Dicky Eklund (Christian Bale) fue un boxeador de la década de los 80 que es tratado como un héroe en su barrio por derrotar en un combate a "Sugar Ray"; sus dias de gloria ya han pasado y está metido en drogas y delincuencia. Micky Ward (Mark Whalberg) es su hermano pequeño, que se está abriendo camino como boxeador y tiene como entenador a su hermano Dicky. Además de todo esto, tiene como representante a toda su extravagante familia, con especial mención a la madre de ambos (Melissa Leo) .

Con estos ingredientes, David O. Russell realiza una corriente película sobre el deporte más cinematográfico. Pero no sólo habla de boxeo, "The fighter" es, además (y quizá sea éste el aspecto más interesante del film) una más que aceptable radiografía del entorno en el que se desenvolvían los hermanos: el barrio humilde que trata a Dicky como héroe; la posesiva familia que ve en Micky a otra gallina de los huevos de oro; la vida de Dicky ajena al entorno familiar y sus problemas con las drogas; y la novia de Micky que viene a poner un poco de orden a todo este caos que puede afectarle profesionalmente a su novio. En el centro de todo esto, encontramos a Micky y sus dudas sobre si su futuro profesional comienza con la necesidad de darle la espalda a su familia.

Pero más que todo esto, "The fighter" es Christian Bale. Sin dudarlo. Un Christian Bale inmenso, que (como he leido por ahi) consigue hacerle a Mark Whalberg lo que Heath Ledger hizo con él. Bueno, tampoco es que Marl Whalberg sea un rival digno, pero bueno, se entiende la metáfora... Y es que su sola presencia eclipsa al resto del reparto. Da la sensación que está un nivel por encima del resto de sus compañeros en el film. Brillante, comedido, creible. Consigue crear una empatía con el espectador dificil de separar. Y es que, además, nada más verle actuar sabes con certeza al 100% , que el Óscar secundario de ese año tiene nombre y apellido.

Del resto del reparto, destacar a una más que convincente Melissa Leo como la madre posesiva. Una actuación potente y muy alejada de aquella madre de "Frozen river" que le consiguió su primera nominación al Óscar. Su interpretación en "The fighter" me recuerda a la de una Holly Hunter de sus mejores momentos. Por el contrario (y pese a la nominación), no me convence demasiado Amy Adams como la novia de Micky; precisamente es su personaje (junto con un más que apático Mark Whalberg) los que hacen que "The fighter" no sea más de lo que podría ser.

Destacable es también el recurso del director de comenzar la película a través de que están rodando un documental sobre la vida de Dicky y su añeja victoria contra "Sugar Ray". Bale consigue enseguida trasmitirte su ilusón por el boxeo y que así tengás más interés en el film. Un acierto.

Como curiosidad, muy buena la escena de cuando Mark Whalberg y Amy Adams van al cine a ver... ¡¡BELLE EPOQUE!!. De risa... :-D

Lo mejor: Christian Bale y Melissa Leo, sin dudarlo. Y de escenas destacables, casi todas en las que sale Christian Bale, pero si me quedo con una, indudablemente, la escena cuando Dicky está viendo por televisión el documental que le han grabado como homenaje. Genial.

Lo peor: Las escenas de combate no me apasionaron en exceso. Mark Whalberg no está creible; sigues viendo a Mark Whalberg ponieno la misma cara... ruede lo que ruede. Una lástima que no hubiesen escogido a cualquier otro actor para el papel.

En fin, "The fighter" es una película recomendable para disfrutar de una lección de cómo se debe actuar a cargo de Christian Bale y Melissa Leo. Y, queridos publicistas, perdono lo de "La mejor película de boxeo desde Rocky", porque aunque la estética es muy parecida en ambas, está claro que "The fighter" está a años luz de "Toro salvaje" o "Million Dolars baby", por poner dos ejemplos...

Últimamente están proliferando producciones ambientadas en la Alta o Baja Edad Media: "Black Death", "Salomon Kane" o esta "Templario". Pero son producciones muy lejanas a aquellas joyas de los 80, como lo fueron "Excalibur" o "Los señores del acero". Entre estas dos magníficas películas, yo me he decantado siempre por "Los señores del acero" antes que por la, para mi, un poco snob "Excalibur". Es cierto que no hay nadie como Boorman para darle esa atmósfera siniestra a las películas, pero siempre hace hincapié en destacar esa faceta, dejando a un lado, digamos, el devenir la historia. En cambio, Verhoeven es mucho Verhoeven y él sí sabe combinar como nadie ambas facetas: un poco de estética siniestra e hiperrealismo de la época y bastante de puro entretenimiento.

