Cuando se habla del cine negro moderno, del post-noir, o el neo-noir, es algo obvio que el apellido Coen sale a la palestra, han reinventado el género de mil maneras y probablemente sean los mejores directores actuales en prestar inspiración a la hora de sacar una nueva historia que pasea entre las columnas que cimientan los policiales y el cine negro.

En 'Fargo', en 'Muerte entre las flores', en 'El Gran Lebowski', en 'No es país para viejos'... en tantos estilos de cine negro que desembocan en la américa profunda y los americanos corrientes que son tan cretinos que hacen que América sea una creación de los Coen. Y 'El hombre que nunca estuvo allí', es la obra que más cine negro clásico rezuma, no solo por la ambientación, sino por la trama. La historia de como puedes mandar tu vida a la mierda, de cómo prefieres jugarte la vida a seguir el falsamente bonito 'American Way of Life'. Parece una novela de James M. Cain, es retorcida, triste y desencantadora. Un escritor que trató el hastío y mal estar de los americanos en obras como 'El cartero siempre llama 2 veces' o 'Perdición'. El hombre que le dio amargura a la intenciones humanas y sembró la maldad en cada acción potencial de los americanos.

El querer algo más, el querer recompensarte por evitar comerte una vida resuelta pero aburrida. Aceptar la primera oferta que te llegue sin pensar si es un farol o no, ver a tu lado cualquier opción de extorsión o asesinato y pasear en la cuerda floja que supone el reposabrazos de la silla eléctrica. Huir de los problemas para comerte mierda por cualquier otra cosa, porque la vida es fatal, el protagonista lo sabe y no le queda otra que lidiar con la fatalidad que siendo un elemento fatalita sin escrúpulos.

Dicho esto, 'El hombre que nunca estuvo allí' es una obra maestra resultante por una asimilación y comprensión de un género ácido y desencantador, que retrata con una puesta en escena lúcida y hermosa, y una fotografía que hace de la realidad una pintura de Caravaggio. Con un totémico Thornton que nos acompañará de la oscuridad al blanco resplandeciente.

Carlos Vermut a día de hoy es uno de los grandes nombres del cine español, sobre todo desde esta película. Magical Girl se erige como una de las grandes películas españolas de este último siglo y como una imagen sórdida y fatalista de la sociedad española de la crisis.

Como he dicho en el título, esta película es una muñeca matrioska. A base de un ritmo lento va retorciendo la trama, va convirtiéndola en una obra de Neo-noir fascinante a la par de aterradora. Partiendo de un gesto a la par de tierno y dramático, como un padre tratando de cumplir la última voluntad de su hijo acaba desencadenando en una espiral criminal desbocada. El retorcimiento y oscuridad no hace más que recordarme a esa obra maestra absoluta que es el "Chinatown" de Roman Polanski.

Vermut escribe un relato sobrio y directo, con unos personajes perfectamente construidos para que la trama vaya sola, para que Bermejo y Lennie (que están espectaculares los 2) vayan guiándote por los páramos oscuros de la Madrid de "Magical Girl". La tensión es palpable en su visionado, y el suspense made in Hitchcock te atrae y te seduce, todo acompañado de una elegante composición en el plano (muy cómico, por cierto) acompañado de "La niña de fuego" de Manolo Caracol.

Mención aparte merece el personaje de José Sacristán, un Samurai "melviliano", un hijo del polar francés que con su presencia convierte Madrid y el bar más español posible en el frío París de los 60/70. Magistral Jose Sacristán para hacer una obra redonda que habla de obsesiones y consecuencias, de la ártica soledad y del dinero más sucio. Un zumo de polar, cine negro, Polanski y manga que sabe bastante amargo; pero está mejor así, mejor no echarle azúcar.

Grandísima obra maestra de uno de los estandartes del cine nipón Shohei Imamura, segunda versión de la novela de Shichirô Fukazawa previamente adaptada por Keisuke Kinoshita (una película bastante encantadora hecha a través de una representación kabuki).

Una obra jidaigeki (películas de época japonesas) que dista de la magestuosidad y sobriedad de las urbes feudales representadas en su mayoría por Mizoguchi o Kurosawa para llevar la historia a una aldea perdida, construida por generaciones y que ha sobrevivido de la más humana de las maneras. Una obra con una visión primitiva del ser humano y su relación de la naturaleza donde se ve a al hombre en su hábitat siendo uno con la naturaleza.

