The Watchers es una película profundamente influenciada por las tradiciones góticas y fantásticas, que fusiona estos géneros con elementos de la mitología eslava para crear un universo interno que refleja un tema de oscuridad femenina, posiblemente perdida u oculta. La dinámica de los personajes remite a la obra Drácula, con personajes llamados Mina y Lucy, que evocan la dualidad de la feminidad: Mina representa a la mujer moral, contenida, mientras que Lucy encarna la oscuridad pasional y desbordada.

La película también explora temas de identidad y dualidad, tomando inspiración en la rica tradición de la mitología eslava, donde las figuras femeninas, a menudo conectadas con la muerte, el inframundo y la transformación, juegan un papel central. Esto incluye a deidades como Kali, Perséfone y Rusalka, todas ellas representantes de espacios liminales entre la vida y la muerte, de manera similar al mito del vampiro.

La narrativa entrelaza estas ideas a través del conflicto de la guerra entre humanos y hadas y la noción de seres trascendentes cuyos poderes son cortados del mundo, como el destino de las hadas. La película sigue la historia de Mina, quien descubre la naturaleza divina y mestiza de Madeleine, lo que lleva al "despertar" de sus alas, tanto literal como simbólicamente, y la reconciliación entre ambas personajes.

Los personajes de la película, particularmente Madeleine, resuenan con la figura de Baba Yaga de la mitología eslava, una figura ambigua y ancestral que transita entre la luz y la oscuridad, entre la vida y la muerte, lo que refuerza la conexión temática con la transformación y los ciclos de vida, muerte y renacimiento.

En su exploración de estos complejos temas, The Watchers reflexiona sobre el retorno de un poder perdido y trascendente a través de la experiencia femenina, presentando un viaje de autoconocimiento y reconciliación, con una resolución más oscura, pero finalmente esperanzadora.

Descansar en Paz (dirigida por Sebastián Borensztein) es un melodrama de misterio de ritmo lento que logra captar el interés en su primera mitad, pero pierde fuerza emocional a medida que avanza la historia.

La película sigue a Sergio Dayan (interpretado por Joaquín Furriel), un empresario al borde de la quiebra. La fábrica que heredó de sus padres está en ruinas, y no tiene dinero para pagar sus deudas ni a sus empleados. La presión aumenta cuando un prestamista peligroso lo acorrala, exigiendo el pago inmediato de una deuda.

El giro ocurre cuando, mientras compra un collar para su hija, Sergio se ve atrapado en la explosión de una bomba en la AMIA, en un crimen de odio que conmociona al país. En un intento desesperado por escapar de sus problemas, decide fingir su muerte y huir a Paraguay, donde adopta una nueva identidad. Consigue trabajo en una empresa de importación y comercio, dejando atrás a su familia, pero asegurándose de que estén bien económicamente mediante una póliza de seguro de vida.

Si bien el inicio es prometedor, con la tensión creciendo lentamente, la película pierde su impacto emocional en la segunda mitad. A medida que la trama avanza, las apuestas emocionales se diluyen y, cuando finalmente llega el desenlace, resulta anticlimático e incluso incoherente. Lo que podría haber sido una exploración profunda de la culpa, la supervivencia y la condición humana, termina con un giro final forzado y ridículo.

En resumen, Descansar en Paz tiene un buen comienzo, pero tropieza al no lograr una conclusión satisfactoria y emocionalmente resonante. Es una película que comienza con tensión, pero se cierra con un final ridículo y poco creíble para lo que se fue planteando.

Dirigida por Fritz Lang, Scarlet Street es un oscuro y trágico estudio psicológico sobre la corrupción moral y la manipulación. La película sigue a Christopher Cross (Edward G. Robinson), un hombre modesto y solitario que se ve envuelto en una espiral de engaños y tragedias tras conocer a Kitty March (Joan Bennett), una mujer manipuladora, y a su amante, Johnny Prince (Dan Duryea). A medida que su obsesión por Kitty crece, Cross comete actos cada vez más desesperados, hundiéndose en su propia ruina.

Uno de los temas centrales de la película es la moralidad y el engaño. Cross, que inicialmente parece un hombre honorable, se corrompe gradualmente debido a su inseguridad y su necesidad de ser amado. En contraste, Kitty y Johnny representan la codicia y la manipulación, explotándolo sin remordimientos. Lang juega con la idea de que nada es lo que parece, tanto en la historia como en su estructura narrativa, donde las apariencias engañan y la percepción de la realidad es constantemente distorsionada.

Visualmente, la película utiliza el claroscuro característico del cine negro para reflejar la ambigüedad moral de los personajes. La iluminación tenue, las sombras profundas y los ángulos de cámara expresivos crean una atmósfera opresiva y claustrofóbica que refuerza el deterioro emocional y psicológico de Cross. Su relación con Kitty es una exploración de cómo la ilusión del amor puede llevar a la autodestrucción, mostrando cómo el deseo puede cegar y corromper.