"Black Death", "Salomon Kane" o "Templario", vendrían a ser puras series B al lado de aquellas obras maestras. Y es que se les nota la inspiración, si acaso estética, tanto de "Excalibur" como de "Los señores del acero". Y en "Templario", que es el caso que nos ocupa, hay mucho de la obra maestra de Verhoeven.

La película nos cuenta la famosa batalla del castillo de Rochester: varios Templarios se atrincheraron en él (Rochester era una ciudad clave para dominar tanto Londres como todo el sur de Inglaterra) y sufrieron durante meses el asedio de las tropas de Juan Sin Tierra. Estamos en el siglo XIII, en la época de la "Carta Magna" y la Guerra de los Barones.

"Templario", si algo tiene, es una muy buena ambientación para ser una producción de serie B. Las escenas de batallas es lo que la hace entretenida; no así, las escenas entre batallas, que se pierden entre la castidad del protagonista que es aún Templario (un carapalo James Puerfoy), la atracción hacia la mujer del noble (una excesivamente buenorra Kate Mara ), el noble dueño del castillo de Rochester (un correcto sin más Derek Jacobi) y la camaradería de los ex-templarios que ayudan a la causa.

Pero si destaca alguien en tema de actuación ese es un más que magistral Paul Giamatti como "Juan Sin Tierra" (pequeño, cabrón, soberbio, un rey como los de antes... simplemente magistral su monólogo donde despliega la ira todo su personaje). Le tendría en cuenta de cara a los próximos Óscar si no fuera porque esta producción no tiene más pretensiones que las de entretener. Me da que es una de esas actuaciones que ni los productores se esperaban al contratarle. Se le nota que está por encima del proyecto.

Lo mejor: Las escenas de batalla, las tácticas y estrategias de la época, algunas frases del guión en relación a los votos a Dios tanto de los templarios como de los matrimonios de conveniencia de la época. La escena de los cerdos. Las escenas gore explicitas que, aún así, no resaltan demasiado frente a la dureza con que el director rueda las escenas de la batalla. Y Paul Giamatti, sobre todo.

Lo peor: Que el guión decae entre batallas, perdiéndose un poco en temas romanticones que no se creen ni ellos mismos; aunque es el recurso del director para mostrarte lo que es ser un Templario; y, sobre todo, odio esa manía que se tiene por cambiar la Historia en pro de un final más o menos Holywoodiense. Una lástima...

En resumen, una película entretenida, que eso sí, pese a las 2 horas no se me hizo larga en ningún momento. Algo debe tener... Y algo debería de aprender el cine español de estas producciones, porque el Reino Unido no nos gana a Historia y parece que nuestra Historia simplemente se remonta a la Guerra Civil del 36...

De vez en cuando aparecen en el panorama cinematográfico películas transgresoras que llevan la polémica allá donde se exhiben. Ya ocurrió en su día con esa maravilla belga que fue "Ocurrió cerca de su casa" (1992), en donde asistíamos impasibles a las enseñanzas en el dia a dia de un asesino en serie. Rodada con cámara en mano como un falso documental en blanco y negro, el protagonista siempre hablaba a la cámara consiguiendo hacer cómplice al espectador de las atrocidades que llevaba a cabo. Aún hoy me impacta aquella escena del robo en una casa mientras nos explicaba el por qué hay que matar primero al niño. Y recuerdo que salí del cine bastante "tocado". Consiguió el premio a mejor película y actor del Festival de Sitges de aquel año...

Desde entonces, no recuerdo películas transgresoras de ese estilo salvo por alguna que otra escena aislada, como fue el caso de la ablación de "La pianista" de Haneke (más acorde con lo que nos encontramos en "A serbian film") o , por ejemplo, con la sobrevalorada escena de "Martyrs", (más gore que otra cosa aunque el revuelo que montaron me parece que fue más fruto del marketing que de otra cosa tipo "ambulancias en la entrada, desmayos en el cine y bla, bla bla..."). "A serbian film" sí es toda ella una película transgresora. Una película que se atreve a ir más allá de lo llamado "políticamente incorrecto"; pretende (y lo consigue) colocar al espectador en la tesitura de abandonar la sala o seguir hasta el final, que no es otra cosa que jugar con el espectador dentro del marco del terror hiperrealista. De hecho, es quizá la primera película en la que en el Festival de Sitges comunicó a los espectadores la devolución del dinero de la entrada a quienes abandonasen la proyección durante la película.

