Uncovered (La tabla de Flandes) es una película dirigida por Jim McBride en 1994 con guión de Michael Hirst, Jim McBride y Jack Baran sobre la novela de Arturo Pérez Reverte. Interesante acercamiento al mundo de la restauración en torno al cuadro del primitivo flamenco Pieter van Huys pintado en 1471 donde observación y lógica de la restauradora Julia Darro (Kate Beckinsale) aplicadas al proceso en el restablecimiento de la obra, le lleva a un hallazgo sorprendentemente oculto.

Las consecuencias del descubrimiento en ‘La tabla de Flandes’ genera una cascada de impredecibles consecuencias en torno a tres personajes centrales que intentan encontrar respuestas a las incógnitas surgidas durante el proceso de limpieza y rehabilitación de la pintura: la restauradora, Cesar (John Wood), y Domenec (Paudge Behan), generando incógnitas de alguna manera relacionadas con el contenido oculto del cuadro.

La película deja al descubierto cierto desequilibrio interpretativo entre los diferentes personajes mediante la asunción de los correspondientes roles y la empatía aplicada a las caracterizaciones convirtiéndose en un elemento interpretativo muy importante, tanto como saber desligarse de ella. Resulta difícil seguir las diferentes actuaciones por cuanto en algunos casos pecan por exceso, o por defecto.

En cualquier caso la idea original del escritor todo y presentar un intrigante y prometedor inicio, el desarrollo de la historia se pierde en un abrupto galimatías de escenas que desequilibran esta interesante intriga en la que predominan dos ejes fundamentales: el interés histórico y por tanto valorativo de la obra, y los intereses personales enfrentados y dispersos en demasía.

La restauración como elemento dinamizador de la rocambolesca historia es interesante, muy interesante por cuanto se trata de una trama poco tratada en cine; otra cosa son los resultados finales conseguidos por Jim McBride mediante los diferentes recursos, entre los cuales: el flashback, barridos en primerísimo plano, plano detalle y el acercamiento en busca de respuestas desde el análisis simbológico oculto de lo representado en el cuadro mediante la disposición de los personajes algunos de los cuales como Don Manuel (Michael Gough) y Álvaro (Art Malik) tienen mucho que decir.

Les sous-doúes (Los cateados) es una película del director y guionista Claude Zidi realizada en 1980. Formado en técnicas cinematográficas, centra principalmente su carrera en el género de la comedia aportando algo más de la veintena de títulos entre los cuales: Les Ripoux (1984), su incursión en los queridísimos personajes Hergé: Astérix y Obélix contra el César (1999) o la película que nos ocupa de corte estudiantil que en los 80 gozó de cierto éxito en taquilla, hasta el punto que generó una secuela.

El guión de Michel Fabre, Didier Kaminka y Claude Zidi, generó una serie de historias recurrentes aglutinadas en torno al polémico grupo de estudiantes mediante temas tratados a menudo en este tipo de género: la aceptación, el enfrentamiento, el novato, el primer amor, el rechazo, el origen social, los enfrentamientos, el dominio, la sumisión o la rebeldía entre otros motivos tratados desde el prisma de la comedia.

Claude Zidi sitúa Los cateados en un enrarecido ambiente donde el éxito es el fracaso consciente y continuado que los estudiantes de un liceo escolar pretenden perpetuar. La directora del centro, Lucie Jumaucourt (María Pacôme), en su afán por cambiar los resultados académicos redirige la orientación pedagógica; por otro lado, el profesor León Jumaucourt (Hubert Deschamps) fiel defensor de una enseñanza algo diferente, tiene el afán de solucionar las cosas desde la simple evolución de las clases.

Las artimañas del estudiante alteran el curso natural de las asignaturas por medio de múltiples travesuras, provocando situaciónes límite que deberán solucionarse desde la intervención judicial mediante una propuesta que no podrá ser rechazada. El Comisario (Michel Galabru), convertido en uno de los ejes centrales de los acontecimientos, tratará de hacer valer su punto de vista de la situación creada. Tampoco debemos olvidar a los progenitores quienes tendrán mucho que aportar a los problemas creados.

No debemos olvidar en este alocado metraje grandes personajes del cine francés tan emblemáticos (además de los ya mencionados) como Daniel Auteuil en el rol de Baptiste ‘Bebel’ Lavalle, el veterano Raymond Bussières como Gaston o la atractiva Katherine Erhardy como Jeanne Hamilton entre el numeroso elenco de destacados intérpretes.