En última instancia, Scarlet Street no solo es una historia de crimen y fatalidad, sino también una reflexión sobre la percepción y la subjetividad. Lo que los personajes creen ver está moldeado por sus propias proyecciones y deseos inconscientes, lo que los lleva a interpretar la realidad de manera sesgada, con consecuencias trágicas.

Con una narrativa implacable y una estética visual impecable, Scarlet Street es una obra maestra del cine negro que sigue resonando por su exploración de la desesperación humana y la inexorable caída de su protagonista.

Esta encantadora comedia romántica dirigida por William A. Seiter reúne a Fred Astaire y Rita Hayworth en una historia llena de humor, romance y deslumbrantes números musicales.

Astaire interpreta a Robert Davis, un bailarín estadounidense cuya pasión por las apuestas en las carreras de caballos lo ha dejado en la ruina. Por su parte, Hayworth da vida a María Acuña, la hermosa hija de Eduardo Acuña (Adolphe Menjou), un acaudalado y estricto dueño de un club nocturno en Argentina. Eduardo, determinado a ver a sus hijas casadas en orden de edad, envía notas de amor anónimas a María para animarla a encontrar un esposo adecuado.

Sin embargo, a través de una serie de cómicos malentendidos, María cree que Davis es el autor de las notas y los regalos. Eduardo, con la esperanza de resolver la situación, contrata al empobrecido Davis como posible yerno. Aunque Davis inicialmente rechaza la idea de ser un "esposo comprado", termina enamorándose de María, lo que complica aún más las cosas.

La película destaca por la magnífica banda sonora de Jerome Kern, cuyas melodías inolvidables sirven como telón de fondo para las impecables coreografías de Astaire y Hayworth. La química entre ambos protagonistas es innegable, mientras que Adolphe Menjou aporta humor y carisma como el peculiar patriarca con ideas algo extravagantes.

Como es habitual en las películas de Astaire, la trama puede parecer ligera, pero el verdadero deleite radica en los números musicales. Las interpretaciones de Astaire y Hayworth deslumbran con su gracia y elegancia, dejando al público maravillado con cada paso de baile.

Con un elenco encantador, una historia divertida y una música excepcional, esta película es un clásico que combina romance, comedia y arte en su máxima expresión. Una experiencia imperdible para los amantes del cine y la música.

Es un drama social notable que destaca no solo por su temática audaz para la época, sino también por ser el debut no oficial como directora de Ida Lupino. Originalmente dirigida por Elmer Clifton, Lupino asumió las riendas del proyecto tras un ataque cardíaco que sufrió Clifton apenas tres días después del inicio del rodaje. Aunque permitió que Clifton conservara el crédito, Lupino demostró un control excepcional sobre la narrativa, anticipando su posterior impacto como directora en Hollywood.

La película sigue la historia de Sally Kelton (Sally Forrest), una joven camarera de 19 años atrapada entre los tabúes sociales de su época y sus propios deseos. Sally se enamora de Steve Ryan (Leo Penn), un pianista carismático y ambicioso. Tras una breve noche juntos, Steve abandona el pueblo y ella lo sigue, rechazando el afecto de un veterano de guerra herido (Keefe Brasselle), quien representa una opción más estable y convencional. Cuando Sally descubre que está embarazada, se enfrenta a una serie de conflictos internos y externos que ilustran las limitaciones sociales impuestas a las mujeres en los años 40.

Uno de los mayores logros de Lupino es su capacidad para abordar temas como la maternidad no deseada, la culpa social y las opciones restringidas de las mujeres con una sensibilidad y realismo inusuales para la época. En lugar de recurrir al melodrama convencional, Lupino adopta un enfoque casi documental, utilizando close-ups tíernos e íntimos para capturar la vulnerabilidad y la pasión impráctica de Sally. Una de las secuencias más memorables ocurre en un hospital, donde una alucinación de Sally se convierte en una obra maestra del expresionismo de bajo presupuesto, reflejando su confusión y angustia.

La transición de Sally desde un pequeño pueblo a la gran ciudad simboliza su lucha por liberarse de las restricciones sociales y las expectativas de su vida previa. Sin embargo, esta búsqueda de libertad también la expone a los juicios y estigmas de una sociedad que castiga duramente a las mujeres que desafían las normas establecidas.

"Not Wanted" también es destacable por su ritmo ágil y una dirección sensible de los actores, que aportan matices y humanidad a sus personajes. Sally Forrest ofrece una actuación especialmente conmovedora, transmitiendo la lucha interna de su personaje con una autenticidad que eleva el material.