Una reflexión sobre identidades y apariencias, esta obra explora cómo lo externo define lo interno y viceversa. En el centro, un hombre marcado por la neurofibromatosis decide borrar su pasado tras un cambio físico milagroso. Pero su nueva vida choca con una obra teatral escrita por su vecina, que romantiza de forma superficial el sufrimiento que él intenta dejar atrás.

La película propone una dualidad perturbadora: el deseo de aceptación frente al daño que generan las representaciones idealizadas. Apoyada en un trío actoral sólido y una dirección que mezcla horror psicológico y sátira, la trama navega entre los dilemas de la autoimagen y el pasado que nunca se termina de enterrar. Sin embargo, el ritmo tambaleante y giros argumentales forzados debilitan su impacto, sobreexplicando temas en unos momentos e introduciendo abruptos giros difíciles de entender que merecen más explicación.

Dividida casi en dos mitades, el primer acto muestra el anhelo de una vida inaccesible debido a una condición física. En el segundo, el protagonista, tras reinventarse, observa cómo su antiguo yo se transforma en arte idealizado, desatando un conflicto entre el rechazo y la nostalgia por aquello que despreciaba. La aparición de un reflejo de su pasado que amenaza con suplantarlo culmina en una exploración sobre cómo las personas limitan su potencial al quedar atrapadas en sus percepciones más íntimas.

Pese a sus tropiezos narrativos, la película acierta al plantear una compleja mirada sobre las capas de la identidad y la lucha constante entre quiénes somos y cómo nos ven los demás.

Adaptación cinematográfica del aclamado musical de Broadway que reimagina la historia de El Mago de Oz desde la perspectiva de las brujas. El subtítulo "Parte 1" deja claro que se ha dividido en dos entregas, probablemente más por razones comerciales que artísticas. La trama explora la relación entre Elphaba (Cynthia Erivo) y Glinda (Ariana Grande), abordando temas como la amistad, la identidad y la tensión entre aceptación social y autenticidad.

La película bebe profundamente de la imaginería de la cinta de 1939, un guiño que encantará a los fans del clásico, pero puede dejar descolocados a quienes no lo conozcan. Aunque la narrativa es lo suficientemente clara para cualquier espectador, los desconocedores de Oz podrían percibir que algunos detalles pierden fuerza.

En lo temático, destaca su reflexión sobre los puntos de vista: ¿qué hace a alguien "malo"? La respuesta invita a la empatía, revelando cómo los gobernantes manipulan masas fabricando enemigos comunes. Lectura política sorprendentemente aguda. También se presenta una metáfora sobre las luchas de clases, con los animales representando a los diferentes y perseguidos, añadiendo profundidad emocional al relato. Otras reflexiones que desliza es la alienación social frente a las personas diferentes, y la necesidad de los diferentes en encajar en la sociedad sin perder su propia esencia.

Sin embargo, la decisión de dividir la historia afecta al ritmo. Al limitarse a la mitad del relato, esta entrega se siente alargada, y por momentos aburrida.

Visualmente, es un espectáculo grandilocuente de tonos pastel y escenarios mágicos, aunque la dirección, demasiado funcional, que permite demostrar la gran inversión que es la película, pero también impide que la película tenga personalidad propia. Sin embargo, el carisma y la química entre Cynthia Erivo y Ariana Grande son el ancla que sostiene el conjunto, logrando brillar ellas entre tanta brillantina y lograr no ser devoradas ante tanta saturación visual.

En definitiva, esta primera parte deja sensaciones encontradas: es tan interesante como poco reveladora, tan entretenida como funcional. Aunque los problemas de ritmo y el exceso de confianza en las referencias le restan impacto, el cierre climático logra cumplir con lo prometido, dejando la puerta abierta para una conclusión que, esperemos, esté a la altura de su ambición temática.

En un sofocante cuarto de jurados, doce hombres deciden el destino de un joven acusado de asesinato. Lo que parece una deliberación rápida se transforma en una batalla de prejuicios, convicciones y emociones. Con un guion en tiempo real y un único escenario, la película revela la fragilidad de la justicia a través de quienes la ejercen.

La puesta en escena, aparentemente limitada, se convierte en un recurso magistral. Las tomas cerradas, los encuadres que se estrechan y la iluminación que intensifica las tensiones logran que el espacio reducido se vuelva asfixiante. Sidney Lumet sitúa el drama en las palabras y los rostros, pero el aire teatral se ve afectado por interpretaciones que rozan el histrionismo, reduciendo en ocasiones la sutileza emocional.