Si bien es cierto que haría un precioso díptico con `Dersu Uzala´ de Akira Kurosawa, dónde la naturaleza es prácticamente el protagonista de la obra, un personaje que interactúa con los otros les da su razón ser. Cópula, relación con el ambiente y nutriéndose de lo que son capaces para llevarnos a ver al homo sapiens más prehistórico que llevamos dentro.

Obra con sexo al aire libre o en la nocturnidad del bosque, como hacen las ranas o las serpientes entre árboles y charcas. Obra que a la vez que su homónima del 58, con una visión hermosa de la vejez y los relevos generacionales, pero siendo más completa. Una visión de la maternidad, de cómo ser un hijo/a y de los pasos que implican despedidas.

La hermosa banda sonora y las oníricas canciones que entonan algunos personajes en sus labores evocan una atmósfera muy seductora que invita a sumergirte a ese bosque casi encantado. Y los últimos 20 minutos completan la obra, cuervos, huesos y nieve a gran latitud como una visión casi poética de la muerte. Un peculiar altar a nuestros mayores entonado al ritmo de canción kabuki, con dirección sobria, detallista y casi documental para culminar una de las grandes obras maestras japonesas de los 80.

Gran película acerca de la sociedad china, la primera película que veo de su realizador Jia Zhangke y he de decir que cuenta con un sello de autor muy fuerte y una gran habilidad detrás de la cámara.

Magnífico, excelente guión dividido en cuatro historias como cuatro jinetes del Apocalipsis de la sociedad china. Cuatro aspectos de violencia con su correspondiente bahía de sangre. Escenas coloreadas del color de la bandera china donde estrellas precisamente hay pocas.

- El primer relato cuenta con Jiang Wu. Una historia sobre el caciquismo en los pueblos chinos, esos mineros, campesinos, agricultores que viven fuera de las grandes urbes explotados por un cacique se olvida del pueblo y mira por él. La mejor de las cuatro. Hay un momento que es tan amoral y violento que es un Spaghetti Western.

- El segundo es una prueba de la impunidad en China. Un relato sobre el poder que da empuñar un arma. Ya no importan las llaves puesto que una Glock puede ser el mejor cerrajero allí. Historia gris y cruda.

- El falso poder del dinero y la violencia sexual invaden china y hacen explotar a una recepcionista. Relato con ecos del subgénero "rape & revenge" pero sin llegar 100% a él.

- El último nos habla sobre la explotación laboral el cual para mí fue el más flojo. Es muy triste y desolador el futuro que plantea Zhangke a la juventud china.

Wong Kar-Wai es uno de los directores más emocionales de la historia del cine, extremadamente detallista y fetichista de la imagen. Agarra 2 historias de amor en la superpoblada Hong Kong alrededor de un local de comida rápida y te trae un desenfreno de romanticismo y amor platónico. Historias de amor de 2 pares de ojos que se ven entre una multitud que les quita intimidad pero les da una atmósfera preciosa. Como ese plano en la segunda historia de Tony Leung y Faye Wong desde fuera del local encuadrándolos entre los cientos que van pasando. Todo acompañado de unos diálogos espectaculares. Además los relatos cuentan con unos finales redondos

El primer relato es muy noir, esa femme fatale y ese policía joven e iluso. Un historia de 2 personas destinadas a cruzarse y un momento de intimidad solucionó sus vidas, sobre la caducidad del enamoramiento y el duelo de la pérdida del amor. Esta historia está llena de detalles icónicos: las May, las 30 latas de piña, esas gafas de Brigitte Lin, los whiskys solos y el jazz visual y sonoro. Amor fatal, velocidad y espacios cerrados para darnos la necesidad de la tranquilidad del amor cuanto antes.

Tras esta grandísima historia viene el punto fuerte. El narrador y protagonista de la primera (Takeshi Kaneshiro) da un giro a la historia para dar paso a la de Tony Leung y Faye Wong que la mejor de ambas.

Esta es mucho más visceral que la otra, con muchísimo hincapié en las ironías de la vida. Es impresionante el poderío visual y poético que le da a la obra solo con el California Dreamin' de The Mamas & The Papas constante en bucle es flipante. Los bailes de Faye Wong, su vestimenta y colores vivos contrastando con la seriedad del uniforme de Tony Leung, la MIRADA ESPECTACULAR que siempre tiene el grandísimo Tony Leung. Una historia de amor soberbia sobre quién nos cambia la vida y ni cuenta nos damos. Tú a California y yo al California.