Whiplash se erige como uno de los mejores filmes del 2014. Nominación al Oscar, excelentes críticas y todo esto más que bien merecido. La dirección de Chazelle, llena de clase, sutileza y maestría refleja no solo la esencia jazz inherente a la cultura norteamericana, sino que refleja los sentimientos de sus protagonistas. Miles Teller texturizando a un personaje cuyo esbozo psicosocial se ha visto miles de veces, pero tambíen haciendo un reinicio total, como si fuera la primera vez que el cine nos brinda a un Andrew Neiman. Sin embargo, el reconocimiento unánime se lo lleva el explosivo J.K Simmons, en un recorrido masoquista-emocional que no es para nada fácil de digerir.

El resto del reparto cumple con su parte, de buena manera, con actuaciones más que correctas.

Principalmente, le encontré el encanto a Whiplash, por Whiplash. Una banda sonora que hará las delicias de los amantes del jazz. Mi debilidad por la percusión jazzistica quedó patente en una crítica a Birdman, alabandola como uno de los mejores trabajos de percusión que había degustado en una película. Y la verdad es que Whiplash, cuando no le supera, le llega muy cerca. Un 10 en banda sonora.

Volviendo a la dirección, coño, cuanta clase. Especialmente las escenas iniciales reflejando la oscuridad de la noche y la verdadera esencia del jazz clásico, la calle. Una dirección soberbia. Y, ¿de esa toma inicial que decir? Vaya, al parecer la grabación secuencial se ha vuelto la nueva moda en Hollywood, y... cuanto me gusta.

Probablemente la única pega de la película sea el guión, que por momentos (y con razón) puede resultar muy predecible, obvio, y común, y, es precisamente por ello que no le doy un diez. Pero, de igual manera, se la recomiendo a todo el mundo, una película que cala más hondo en unos que otros, pero qué, sin dudar a dudas, es hermosa.

Buen trabajo Damien Chazelle.

Un filme divertidísimo. Se mueve entre la sátira, el cine bélico (Anti) y el de los atracos. Si bien, su historia resulta algo predecible, especialmente en su tramo final, es en su forma y sentido del estilo donde destaca. El trabajo de dirección, montaje y fotografía es exquisito y alivia muchísimo el ritmo.

Las interpretaciones y la banda sonora tienen un altísimo nivel y, por el contrario que la mayoría de las películas de su año, encuentro a Three Kings como una de las esenciales y menos industrialmente manufacturadas.

No se trata de ninguna manera de una obra maestra cinematográfica, pero como cine pop es sobresaliente. Una película excepcionalmente buena para ver de cuando en cuando y pasarla bien.

Me he dado cuenta de lo defenestrada que fue por muchos en tanto a su tramo final, por considerarle demasiado efectista y/o patriótica. No sé qué esperaban de una comedia bélica de alto presupuesto made in Hollywood.

El meta-chiste de toda la cuestión reside en lo entretenidísima que volvió David O. Russell a la guerra más aburrida de la historia.

Yo estoy más que satisfecho.

Rashomon suele tildarse históricamente como la primera gran obra maestra de Kurosawa. Fuera de cualquier debate cinematográfico respecto a la validez de tal afirmación, sorprende tanto por su sentido de la estética como por su durísimo comentario sobre la manipulación informativa, el nihilismo absurdista de Camus o Sartre trasladados al Japón Feudal, y un trabajo de montaje, dirección y fotografía exquisitamente compuesto.

Sus logros cuando contextualizados en su marco histórico se vuelven muchísimo más impresionantes; teniendo en cuenta la naturaleza de la producción cinematográfica a nivel mundial durante la época es perfectamente comprensible como pasó rápidamente de ser la película de exportación número uno de Japón, a una de las más grandes películas de su autor; mérito que por redondeo la convierten en una de las mejores películas de la historia.

Su abordaje del tema de la comunicación (la tergiversación de la misma) impiden el envejecimiento de la cinta. Cada día más nos debemos como especie el trabajo de brindarnos comunicación de manera ética, funcionalmente informativa. Porque, como bien expresa el lenguaje cinematográfico de Kurosawa, el que hayan tres versiones de los hechos no lo vuelven menos difícil de comprender.

Resonante a borbotones con nuestra generación presa del frenesí mediático, el desamparo existencial y la soledad crónica.

Sam Hargrave tenía años perfilándose como uno de los talentos más consistentes para filmar acción en el Hollywood moderno. Su trabajo como diseñador de acción en la escuela marvelita no pasó desapercibido, y he aquí el resultado. Con Extraction, las riendas de la dirección quedan a su merced. Escrita y producida por los Russo (guión como excusa), Hargrave da una clase magistral, lastrada por un lamentable guión que hace rima antagónica a su acción, bellamente filmada.

Hay más positivos que negativos. La propuesta de Hargrave es cine de género que disfrutarán más aquellos que busquen acción descomplicada en la escuela de McTiernan, yo estoy encantadísimo con el resultado final.


Excepto cuando no lo estoy. Pues el problema con la película de Hargrave es que su guión "solemnísimo" juega en contra del ritmo de la acción. Cuando la película no es una joya de género, se arrastra penosamente en las arenas movedizas del melodrama, y su tramo final (con todo y metáfora climáctica) se estira de una manera insoportablemente formulaica, para nada favorecida por una banda sonora que no me sorprendería si me dicen que es de dominio público.

Leí cómo algún crítico la catalogaba como un "vehículo para Chris Hemsworth", pero qué va. En este filme, Chris Hemsworth es el vehículo para el lucimiento de un director/ coreógrafo/ editor y stuntman que hace unas piruetas y virguerías maravillosas dentro de una caligrafía visual clara. Sam Hargrave DEFINITIVAMENTE conoce el lenguaje de la acción. Y si, es de las películas más divertidas que puedes ver durante el encierro. Eso si, yo he quedado algo decepcionado conociendo el perfil de este hombre.

Espero que este debut le permita pasar a proyectos más interesantes.

The Two Popes fue una sorpresa para mí. No es cine sobre la Fe según la brújula intelectual, pero tampoco desde el panfletarismo religioso. La dirección de Meirelles apunta quirúrgicamente al estudio de UN personaje, que es Francisco Bergoglio. Y por dicha mirada es que triunfa.

Un Anthony Hopkins bestial como de costumbre se apropia de la idiosincracia mental de Joseph Ratzinger (Benedicto XVI). Pero es Jonathan Pryce la guinda del pastel.

Tuve que revisar al menos tres veces que se tratase efectivamente de Jonathan Pryce. Impecable como argentino.

La película Justifica el activismo dentro de la fe competentemente. No es infalible, por supuesto. Su tratamiento de la homosexualidad y los casos de violación por sacerdotes es terriblemente superficial (quizás por miedo a la audiencia, quizás por el bien de la narrativa).

Aun así, le queda un destello político que la posiciona en un palco interesantísimo de películas que no condenan abiertamente al catolicismo y sin embargo promueven la reforma de los valores católicos tradicionales como ventana a la voz de Dios.

Algo nada fácil de hacer y que se presta para hacer el ridículo metafísico. Ahí reside otro de los grandes logros de la cinta: la manera en la que logra retratar la Fe del Jesuita sin ser aleccionante ni sosa. Una especie de nouvelle vague católica con afán documental. Meirelles atina de lleno con la dirección de todo el asunto.

Trascendental, divertida y quizás no tan históricamente precisa como pudo haber sido, pero aun así, para ser CINE JESUITA, de lo mejorcito que se ha hecho jamás.

Recomendadísima.

(Reminder: cuidado con los jesuitas)