Belle también es una película de secretos, de represiones, de aquello que nosotros ocultamos en lo mas profundo de nuestro ser para estar incluidos en el gran andamiaje social, todos en U ocultan algo; como aquella idol de fama efímera o la amiga de la protagonista sosteniendo una relación platónica con su profesor, hasta el beisbolista con marcas de cirugías, y son esas marcas de nuestra vida que esa ilusión de U puede desaparecer como cuando Suzu ingresa a ese nuevo mundo, el avatar toma su forma, la purifica de sus defectos y se fusiona con ella. Tras ello, el milagro se da y se libera de sus ataduras recuperando la vocación de cantar de una forma tan atrayente como sí se tratase de una sirena. Pero en lo mas profundo de esa realidad virtual se esconde un ser misterioso, insertado en lo mas profundo del software, una bestia de repugnante apariencia, de pronunciados cuernos y de marcas que ocultar que sin embargo son la manifestación un cruel trasfondo real.

La relación entre Belle y la bestia no se cimienta sobre motivos románticos, sino que Hosoda va más allá, siendo una relación de comprensión, de complementariedad, de necesidad, ambos son seres rotos, destruidos por la tragedia y lanzados al mundo, la bondad de ella mostrará las heridas internas de la bestia, lo hará mas humano, lo revelará como un ser que debe ser entendido y no juzgado por su horrorosa apariencia o por interrumpir aquella supuesta paz diseñada por los censores de U sacados mas de un relato orwelliano que de una fábula infantil. Por otra parte, Hosoda hace un inteligente uso de la muisca, como un recordatorio de aquello que el tiempo olvido o más bien que Suzu reprime por el duelo, cantar, por eso el main theme aparece en dos secuencias claves, el flashcack inicial y antes que ella cante “A Millon Miles Away” casi como terminando la magnánima obra que componía junto a su difunta progenitora en su celular, siendo el cimiento de su recomposición emocional manifestado al cantar con su verdadera forma, sin máscaras, sin falsos avatares, siendo ella misma, encontrando el valor de expresarse al mundo, pero a su vez rememorando al que fue la piedra angular de ese cambio, la bestia.

Pero también es una película como mencionábamos que la conexión humana es fundamental, por eso no es casualidad que la primera persona en seguir a esta nueva ídolo del internet sea Tomo, un niño de rasgos timoratos y de apariencia endeble; el comparte al igual que Suzu esa desconexión con el mundo real porque ambos están solos en esta tierra, ambos comparten el gris de sus vestimentas y el chico la admira por la comprensión y empatía hacia su hermano, la bestia, por eso en un rincón de su habitación tiene un florero de rosas similares a las del vestido. Pero Suzu no es puesta en un altar de salvadora, ni es un símbolo de moralidad superior. Ella necesita saber él porque del sacrificio, del desprendimiento de lo que motivo a su madre a esa acción noble; para reencontrarse con el pasado y así misma. Por eso Hosoda hace un ultimo movimiento magistral, vuelve metafóricamente al pasado, al entorno lluvioso y de nubes grisáceas casi replicando aquel día donde Suzu lo perdió todo, pero esta vez protegiendo a esos dos menores del abuso de su cruel padre como hizo su madre con aquella niña atrapada en el rio. Entendiéndola y perdonándola en el proceso ya que ella dio su vida por algún extraño y ella lo hará por estos niños, siendo el más grande gesto de desprendimiento de las personas, el amor a la humanidad misma.

Tras ello ya no hay que vivir con máscaras por eso un halo de atardecer se proyecta sobre el horizonte de U, siendo el ocaso de esta y el nuevo amanecer se percibe en la realidad con ese sol saliendo radiante, una luz de vida, de esperanza, de un futuro mejor donde Suzu se puede quedar y cantar, uno donde puede ser realmente feliz.

La cinta inicia con una serie de despedidas, marcando el adiós de algo, como si de un sentimiento de culpa intrínseca se tratase, tras eso la pequeña Nelly entra a una habitación y la directora mantiene ese plano general para apreciar a una desconsolada Marion sostener ese bastón de aquella mujer que le sirvió de apoyo en sus momentos difíciles, vuelve al hogar común, a un entorno dominado por fantasmas y de lúgubre aspecto, tras su ida por el dolor del recuerdo, la fantasía se hace presente pero Sciamma disipa la sensación de incertidumbre demasiado rápido, nos retira tácitamente del relato al descubrir que la joven del suéter rojo es la madre de Nelly con un movimiento demasiado evidente, no hace que la sombra sea eso, una sombra sino que al materializarla le quita ese aura mística al fenómeno fantástico. Pero lo compensa al mantener intacta las abismales diferencias que existen entre el razonamiento analítico adulto, incapaz de abrir su mente ante la fuerza de la imaginación, contrapuesto con la niña que con su mente crea esa nueva realidad en su propia casa, Nelly es la fuerza que hace que el cine se manifieste, ya que ella transforma la fría casa en un mundo de luz donde el pasado se reencuentra con el presente y donde se compenetran las personalidades tanto la madre como la hija.