Y para conseguir eso, Srdjan Spasojevic lo envuelve todo dentro del marco de la pornografía, porque es precisamente dentro de ese marco donde toda perversión es fácilmente creible de cara a la galería (todo el mundo ha oido hablar de leyendas urbanas, de snuff movies, de redes pederastas, de mafias del porno, etc, etc... ). Y de cómo el sexo-amor se puede transformar en sexo-odio (o algo así). "A serbian film" va de todo esto. Cuenta la historia de un ex-actor porno (el mejor en su época) que decide rodar una última película por dinero. Mientras la está rodando se va dando cuenta que las escenas cada vez son más denigrantes que la anterior.... hasta límites insospechados.

Y el verdadero éxito de la historia (éxito para unos, bazofia para otros) está en la de mostrar esas escenas denigrantes dentro del más puro hiperrealismo; un hiperrealismo que logra dejarte con la angustiosa sensacióin de que de verdad estás asistiendo en la butaca a una de esas tan habladas "snuff movies". Hablo de brutales escenas que no dejan nada a la insinuación; que, por un lado, dan verdadero asco y repugnancia, pero por otro lado, están genialmente rodadas e interpretadas. En cierta manera, me recordó (salvando mucho las distancias y dejando a un lado lo polémico de las escenas) a lo que quiso contarnos Lukas Moodyson (sobre la degradación del ser humano y la sociedad) en la también angustiosa "A hole in my heart".

Pero eso sí, si algo hay que destacar de la película es la interpretación de cada uno de los actores (en especial la creible actuación de Srdjan Todorovic como Milos), así como la realización y la atmósfera opresiva que consigue traspasar la pantalla.

Lo mejor: La dirección y la puesta en escena, así como el mensaje entre lineas que te intenta contar. Y los últimos 15 minutos de una crueldad y una bestialidad tal, que te deja mudo; algo que nunca antes se ha hecho (ni creo que se vuelva a hacer) en el cine. Así como ese final para bordarlo todo. Destacar por ello, la valentía del director por querer contarte algo así, consiguiendo que tal vez sea la película recomendable que nadie quiera recomendar. Bueno, y no hay que olvidarse de cada una de las actrices que aparecen en la película. Un 10 para la belleza serbia, la leche... ¡vaya pibones! :-O

Lo peor: Quizá el giro argumental a mitad película, aunque es verdad que es la forma más rápida de mostrarte atrocidades sin sentido. Eso y un par de escenas demasiado fuertes para un público de festival, pero que consiguen su propósito.

¿Violencia gratuita?. Unos dirán que sí y tendrán razón: Yo creo que no, porque si quieres criticar a la sociedad serbia que acaba de salir, quizá, de la guerra civil más sangrienta de la Historia, no hay mejor manera de ver tal atrocidad y las consecuencias de todo ello que mostrando otra atrocidad muy directa y, a la par, muy parecida: el sexo dentro del marco del porno extremo, donde trístemente, como en la guerra, todo es permisible.

Darren Aronofsky es de esos directores que saben lo que hacen. Capaz de realizar proyectos arriesgados ("Pi, fe en el caos", "La fuente de la vida") como verdaderas obras de culto ("Requiem por un sueño") saliendo siempre victorioso y sin caer para nada en lo snob ni llenarlas de fuegos artificiales. Cada una de sus películas te cuenta más de lo que te está diciendo y muy pocos directores son capaces de eso. Y "El luchador" no le va a la zaga.

Así, esta vez nos cuenta la vida de un famoso luchador de los años 80, donde el paso del tiempo le está dejando mella en el cuerpo y en su alma. Un luchador que ve cómo los achaques de la vida se han encargado de recordarle que "hasta aquí hemos llegado"; que es hora de hacer balance.

"El luchador" es una de esas películas frías, una de esas películas de ambiente otoñal, de lluvia, que recuerda bastante al primer "Rocky". Así, Darren Aronofsky huye de las metáforas, de los juegos temporales, de la estética del videoclip y nos relata de forma hiperrealista (muy efectiva es el uso en determinadas partes de la "cámara en mano" siguiendo al protagonista) la vida de este hombre, rozando ya los cincuenta de aspecto rudo y solitario pero de gran corazón. Y consigue su propósito que no es otro que el de identificarte con él, conocerle y sentir sus emociones.

Y para ello cuenta con un más que magistral Mickey Rourke. Está impresionante en cada una de las tomas, de su diálogo, de su mirada. De todo. Cuando vi en el poster de la pelicula la leyenda de "Sé testigo del resurgir de Mickey Rourke", reconozco que me dio un poco de miedo; pero no. Después de ver esta película no tengo ninguna duda que el Oscar debería haber sido suyo. Por encima de Sean Penn. Roza la perfección.

