Preciosa película rusa de 1957, dirigida por Mikhail Kalatozov con Alekséi Batálov y Tatiana Samóilova como protagonistas de una trágica historia de amor rota por la guerra.

La frase: Esta es una película absolutamente visual por lo que quizás la frase la tenga que dar la cámara: el cabello de Verónika mecido por el viento en la escena junto al rio.

La escena: Casi al final donde Verónika busca a Boris entre miles de personas en la estación, es el drama de una profunda tristeza que se va creando y que además contrasta terriblemente con la euforia y la felicidad del entorno, la puesta en escena es poco menos que espectacular con miles de personas y un tren que simboliza la fuerza, el heroísmo, el sacrificio que ha significado una guerra.

El momentazo: Memorable es la escena en que él sube corriendo la escalera y durante los 4 pisos la cámara lo acompaña en un giro bellísimo y espectacular, todo un alarde técnico que en 1957 se hacía de manera mecánica y sin trucos, además es acompañado por la música de Mieczysław Weinberg (gran musico polaco judío que emigró a Rusia para salvar la vida de los nazis), música que inspira alegría pero también presagia inquietud.

La actuación: Personajes auténticos y emotivos sobresaliendo Tatiana Samoilova cuyo bello rostro sabe reflejar todos esos intensos sentimientos que el guion la obliga a vivir y que se va transformando de la juvenil alegría y entusiasmo a la sombría realidad de la vida y de la guerra.

No cabe duda que lo mejor de la película es su deslumbrante fotografía en blanco y negro de una calidad pocas veces vista, Kalatozov y Uruzevski se dan vuelo ideando las más variadas formas de filmar y consiguen una obra maestra de la fotografía que va desde lo mas simple (la forma en que el viento hace revolotear la cabellera de la gente o los planos con rostros que llenan la pantalla) hasta lo más complejo (la escena de Verónika corriendo entre los árboles es de una plasticidad difícil de igualar), también es maravillosa la escena en la que la misma Verónika corre entre multitudes, sube y baja de autobuses y pasa por los sitios más difíciles y en todo momento la cámara permanece junto a ella filmándola de cerca y en planos muy bellos, esa escena que, además de perfecta fotográficamente hablando, es de una intensidad bárbara para el guion y la historia.

En resumen, una película que no debe dejar de verse por muchas cosas, muy especialmente la actuación de Tatiana Samóilova y el impresionante trabajo de fotografía.

Muy interesante película de John Frankenheimer (“El tren”, “El hombre de Alcatraz”) un director muy comprometido con el temor por la guerra que en esta obra nos plantea algo inquietante ¿un golpe de estado fascista en los EEUU? (más inquietante cuando medio siglo después toma actualidad mientras todos contemplamos a esa horda de salvajes atacando el capitolio azuzados por un expresidente populista).

La frase: “Patriotismo, lealtad y sentimiento son los EEUU”…bonitas palabras, arenga apasionada, publico enloquecido…. ¡que fácil resulta engatusarlos agitando la banderita y un poco de populismo!.

La escena: La escena del coronel “Jiggs” (Kirk Douglas) en su casa, escuchando el discurso por TV y luego dirigiéndose al teléfono encajaría de maravilla en cualquier película del cine negro.

El momentazo: De nuevo Kirk Douglas cuando su jefe el general Scott “Burt Lancaster” le dice: ¿conoce la historia de judas? Y la respuesta es “Sí, era un hombre a quien admiraba hasta que deshonró las 4 estrellas de su uniforme” (ouch).

La actuación: Posiblemente entre tanta estrella haya brillado Edmund O´Brien (ganador de un Oscar 10 años antes a esta película y cara familiar de las series de TV), el senador Clark que bebe más de lo que sería recomendable pero que es siempre leal al presidente y a la constitución.

La película es sólida por todos los costados, empieza con una excelente dirección que aprovecha muy bien el magnifico guion creado ni más ni menos que por Rod Serling (¿quién no recuerda aquellas fantásticas series de “Dimensión desconocida” o “Galería nocturna”?, si algo tenía Serling era creatividad e imaginación), buena fotografía y adecuada música de Goldsmith pero sobre todo un enorme elenco de estrellas, un Burt Lancaster que lo mismo sabe ser un juez alemán en el banquillo de los acusados (“Juicio de Nuremberg”), que ser un tortuoso militar de ideas fascistas, papeles que amplían su enorme repertorio (por lo general al lado de los buenos), un Kirk Douglas sumamente expresivo en este film (el camarógrafo se dio vuelo en los “close-ups”), una Ava Gardner poniéndole carácter a su imagen de diva seductora, un Edmund O´Brien ya mencionado o un Frederick March en el difícil papel del presidente acorralado por las circunstancias que sin embargo toma altura y pone las cosas en su lugar.