Animal Crackers (El conflicto de los Hermanos Marx) es una película dirigida por Victor Heerman en 1930. Director, guionista y productor, Heerman, tras escribir y dirigir comedias cortas se esfrascó en el largometraje entre los cuales Animal Crackers, además de un extenso y considerable trabajo como guionista.

La nueva temporada social, anuncia a toda página el retorno de arriesgado explorador sin miedo a nada… el Capitán Jeffrey T. Spalding (Groucho Max) y el mecenas Roscoe W. Chandler (Louis Sorin) que aprovechará la ocasión para exhibir sus logros ante la anfitriona señora Rittenhouse (Margaret Dumont) quien no ha dudado en organizar el evento en su exuberante residencia con numerosos invitados, algunos de los cuales son algo peculiares.

El visible y fiel mayordomo Hives (Robert Greig) prepara al servicio advirtiéndole de las inminentes visitas a la residencia de la señora Rittenhouse. Entre los preparativos llega la primera de las importantes visitas esperadas: un famoso cuadro acompañado por Roscoe W. Chandler que entre halagos a la anfitriona, no deja de dar indicaciones para la ubicación de la obra que será expuesta a los comensales.

Entre el alborozo inicial se anuncia la llegada del valiente explorador precedido por su ayudante de campo Horatio Jamison (Zeppo Marx) que no pierde tiempo en anunciar las exigencias del peculiar explorador acompañado por algún incidente en el transporte solucionado, como no, a la manera de Groucho sin mayor problema, eso sí, acompañado del número musical correspondiente tras la declaración de sus principios morales entre alegres notas musicales.

A la fiesta no podían faltar los músicos: el señor Emanuel Ravelli (Chico Marx) y El Profesor (Harpo Marx) recibidos en sendas secuencias en las que podemos disfrutar de los incomparables diálogos entre Spalding, Ravelli y el ruidoso Profesor, solucionando alguna escena coral donde la confusión domina la situación, solucionada con la natural atracción del profesor hacia las cariñosas conquistas.

Otras visitas se unen a los diferentes invitados como la señora Whitehead (Margaret Irving) y la señorita Grace Carpenter (Kathryn Reece) con una travesura artística en mente que cambiará el sentido general de la fiesta entre monólogos y sustanciosos diálogos de Spalding enrarecido en un inquietante ambiente por una travesura con la obra expuesta del famoso pintor Beaugard, mientras Ravelli y El Profesor hacen de las suyas entre interminables diálogos y escenas, algunas de las cuales son referentes ineludibles de los Hermanos Marx.

En cualquiera de sus películas, Groucho nos regala sabiduría, destreza de pensamiento, agilidad verbal y saber estar ante todo tipo de situaciones de las que de alguna manera, suele salirse utilizando como vehículo (además alguna coreografía) sus frases, de las que Animal Crackers no se salva:… no, mejor, vean este destacado metraje de los Hermanos Marx y descubran algunas de sus geniales frases… ¿de supervivencia?... de nuestro bigotudo protagonista; por cierto, los amantes del arte, deberán sufrir algo con la famosa pintura que une por igual expectación y interés que podrían hacer girar el destino de algunos protagonistas.

Edison, the Man (Edison, el hombre) es una película dirigida por Clarence Brown en 1940, con guión de Talbot Jennings y Bradbury Foote sobre la historia original de Hugo Butler y Dore Schary (coautores del guión El joven Edison rodada en el mismo año), música de Herbert Stothart y fotografía de Harold Rosson. La declaración de principios con la que da comienzo esta fascinante película, nos acerca al tipo de persona que encajaría socialmente según el pensamiento del filósofo trascendentalista Ralph Waldo Emerson.

La celebración del cincuentenario aniversario de la luz 1879-1929, no desvía la actividad de Thomas A. Edison (Spencer Tracy), enfrascado en la entrevista de los jóvenes periodistas Nancy Grey (Ann Gillis) y John Schofield (Jay Ward), donde nos enteramos, entre otros temas, de la exitosa fórmula según la cual, ciertos porcentajes son de suma importancia para conseguir sus logros.

El cambio de escena nos traslada hasta el lugar del homenajeado, momento que lleva a Edison a recordar su pasado de tenacidad por conseguir lo que su conciencia investigadora le empujaba a realizar, convirtiendo sus recuerdos en un gran flashback mediante un fundido encadenado muy bien resuelto, llevándonos hasta una escena de exteriores donde el despiste y la confusión llevan a Edison a reencontrarse con su amigo Bunt Cavatt (Lynne Overman) que en su día le hizo alguna promesa no resuelta, un personaje que no entiende muy bien el verdadero sentido de los inventos. La suerte para Edison la encuentra en Ben Els (Henry Travers) a quien le muestra algo en lo que lleva pensando mucho tiempo: una nueva energía electromagnética.