Pero ahí no acaba la cosa, que Marisa Tomei está que se sale. Mira que me gustó que ganase el Óscar Penélope Cruz, (por lo de ser española y esas cosas...) pero es que vista ambas películas, lo de Marisa Tomei es de Óscar. Su personaje es una versión femenina del luchador. Una prostituta de un club de alterne que ve como la edad también le va haciendo mella en el cuerpo y en el alma. Impresionantes sus bailecitos y stripteases. Impresionante su cara cuando escucha los "no" de los clientes, (sin decirte nada lo palpas en su mirada). Impresionante su relación con Mickey Rourke (la de dos perdedores que fueron algo en los 80)

Y destacable , cómo no, la banda sonora de su amigo Clint Mansell, alternando con música ochentera de heavy metal (Ac/Dc, Scorpions, Gun n´roses)

Lo mejor: Mickey Rourke y Marisa Tomei. Los títulos de credito del principio: un barrido sobre fotos y recortes de prensa que te va contando la edad de oro de Mickey Rourke luchador para acabar con la primera toma de la película (el luchador sólo en el vestuario tras un combate actual en el que por lo visto no ha ido casi nadie a verle). El símil de su primer trabajo como si estuviese llegando al ring. El baile con su hija, casi un calco de la famosa escena de la Bella y la Bestia de Disney, de chapó. La escena del combate que te la cuenta con flasbacks cada vez que le van curando las heridas en el vestuario (brutal). Toda la imagen que da de ese mundillo de la "lucha libre". Bueno, y Evan Rachel Wood ("Across the universe") y su momento de gloria. A la altura de todo el reparto.

Lo peor: Hay algo que falla en el guión, en los diálogos (aunque los hay sublimes); un final un tanto precipitado, no sé. Pero me da que eso irá a gusto del consumidor. Poco más a destacar en este apartado.

Resumiendo, "El luchador" es una más que notable película, que te emociona y que te mete en el mundo de un luchador que fue un estrella y que vive en las últimas.

"El intercambio" te cuenta la historia de la desaparición del hijo de la protagonista y del posterior "cambiazo" que le hacen para así colgarse la policía una medalla y quedar bien ante los periodistas. Ni que decir tiene que la película es también la historia de una madre coraje que irá a donde haga falta con tal de conseguir que la crean y que, por lo tanto, sigan buscando a su hijo.

Clint Eastwood realiza aquí una película al más puro estilo clásico hollywoodiense (sólo hay que ver la historia por la que pasa la protagonista) pero sin dejar de lado los temas propios que caracterizan su cine. Así, "El intercambio" también habla de corrupción, de temas políticos, de injusticias, de infancias difíciles.

Con una muy buena puesta en escena (la película está muy bien ambientada en los años 30) lo que más me ha gustado es el tratar temas escabrosos y oscuros sobre la corrupción de la policía de Los Ángeles sin quitarle por ello nada de glamour a la época (o como se diga; Angelina Jolie aporta bastante de todo esto). Y es que es destacable la fotografía que utiliza, siempre muy luminosa cuando para este tipo de temas se suele utilizar un fotografía más fría para enfatizar el dramatismo de la historia.

¿Angelina Jolie?. Muy a la altura de la historia. Es uno de esos personajes nominables al Óscar y tanto ella como Clint Eastwood lo saben. De ahí a que gane es otro cantar, pues para mi, realiza una muy buena interpretación de esa madre coraje pero sin demasiados matices detacables. Es muy lineal aunque tenga varias escenas muy bien conseguidas y de ahí que la nominación sea suficiente

Lo mejor: Angelina Jolie, es una película para su lucimiento. John Malkovich borda el papel de reverendo presbiterano que está en contra de la corrupción policial, y que, sin darle énfasis en la película, da a entender que se aprovecha de la fatalidad que vive la protagonista para conseguir sus fines. De escenas destacables, hay varias: la de la confesión del niño, cuando te cuentan el actuar de la policía, la del centro psiquiátrico y cada vez que llora la madre. Muy convincente. Y el final.

Lo peor: Que la historia se vaya un poco de las manos. Creo que se alarga innecesariamente aunque te sigan contando cosas, que, poco o nada interesan ya.

Resumiendo, "El intercambio" es un muy buen melodrama, de esos que disfrutas, conmueven y te hacen recordar, en cierta medida, a aquellos clásicos melodramas de la Edad de Oro del Cine. Una acierto de Eastwood, cada vez mejor director si cabe :-)