La obra maestra de Kurosawa. Una película tan enorme que es imposible de cubrir tanto en una como diez reseñas. Difícil de ver; desoladora. Demoledora. Una tragedia operática que de entre todos los temas que abarca en su mordida con colmillos afilados como katanas ninguno corta tanto como el de la condición humana más primitiva y prevaleciente de todas: la soledad.

Técnicamente sobresaliente en todos sus apartados, con interpretaciones que dan de lleno en el tono shakesperiano sin traicionar la tradición japonesa; una eminentemente dramática y capaz del mejor teatro humano que en nuestra condición somos capaces de brindarnos a nosotros mismos: dolor, muerte y miseria (乱). La historia se repite y así ha sido durante milenios. Así seguirá.

El hombre nace llorando, ¿cómo más ha de morir?

John Carpenter es, indudablemente, un director de culto. En momentos puntuales bateó un jonrón, como con The Thing o Halloween, pero el grueso de su obra (y lo más interesante) es lo que se encuentra entre sus fracasos críticos y comerciales más estrepitosos, al menos al momento en que fueron producidas.

¿Un director adelantado a su época? No lo creo, Carpenter, aun teniendo un sentido de la dirección y la estética cinematográfica exquisito, no es de forma alguna una encarnación de otros tipos más vanguardistas como pudo haberlo sido Kubrick, en su momento. Por el contrario, Carpenter es un director efectivo, y precisamente por eso, In the Mouth of Madness es uno de los logros trascendentales de su carrera.

Con un guión tildado de burdo y estúpido al momento del lanzamiento de la película, Carpenter armaba una obra maestra del horror pop, reconciliando uno de los formatos más desconocidos al gran público de cualquier medio: el horror cósmico de H.P Lovecraft.

Valiéndose de una estética totalmente lovecraftiana (aun sin tener los derechos como para referenciar directamente su mitología) , confeccionó una de las obras maestras de horror de los noventas, la mejor película lovecraftiana de toda la historia, y uno de los comentarios más endiabladamente ácidos respecto al estado de la cultura pop, la teoría de género, la religión y el capitalismo.

Nunca me ha gustado destripar los momentos esenciales de una película, ni siquiera por motivos de una reseña cinematográfica. De hecho, prefiero escribir a modo de comentario sobre lo que una película representa tanto para mí, como para mi concepción del medio y demás constructos sociales que formen parte integral de mi vida.


Por ende:


Es una obra maestra, y si no has leído In the Mouth of Madness, de Sutter Cane, no te preocupes: la película está por salir.

Clint Eastwood es un director de gran sensibilidad. Su obra cinematográfica ha confirmado esto de manera incremental a lo largo de los años, al igual que su capacidad de rodar de manera sumamente eficaz, convirtiéndole en uno de los directores más económicos de la industria en toda la historia. Su obra puede dividirse en al menos tres etapas bien diferenciadas, aunque para un servidor, la presente (cuyo inicio marca Río Místico) es la mejor etapa del director.

Durante la vejez, el señor Eastwood ha creado un cuerpo de trabajo de una ternura áspera absolutamente demoledora, que llegaba a su punto más alto con Gran Torino en el (ya lejano) 2008. Sin embargo, con The Mule, me ha quedado algo claro que antes sencillamente no veía con tanta nitidez.

Los miedos más profundos de este hombre son los mismos de Earl Stone. Miedos que solo son concebidos por aquellos que transitan el crepúsculo de la vida. El arrepentimiento a las palabras no dichas, al contacto familiar menospreciado. Miedo del tiempo y su acción sobre el cuerpo y la mente (el propio y el ajeno).

Clint Eastwood con La Mula hace su mejor película desde Gran Torino. Conjura su maestría del cine clásico, analógico, con sangre nueva en la edición y el montaje cual alquimia para armar una película que desde el primer momento es consciente de su "añejamiento" como si fuese un vino fino. Precisamente porque Eastwood es consciente de la figura que representa a su edad en el medio.

Su interpretación es brillante, para nada gratuita y profundamente consciente de su efecto en la mente. El comentario es cercano y atemporal, a la par de preciso. Una película incapaz de envejecer con el paso de los años, algo todavía más sorprendente dado que el tema central de la película sea la vejez. Una de las grandes de Eastwood, sin pretenciones, a sabiendas de que es una película pequeña con aspiraciones similares a las de una persona atravesando una situación similar.

Cine que cada año escasea más, no por idealizar el pasado, sino porque cada vez quedan menos hombres como Clint. Recomendadísima.

Decepcionante. Una lástima que el único momento en que logra estar a la par de la mítica cinta de Carpenter (que cabe mencionar no solo era una obra maestra del horror comercial dada la época, sino de caligrafía visual y plasticidad depuradísima) sea la escena de créditos iniciales, con la calabaza. Es que nisiquiera el prólogo de la película funciona, y se va por el efectismo del horror contemporáneo marca Blumhouse.

Lo mejor de la película es definitivamente la banda sonora compuesta por Carpenter y su hijo. Además, la actuación de Jamie Lee Curtis es muy buena. Del resto, se queda corta en todo respecto. Tiene tufillo de fanfilm directo a YouTube, aunque a fin de cuentas esa siempre ha sido una de las bazas de esta casa productora.

Podría ser peor, aun así, supone una de las mayores decepciones del año.

Un desastre. Ese soplo de aire fresco para variar un poco del "cine panfletario" tan asociado a Venezuela no vale la pena en lo absoluto, teniendo en cuenta que esta película "atípica" (no sé para quién coño, porque no es más que un compendio de clichés) es peor que la mayoría de producciones nacionales que se van por el tan trillado (pero eterno) tema de la denuncia social.

Como pasamos de Chalbaud, de Novoa, del nuevo cine venezolano tan divisorio pero tan cohesivo artísticamente a esta "escuela" del pseudo-estilo y la gratuitidad absoluta.

Humor estúpido, actuaciones paupérrimas y dirección de videoclip. Esto no es cine. Esto no es una película. Esto no es humor.

El único momento que rescato de la película es la toma aérea del valle de Caracas y nisiquiera estoy seguro de que haya sido una toma aérea porque parece una maqueta de cartón. Aun así, es el momento visualmente más estimulante en todo este desastre.