Intriga, suspenso a mas no poder con temas que, al ser factibles, resultan inquietantes para todos.

La frase: Hal: “Esta conversación ya no tiene sentido, adiós Dave”

La escena: El Dr Borman está en ese cubículo todo rojo, rodeado de miles de circuitos cristalinos desconectando a Hal mientras éste le pide parar y le dice que su mente se está yendo, es una escena que podría ubicarse no en el 2001 sino 1000 años después, mágica por la luz, el modernismo increíble y el diálogo trágico.

El momentazo: Esos casi 10 minutos de viaje psicodélico que transcurren cuando Borman tiene el contacto con lo desconocido en las cercanías de Júpiter, es impresionante el efecto logrado por la fotografía de Odisea la cual además concluye con la escena absolutamente surrealista de la casa donde distintas versiones del Dr. Borman se van viendo a si mismo más y más anciano, podrían haber dado al espectador una pastilla de LSD y quizás, el efecto hubiese sido similar.

La Actuación: Irónicamente el personaje mas humano resulta ser una máquina, así que la actuación corresponde al mismo, a Hal, sobre todo en su momento final cuando vislumbra su muerte (desconexión).

Analizar Odisea 2001 no es nada fácil, en su momento fue una película absolutamente vanguardista tanto fotográfica como conceptualmente y si en los 60s hubo gente que no la entendió a pesar de ser una época en la que el mundo estaba abierto a explorar y experimentar absolutamente todo lo nuevo, es de suponer que en este siglo XXI, mucho menos ambicioso intelectualmente, habrá mucha gente que no pueda con ella.

Stanley Kubrick fue un visionario y si uno analiza su biografía se da cuenta de que fue un hombre que siempre contó con información privilegiada, recordemos Barry Lyndon filmada con una cámara que costaba millones y que le prestó el gobierno de los Estados Unidos (las malas lenguas dicen que fue a cambio de filmarles los viajes del Apolo), recordemos la brutal y fascinante Naranja Mecánica y varias más. En Odisea 2001 hay hechos que demuestran lo anterior, algunos tan sutiles que es fácil pasarlos por alto, por ejemplo cuando los pilotos están analizando la pieza fallida en una pantalla y empiezan a verse muchos circuitos impresos, recordemos que estamos en los sesentas y es aun la época del transistor que apenas ha reemplazado a los bulbos (válvulas de vacío) sin embargo ahí aparecen nítidamente los circuitos impresos en una época en que las calculadoras apenas lograban multiplicar y dividir y los ordenadores eran unas monstruosidades con capacidades que hoy nos darían risa.

Odisea es tan rara que no necesita de grandes actuaciones, ni de actores famosos, ni de muchos diálogos, su sustento está en la magia visual absolutamente vanguardista y en un guion que se anticipa décadas y presagia cosas tan terribles como los peligros de la Inteligencia artificial o que de manera sutil satiriza sobre el típico secretismo de los gobiernos (particularmente el de los EEUU) o su cinismo inhumano al enviar a astronautas a Júpiter sin decirles toda la verdad y dejándolos a merced de un ordenador que acaba volviéndose en su contra.

Sí, posiblemente haga falta la madurez de los años que hace que las personas se muevan más despacio para entender y sobre todo para disfrutar de esta película pero una vez superada esa barrera la misma resulta mágica y única por muchas razones:

1. Porque marca un hito y establece un campo que se desarrollará enormemente con Star Trek, Star Wars y una infinidad de experimentos más.
2. Porque es una especie de Opera
3. Porque es efectivamente la odisea del ser humano
4. Porque su banda sonora es extraordinaria
5. Porque nos sustrae de la realidad, nos introduce en una especie de éter alucinatorio y sin explicarnos nada nos dice muchísimo.

La escena: Cuando Anne Margret está recortando las piezas del rompecabezas para que encajen donde ella quiere

La frase: “Para el verdadero jugador, el dinero no es el fin sino una herramienta, de la misma manera en que el lenguaje lo es al pensamiento”

El momentazo: Cuando en el momento álgido de la partida final se empatan los ojos del Jack de diamantes con los ojos de todos los presentes en un acercamiento dramático.

Actuación: La de la entrañable “Lady fingers” (Joan Blondell) que reparte cartas, tira puyas a E.G. Robinson y se crea su espacio propio en ese ambiente cien por ciento masculino.

