de Souta son los humanos que pueden ver el tamaño del monstruo por también mantener esa cuestión espiritual en el caso de ella por el redescubrimiento de esa dimensión y en el caso de él gracias a conocimientos heredados por el linaje familiar

Tras la aparición de Serizawa y de que se ofrezca de chofer Shinkai explora otro tono, uno más cercano a la reciente Drive My Car, aunque las pistas ya se venían anunciando desde que Suzume se sube en su bicicleta roja al inicio de la película, luego con cada persona que le ofrece ayuda siempre lleva algo rojo en sí, porque la esencia de la película de Hamaguchi muy aparte del duelo y el análisis de la pérdida es también un viaje que indefectiblemente nos llevara al lugar de origen, al Génesis de todos nuestros problemas para poder así sanar, es ese auto rojo que tiene que recorrer las arterias de la nación para llegar a aquello que preferimos olvidar, a esa Hokkaido nevada en el caso de Misaki o a esa Tohoku desolada en el caso de Suzume donde ambas tienen que visitar a un fantasma, a la madre, y donde ambas hallaran su catarsis. Por otra parte, en ambas películas, el sonido cumple una función vital, en la primera con una Oto resucitada que dialoga con su esposo a través de las cintas de casete recitando a Chéjov y aquí con las canciones de, auto que declaman los conflictos de tía y sobrina de forma implícita, ambas siendo usadas no de forma aleatoria sino con un propósito narrativo mayor, la exploración de sus personajes.

También en esa llegada a Tohoku marca el encuentro con la puerta final, con aquella que cierra el desarrollo de su protagonista y que apunta a un desarrollo doble ya que está marcado por la presencia de la silla. Este es un objeto capital en la película y es tanto el punto de la interacción de Suzume con su madre como con Souta, ya que en ella debe apoyarse la protagonista para crecer, ya sea cuando tenia 4 patas y estaba viva o cuando tenga 3 y sea ella la que deba encontrar el perfecto equilibrio y quien la ayudara en eso es este muchacho, ya que ella también debe experimentar la inestabilidad amorosa de la adolescencia, donde las hormonas hacen tambalear a uno, por lo que la búsqueda de ese amor también será parte de esa búsqueda de esa estabilidad emocional y será gracias a ese amor la que permita sacar a Souta de ese destino trágico heredado de la tradición familiar, porque en esa decisión también esta una de las claves del director, la lucha constante contra lo ya establecido.

Por último, llegamos encuentro clave, que le da sentido a este viaje emocional y es el encuentro con si mismo, donde pasado y presente se hermanan para darle a esa huérfana un arma en la cual se tiene que valer por si misma en la vida, la silla con tres patas, y la joven Suzume la deja culminando su búsqueda de estabilidad y partir a un futuro dichoso,

En su primera mitad maneja con elegancia la narración siendo el punto de vista crucial en su estructura hasta que se revela el secreto de narrador siendo este en lugar de fortalecer el relato lo vuelve farragoso, como toda la secuencia de México pasando a ser un mero ejercicio de virtuosismo. Siendo predecible esos últimos veinte minutos de epílogo. También es de extrañar el uso de la parte sonora siendo los efectos de una extrañeza que interrumpen la cadencia del relato.

Tampoco el que escribe es entusiasta de ponerla en los altares de la animación europea reciente, quizá por el arribo reciente de dos obras maestras de la animación gala pero si es una recomendación bastante apreciable debido al riesgo asumido especialmente en su primera parte donde el dibujo es el arte de la memoria.

Emparentada temáticamente como profesionalmente con The Killing Fields, obra maestra de Roland Joffé, ya que ambas tratan sobre el tema del genocidio Camboya por parte de los comunistas y ambas son óperas primas de sus directores, el francés opta por unas formas más clásicas que recuerdan al Spielberg de la también magistral Empire of the Sun y en los usos del plano general recuerda mucho a Lean por su expresividad, también del británico rescata ciertas ideas conceptuales de Doctor Zhivago, ya que lo totalitario nunca podrá matar al amor y la belleza.

Es el amor el mayor eje temático de la obra, el amor por la familia, por la pareja y por la progenie perdida. Lo primero es manifestado desde los momentos iniciales, reunidos todos en la cena ante una paz manifestada tanto en lo externo, en esas calles llenas de vida y pequeños corriendo como en lo interno, esos espacios familiares como aquel encuadre donde se presenta a ese microcosmos con la mirada perdida hacia esa paz exterior, posteriormente en las escenas del obligado escape esta se reúne, conversa, manifiesta esa unión, pero con una desesperación por el futuro incierto, recuerda mucho a las formas de Polanski en The Pianist, sobretodo en su inicio.

La historia de la relación marital es la de mayor carácter expresivo, convirtiendo a los pequeños gestos, las acciones contenidas en muestras de la más alta poesía, una escena en particular cobra un significado que se manifestará a lo largo de la obra ese plano corto con sus personajes de perfil donde el esposo sopla moviendo los delicados cabellos de su esposa con el viento, a través de este gesto tan simple pero narrativamente importante se nos irá marcando el tono de la historia y como esto irá repercutiendo en sus protagonistas, como en la secuencia final. El amor filial es otra de las máximas expresiones artísticas de la película, los personajes miran hacia arriba como esperando una esperanza de reencuentro, la lluvia condensa la agonía de la tristeza, con close up llenos de potencia visual, en el reencuentro es el encuadre quien habla, dejando que los movimientos de los personajes creen la emoción verdadera, por ejemplo.

Sovanh en su odisea por sobrevivir busca la belleza de la vida también manifestada en la banda sonora de Thi­bault Agyeman donde acordes más agradables lo hacen resistir el horror que presencia, busca la compañía de una lagartija o unos patos en un riachuelo, esto es lo que más la hermana con la obra de Spielberg, pero también la compañía humana como de aquella niña que junto a él intenta sobrevivir como en esa categórica escena donde este le da una flor y está es rota por el golpe del bastón del uno de los guardias y en aquella donde su sacrificio se muestra fuera del plano dando una de las escenas más tristes de la animación reciente, reflejada en los ojos de Sovanh.

La otra temática central de la película es el horror, siendo este sugestivo, se manifiesta en la expresividad de los rostros de las víctimas, en los sonidos de los fusiles, en los brillos de la pólvora al estallar, siendo estos elementos visuales y sonoros potentes al igual que poderosos en las formas cinematográficas, también se manifiesta el horror interno, siendo esta en el horror a perder toda esperanza cuando una de las integrantes opta por el suicidio después de ser abusada, ese horror también se manifiesta en la madre de esta muchacha al ver los pies de su hija colgando de la rama de un árbol y el horror ante lo incierto del futuro, como cuando tiene que cruzar aquel rio lleno de minas al inicio o cuando la lluvia condensa el temor a subirse al bote que los aleje de su hijo.

Una esperanza contenida abraza el final del film con ese plano general que luego la cámara hace un traveling hacia la distancia inmensa que les queda para llegar a Tailandia simbolizado aquel camino inmenso que tuvo que pasar el pueblo camboyano para sobrevivir al horror y que nosotros no debemos olvidar jamás.

Alguien entendió el final para mi es una realidad alternativa donde Norimichi y Nazuna se van a Tokio