Un indicador de cotizaciones, un secretario algo presuntuoso y cinco minutos de entrevista con el gerente señor Taggart (Gene Lockhart) y el General Powell (Charles Coburm) cambiará el destino de nuestro inventor, pero antes deberá pasar por un incidente pasado por agua, una cuenta difícil de pagar, y la repetición de un acontecimiento que le acercará a la señorita Mary Stilwell (Rita Johnson) a la que le unirá algo más que una amistad por medio de un flirteo que viaja en morse.

Al tomar forma el laboratorio de Thomas A. Edison, su proyecto, centrado fundamentalmente en los resultados sobre la luz, reúne a un numeroso grupo de colaboradores entre los cuales Michael Simon (Felix Bressart), ’Acid’ Graham (Milton Parsons) y el aprendiz Jimmy Price (Gene Reynolds) en quien Edison se ve reflejado en su lejana etapa inicial.

Las contrariedades, las interminables pruebas de ensayo y error, les hacen pasar por situaciones comprometidas a las que el amigo Bunt Cavatt aportará su punto de vista. Solo el tiempo dará finalmente con los resultados deseados después de enfrentarse a contratiempos, incomprensiones y algún desafecto no deseado que no debilitan la voluntad del inventor. Con esta equilibrada película Clarence Brown da sentido a la historia de un gran hombre que supo enfrentarse a todo tipo de sinsabores, dándonos una lección de supervivencia y superación que le llevó a ser el inventor que iluminó la oscuridad.

The young ‘Tom’ Edison (El joven Edison) es una película dirigida por Norman Taurog en 1940, guión de Hugo Butler, Bradbury Foote y Dore Schary, música de Edward Ward y fotografía de Sidney Wagner. Familiar inicio de una película que a lo largo del tiempo ha cosechado interés y admiración por lo que representa: el afán de superación basado en el reconocimiento representado en el joven Thomas Alva ‘Tom’ Edison (Mickey Rooney).

Tras alguna secuencia costumbrista, donde la intervención del cartero local el señor Waddell (Clem Bevans) nos da paso a la intimidad de la familia Edison en mitad de algún que otro experimento casero de ‘Tom’ y algún otro que se le va de las manos; nada es motivo suficiente para dar salida a sus inquietudes, incluso bajo la presión de la señora Lavinia Howard (Elly Malyon).

La película evoluciona entre cables de cobre, la ley de la gravedad, el gas volador, pruebas y más pruebas, reprimendas y algún negocio ferroviario. La constante tozudez de Edison por encontrar respuestas a las constantes incógnitas planteadas buscando “las causas no los efectos”, es una constante en sus jóvenes experimentos entre diccionarios científicos y libros técnicos que tratan temas de su interés como la filosofía natural, las investigaciones sobre electricidad y algo de historia.

La formación de Edison no conoce límites, incluso en la delicada situación en la que se anuncia un serio conflicto: con la ayuda del señor Nelson (Eugene Pallette) nuestro protagonista se las ingenia (con algunas consecuencias no deseadas), ayudar a su manera; acciones que hacen crecer la desconfianza del señor Samuel ‘Sam’ Edison (George Bancroff) sobre su hijo, haciéndole dudar sobre su verdadera vocación.

La situación de incomprensión, le impulsa a buscar otras vías para tratar de ayudar y sentirse útil. Con la desconfianza instalada, el realizador nos lleva hasta uno de los momentos más sublimes de la película que por sí solo se convierte en la máxima expresión, en el paradigma de la inquietud de Thomas Alva Edison, con el permiso del doctor Pender (Lloyd Corrigan), lo que hará que la intuición del inventor fluya de forma espectacular hasta el punto de encontrar la solución a un problema de luz para una solución de urgencia.

Si a todo lo anterior añadimos la situación extrema de un tren y el modo de solucionar las diferencia con el tendero el señor Dingle (Victor Kilian) y su hijo Joe ‘Joey’ Dingle (Bobby Jordan), ponen el broche a una emotiva película donde el realizador enfrenta la incomprensión de la ignorancia colectiva a la intuición de una mente inventora sin límites. El razonamiento final nos deja el edificante discurso del reconocimiento a una mente brillante que tanto hizo por la humanidad, dejando gran lección de vida en beneficio de la ciencia y la evolución.