Al final la fantasía se vuelve evanescente, se disipa como la niebla y es aquí donde Sciamma triunfa gracias a la fuerza del montaje en su secuencia final, ya que, tras comprender a cabalidad a su madre en un clímax prodigioso en el lago, vuelve Nelly al hogar común como lo hacía Dorothy en The Wizard of Oz y se encuentra con la Marion adulta y solo atina a abrazarla porque no hay ningún lugar como el hogar y es mejor con las personas que más apreciamos.

Por otra parte, tenemos una seria critica de la directora a los burócratas mundiales, aquellos que dejaron a su suerte a los civiles bosnios ejemplificada en la impotencia del general neerlandés por su inutilidad ante la grave situación, impedido de solicitar refuerzos no le quedará más que ser testigo indirecto de la masacre que sobrevendrá sobre muchos inocentes.

El titilo de la película es una expresión en latín que significa “A dónde vas” preguntándose a donde va nuestra protagonista, si escapar de la barbarie o inmolarse para salvar a la progenie; manifestado en la magistral actuación de Jasna Djuricic, una interpretación de matices, de rasgos dramáticos muy pocas veces alcanzados en el cine contemporáneo, que recuerda en cierta medida y guardando las comparaciones a la inmortal Meryl Streep en aquella película de Pakula, donde ella tenía que sumirse en la memoria del dolor, de aquella fatal decisión que la marco de por vida, en aquel campo de concentración que le quito todo en la fundamental Sophie’s Choice. Aquí Jasna comprende la catástrofe que le espera a su pueblo en una escena definitiva donde tan solo basta un plano contraplano de ella viendo al chofer fumando timorato su cigarro sabiendo la masacre acontecida kilómetros adelante y reafirmado por un primer plano casi desolador, su mirada lo dice todo, ya no hay escapatoria. Después otra secuencia donde demuestra su inmenso talento es en la identificación de su hijo en el inmenso recinto lleno de esqueletos donde otras madres y viudas buscan los restos de sus familiares; ella ya no puede más, solo cae silenciosa, impotente, desencajada y destruida ante las víctimas del genocidio; en ese plano general enmarcado entre diferentes siluetas moviéndose, buscando una parte de sus vidas ahora convertidas en tormento y pesar.

Zbanic reconstruye milimétricamente el pasado no recurriendo al archivo o al dossier, sino que hace que las victimas y los victimarios trasciendan lo discursivo de la historia a lo potente de lo cinematográfico, reconstruye con ojo fiel los archivos visuales que dejaron los serbios en su intento desalmado de intentar mostrar una imagen apacible ante la comunidad internacional, pero también no sacrifica el ritmo dejando que Jarosław Kamiński tome las riendas de un montaje que construye una sensación de vertiginosidad en el devenir dramático de los diversos acontecimientos, pero también regula los momentos de quietud, no abusando de ellos ni pretendiendo provocar sopor sino que genera lo que coloquialmente se conoce como una tensa calma con elementos propios de thriller.

La directora cierra su película con rostros, rostros conocidos y por conocer; de aquellos que sobrevivieron al exterminio y de aquellos que verán un nuevo mañana, siendo una declaración de esperanza y a la vez de memoria para que las generaciones venideras no olviden lo sucedido en 1995 y al mundo para que no olviden al pueblo bosnio y su lucha por la supervivencia frente a la insania y la barbarie.

Tras este formidable inicio, el relato cae un poco en los lugares comunes con una representación un tanto exotista de la madre del muchacho a quien Mike Milo va a rescatar por orden de su padre, que es viejo amigo de este. Por el contrario de aquella Ciudad de México muy cinematográfica en sus barrios bajos, llenos de peligro, de iluminación baja y luces rubescentes. Por otra parte, cuando ambos protagonistas se introducen a la aventura del camino recuerda en algunos momentos a la magistral A Perfect World de 1993, en esa mezcla entre road movie y persecución policiaca, muy presente en Cry Macho

En la película abunda una reemplazo e inversión de los diferentes elementos del western tradicionalmente establecidos; desde el auto siendo el nuevo medio de transporte de este oeste contemporáneo y no los caballos; hasta el papel femenino mas activo; en este caso la jefa de la organización criminal o aquella posadera amable, pero los cuatreros siempre estarán ahí para causar problemas y Eastwood da catedra una vez más de síntesis elíptica en el momento donde él y Rafo tienen que cruzar la inmensa carretera en bajo el agobiante sol del desierto mexicano.