En castellano le llamaron el rey del juego un titulo que resulta incompleto dado que el juego es en la película el vehículo para narrar toda una serie de dramas muy profundos:

El del joven brillante que quiere superar al viejo experimentado, duelo que proporciona muchas lecciones de lo valiosa que es la experiencia, algo que el mundo actual parece haber olvidado. El personaje de Cincinnati Kid nos recuerda un poco al Johnny Hooker de “El Golpe”.

El ricachón cínico, frio, infiel (Rip Torn, ¿lo recuerdan en “Hombres de negro” o en aquella entretenida comedia “El cielo próximamente”?) sin valores que solo vive para dominar y quiere destruir todo aquello que lo hace verse más débil que otros (el póker por ejemplo)

El hombre honesto pero débil (Carl Malden) que se ve obligado a hacer cosas que no quiere y en el proceso es despreciado por su guapísima pero irresponsable y vana mujer, una Ann Margret, que si 52 años después era aun una viejita seductora y atractiva (verla en “Un golpe con estilo” 2017), a sus 24 estaba simplemente espectacular.

Los infelices jugadores que están destinados a ser comparsas de los dos protagonistas con un Jack Weston que está todo el tiempo sudando y acaba explotando ante la presión, un Milton Seltzer que pasa el tiempo haciendo cálculos en su libretita o un tragicómico muy bien interpretado por Cab Calloway.

La chica bonita de pueblo que solo desea encontrar un hombre que la quiera y la saque del pueblo donde vive.

Y al final el gran hombre, un Edward G. Robinson que nos muestra una faceta mas en su larga carrera de interpretaciones desde aquellos gangsters del cine negro hasta este personaje elegante, tranquilo, bonachón pero despiadado en la mesa de póker.

Todos esos dramas excelentemente actuados por todo el elenco se complementan con un precioso tema musical de Lalo Schifrin, la voz del gran Ray Charles y un manejo fotográfico que resulta de mucho impacto con espectaculares “close-up” y contraluces. Mención especial merece el ambiente de esa Nueva Orleans, ciudad que no se parece a ninguna otra de los Estados Unidos con su ambiente afrancesado y de continuo blues que arranca desde la misma escena inicial donde la música del funeral acaba en un desfile desbordante de alegría, esa otra forma de ver la muerte tan poco entendida por el mundo caucásico.

En resumen, una buena película, con fondo, forma y además muy entretenida, una mas de Steve McQueen, actor que en su corta vida participó en películas muy interesantes y llego a ser la estrella mejor pagada del mundo.

Una buena película que no llamó la atención irónicamente debido a un título que para muchos era ambiguo: “Morituri” (De la antigua Roma los que van a morir te saludan).

La frase: ¿Qué es lo que prueban las guerras? Hombres, mujeres y niños son masacrados para que una generación después amigos sean enemigos y enemigo amigos y todo el estúpido circulo se repita de nuevo…

La escena: Excelente todo el montaje a bordo del barco

El momentazo: El capitán, orgulloso ve que su hijo militar ha hundido muchos barcos pero entonces se da cuenta de que uno de ellos ha sido un barco hospital…

La actuación: Creo que ambos protagonistas lo hacen muy bien destacando sobre todo Yul Brynner cuyo personaje es más intenso y dramático que el del frio y calculador Brando.

Excelente película bélica dirigida por Bernhard Wicki, música de Goldsmith y fotografía de Conrad L. Hall (nominado al Oscar que curiosamente le fue arrebatado por otra película a bordo de un barco “El barco de los locos”), en la que los “buenos” y los “malos” no coinciden necesariamente con nacionalidades o países sino con individuos que atrapados en la guerra reaccionan con nobleza y heroísmo o con fanatismo y brutalidad. Ambos bandos chantajean a los dos protagonistas para que efectúen acciones contrarias, ambos están inconformes, ambos tienen aun escrúpulos.

La fotografía en blanco y negro es muy buena con planos aéreos, interiores, exteriores, niebla, acción intensa a bordo, hay una escena en la que Donkeyman (Hans Christian Blech) corre a toda velocidad por la cubierta y nos da una idea de lo largos que son los barcos.

También está muy bien logrado el ambiente de la guerra en el mar donde no todo era disparar armas, a veces la estrategia, el camuflaje, el “bluf” o la paciencia eran las mejores armas y lo mismo aplica al muy astuto personaje de Brando (Robert Crain) que se mueve con sigilo y que debe improvisar en todo momento para lograr una meta que se antoja imposible.