Los personajes no son individuos complejos, sino arquetipos que encarnan prejuicios y dilemas éticos con una pureza que simplifica el conflicto. Esta abstracción, aunque didáctica, permite que el mensaje trascienda lo particular y aborde temas universales sobre la moral y la justicia, pero indudablemente le quita realismo a la película dándole un tono moralista que roza el sermón. Al mismo tiempo, subraya con precisión cómo la mayoría no siempre tiene la razón y cómo las verdades asumidas socialmente pueden ser falacias disfrazadas de consenso.

El ritmo, impecable, crece con cada confrontación. Pero el verdadero logro de la película está en cómo convierte una deliberación judicial en una reflexión sobre las predisposiciones humanas y la peligrosa comodidad de nuestras certezas. Más allá del sistema judicial, nos recuerda la importancia de cuestionar aquello que damos por sentado, incluso cuando desafía al pensamiento dominante o nos pone en contra de lo establecido.

Hay películas que desafían las expectativas, y esta es una de las más emblemáticas. Lo que comienza como una historia de suspense aparentemente convencional se transforma de manera sorprendente, cambiando varias veces su enfoque narrativo, sus puntos de vista y hasta su género. Cada giro no solo desconcierta, sino que construye una atmósfera de incertidumbre en la que parece que cualquier cosa puede suceder.

Detrás de esta obra maestra está Hitchcock; un director que orquesta cada elemento con precisión quirúrgica. La secuencia de créditos, diseñada por Saul Bass, marca desde el principio un tono perturbador, con líneas fragmentadas que evocan tanto la fragmentación psicológica como la tensión que atravesará toda la película. La música de Bernard Herrmann, con sus icónicos violines, no solo acompaña la acción, sino que la intensifica hasta un punto de casi insostenible nerviosismo.

Un detalle fascinante es cómo se construyó el misterio alrededor del estreno: una campaña publicitaria que pedía al público no revelar nada y, sobre todo, evitar llegar tarde. Esta estrategia no solo alimentó el interés, sino que consolidó su aura de enigma. Desgraciadamente, la fama de ciertas escenas las ha hecho tan icónicas que es difícil ver la película hoy sin conocer de antemano algunos de sus momentos más impactantes. Aunque eso no resta mérito a su capacidad para mantenerte en vilo.

¿Es perfecta? Probablemente no. Los personajes secundarios carecen de la profundidad que se le otorga al protagonista, y el epílogo, con su explicación psicológica, se siente innecesario al verbalizar algo que ya había quedado claro visualmente. Pero nada de esto impide que sea una obra maestra que redefinió el cine de suspense y el terror psicológico.

La sensación de peligro constante, la maestría visual y sonora, y su audaz estructura narrativa hacen de esta película una experiencia imprescindible. Aún hoy, logra que miremos con otros ojos lo cotidiano, recordándonos que bajo la superficie de lo más común puede esconderse lo más aterrador.

Un melodrama atrevido para su época, adentrándose en el tema tabú de la drogadicción cuando apenas se permitía hablar de alcoholismo. La historia sigue a un exconvicto y heroinómano que lucha por reconstruir su vida, equilibrando el drama personal con un poderoso comentario social.

Frank Sinatra, pese a las reservas que pueda generar su figura pública o como actor, sorprende con una interpretación honesta y convincente. Su retrato de un hombre atrapado entre la esperanza y la desesperación es uno de los puntos fuertes de la película. Preminger, por su parte, aporta sensibilidad y crudeza en una puesta en escena que refleja la presión de un entorno opresivo, reforzada por la banda sonora jazzística de Elmer Bernstein, que encapsula la lucha interna del protagonista.

Lucha interna que representa la dualidad del personaje. Su "brazo de oro" es tanto su futuro (ya que su salida puede ser su talento como baterista), como su perdición (ya que es la vía de entrada de la heroína que se inyecta y lo consume). Este contraste entre lo que lo eleva y lo que lo destruye simboliza el dilema central de la película: la lucha constante entre sus aspiraciones y las cadenas que arrastra.

Sin embargo, todo ese mérito de construcción y crudeza se desmorona de un plumazo en su absurdo y precipitado final. La seriedad con la que se aborda el problema se viene abajo a pocos minutos del desenlace, que introduce una solución simplista y redentora (Made in Hollywood) donde la fuerza de voluntad se presenta como el milagroso remedio a la adicción. El protagonista (y ahí se entiende por qué Sinatra aceptaría el rol) supera sus problemas con el espíritu elevado y un listado de soluciones fáciles, como si todo pudiera resolverse de golpe. Abrupto, precipitado, forzado y hasta infantil, este desenlace desmorona toda la tensión acumulada y revela un filme que no se atreve a sostener la valentía que define gran parte de su metraje. Una pena, aunque también un primer paso hacia un cine de denuncia social que tardaría más en asentarse.