Los mejores momentos de todo el film suceden en esos treinta y cinco minutos que se desarrollan en el pequeño poblado rural; Eastwood cambia radicalmente el tono con un tacto supremo, casi deteniendo el tiempo para la evolución de sus personajes, los confronta con una felicidad no conocida en mucho tiempo. Hay dos momentos de inmenso dramatismo en ese espacio temporal, primero el dialogo en la capilla un plano contraplano, pero Eastwood es inteligente ya que deja que sea su efigie cansada y voz temblorosa manifieste su pesar por sus errores del pasado además de contar sus tragedias. El segundo es cuando Mike le dice a Rafo la mentira de lo que le espera con su padre presentado un plano medio con la cara cubierta por la sombra de un toldo, evidenciando la mentira.

Pero nos estamos olvidando del personaje más importante de toda la película, el gallo Macho, usado como contraste en toda la tesis del director como recordatorio de una especie de fiereza y entereza hoy ausente en Mike, este con una perspectiva más racional, con todas las vivencias obtenidas a lo largo del inmenso viaje que es la vida en sí misma, ejemplo de esto es en la posada que Eastwood los hermana colocándolos en el mismo plano y Mike mirando aquel yo de un pasado que no lo representa más. Pero el director sabe que ese mismo pasado, aunque hayamos cambiado por el paso del tiempo, será parte de nosotros; muestra de ello es que Mike se queda con Macho para pasar el resto de su vida con aquella viuda que conoció en aquella posada bailando “Sabor a mi” encontrándose al final de su odisea un nuevo hogar, un nuevo rumbo para este vaquero solitario.

En un interesante inicio tras que la cámara descienda del pétreo busto del comunista Lenin, esta enfoca a un desaforado Nikita Jrushchov dirigiéndose a los miles de burócratas, para luego hacer un trávelin a través de un escenario de corbatas y trajes negros hasta llegar a una en específico, la cámara se levanta, muestra un rostro y su gesto ligero de disconformidad frente a la perorata de su líder.

En la mirada y los gestos de Merab Ninidze como el Agente Penkovsky reside el interés cinematográfico de buena parte de la película, su movimiento por las mazmorras llenas de secretos militares acerca de una futura conflagración mundial entre las potencias hace tambalear su fidelidad al régimen, aunque el director en algunas ocasiones cercanas al final lo subraye con diálogos entre él y Wynne. Pero en su mayoría constituyen una interpretación notable como en aquella escena del interrogatorio con el miembro de la KGB. Por otra parte, Benedict Cumberbatch se mueve en un papel difuso por una parte intenta imitar el carácter y talante interpretativo de figuras como Steward o Grant terminando a veces como pastiche, pero bien avanzada la película y cuando sufre lo visceral del encierro encuentra el verdadero potencial del personaje dando una de sus mejores interpretaciones especialmente en el interrogatorio final.

Es especialmente en las escenas del encierro donde el director de fotografía nominado reciente mente al Oscar, Sean Bobbitt, encuentra el culmen máximo de la opresión de un régimen donde la libertad fenece prácticamente restringiendo el único punto de iluminación a la lámpara ubicada a un extremo de la mesa, una opresión que se manifestaba desde que Wynne pone un pie en la Rusia soviética siendo esta opaca en los exteriores y colores fríos en los interiores como en la escena donde Penkovsky es expuesto ante su familia. Por otra parte, la música cumple una función netamente dramática bajo las notas del experimentado compositor polaco Abel Korzeniowski que vuelve a la palestra tras varios años desde su magnífico trabajo en la película de Tom Ford, Nocturnal Animals, y también tras el traspié de The Nun. Su fortaleza recae especialmente en el final donde con sus notas imprime esa sensación de liberación al protagonista mientras se da su extradición al Reino Unido tras pasar ese pesaroso infierno carcelario.

Aunque a pesar de los aciertos, la película palidece ante sus referentes, quizá el más obvio es aquella obra maestra de Spielberg que se desarrollaba en la Alemania Oriental durante el incidente del U-2 o aquella notable película de Hitchcock con Paul Newman y Julie Andrews durante la guerra fría.