Enemigo a las puertas es una co-producción entre América y Europa de alto presupuesto que, bajo su apariencia de película bélica, esconde un sinfín de sensaciones humanas más allá de las trincheras.

Jean-Jacques Annaud, reputado director francés que siempre ofrece un cine fértil, nos presenta Enemigo a las puertas, la adaptación a la gran pantalla de la historia del héroe soviético Vassili Zaitsev. Para ello, comienza con una secuencia de desembarco absolutamente memorable que tiene poco que envidiar a las mejores en este apartado. La colocación de las cámaras, la frialdad de las muertes y la sobriedad con que se filma todo, son muestras claras del dinamismo y el realismo con que vamos a ver las escenas centradas en la guerra a lo largo de las casi dos horas de película. Sin embargo, Annaud es fiel a sus principios y consigue una mezcla perfecta entre el estruendo que hay en el frente y el caos que emerge poco a poco bajo el suelo de cada cuartel general, donde la envidia, el amor, el odio y el orgullo irán jugando papeles fundamentales para mostrar al espectador una de las mayores declaraciones de anti-belicismo vistas en muchos años, ya que se deja ver cómo cada uno piensa en sí mismo y en sus intereses, faltando incluso a los teóricos principios que han hecho estallar la guerra. Además, Annaud aprovecha algo que el guion prepara a la perfección: su enfrentamiento con el Mayor König, algo que da aires de western a la película, con dos "pistoleros" que se buscan y que, en cierto modo, disfrutan midiendo sus fuerzas.

Jude Law, antes de que su calva incipiente le llevara a la depresión, demuestra por qué fue una de las grandes esperanzas del cine no mucho tiempo atrás gracias a una interpretación extrema que sabe moverse en varias direcciones. El británico Joseph Fiennes, que siempre elige cuidadosamente sus papeles en el cine, deja un reguero de capacidad interpretativa que por momentos inunda totalmente la pantalla, al igual que la belleza y el buen hacer de una Rachel Weisz perfectamente adaptada a su personaje. Otro actorazo como Ed Harris, en el papel de villano que tanto disfruta y con el que tanto ha hecho disfrutar a lo largo de su carrera, es fundamental para el buen funcionamiento de la película. Por último, destacable labor de Bob Hoskins, poco acostumbrado a este tipo de personajes, aunque siempre que los encarna demuestra ser mejor actor de lo que la mayoría cree.

Resumiendo, que es gerundio: Jean-Jacques Annaud consigue hacer de Enemigo a las puertas un western bélico de romance, traición y redención. Mucha intensidad metida en dos horas de película que absolutamente nadie debería perderse.

No es otra estúpida película americana (NEOEPA a partir de ahora) no hace honor a su nombre, tanto el original como la libre traducción al castellano. Con formato de parodia, acaba utilizando los mismos argumentos que cualquier otra "teen movie". Pero lo hace bastante mejor que la mayoría.

Un absoluto desconocido como Joel Gallen dirige NEOEPA (sé que queda feo con las iniciales, pero es que el nombrecito se las trae...). Gallen demuestra que conoce el género sobre el que trabaja y retrata los automatismos del género con la misma facilidad con la que cae en ellos, algo que no se esfuerza en evitar dando a entender que, sin esos clichés, no existiría el género. Puede decirse que NEOEPA es absurda, que se basa en el humor escatológico y de lenguaje vulgar para hacer reír a quienes haga reír (yo soy uno de los que se parte el espinazo a carcajadas) y también habrá quien diga que no tiene ni puñetera gracia. Es lo que tiene el humor, que cada uno tiene el suyo y quitando a Chaplin no existe nadie con la capacidad universal de hacer reír. NEOEPA lo que hace es, simple y llanamente, encadenar gags, diálogos llenos de chistes malos y mostrar carnaza. Es su estilo y funciona.

El elenco actoral, altamente irregular. Los chicos, con Chris Evans a la cabeza, están bastante desafortunados, siendo Eric Christian Olsen el más flojo, llegando a rozar el ridículo y Eric Jungmann el mejor, quedándose en la mediocridad tanto Deon Richmond como el trío formado por Cody McMains, Sam Huntington y Samm Levine. La parte femenina, sin embargo, espectacular. Lo sencillo sería resaltar que cualquier persona de sexo masculino podría ver la película aunque hablaran en chino con tal de disfrutar de las bellezas de la película, pero lo cierto es que Chyler Leigh está espléndida (bastante incomprensible que intenten venderla como fea al principio cuando incluso así está tremenda), sobretodo cuando su personaje debe adquirir más comicidad, demostrando que se le da muy bien. Jaime Pressley, una de las actrices más sensuales (y sexuales, según se dice) del panorama del séptimo arte, no suele salir demasiado de su zona de seguridad, esa que está formada por un personaje orgulloso, egoísta y con mala hostia, y si no sale de ahí es porque se le da de fábula. La mejor, sin embargo, es la terriblemente hipnótica Mia Kirshner, que deja para el recuerdo varias escenas impagables y una muy buena interpretación en el momento del baile.

Resumiendo, que es gerundio: tal vez sí sea otra estúpida película americana, otra más de adolescentes, pero se atreve a cruzar la línea y convertirse en una comedia gamberra sin caer en el sinsentido de la parodia pura y dura. Además, se permite el lujo de acercarse por momentos a la comedia romántica y lo hace todo con destreza. No es una gran película, claro, pero al menos sabe dónde va.

The Score no es una gran película. No llega ni al calificativo de muy buena película. Tal vez sí alcance a ser una buena película. Pero ojo, tiene a Marlon Brando, Robert de Niro y Edward Norton. Orgasmo absoluto.

Frank Oz, director de comedias, cambia radicalmente de género y firma The Score. Sí, digo "firma" y no "filma" porque Marlon Brando no quería ser dirigido por Oz, a quien consideraba un director sin talento. Por eso, es de Niro quien dirige las escenas en las que aparece Brando y muchas otras, puesto que el considerado "mejor actor de todos los tiempos" en ocasiones se negaba a abandonar el set de rodaje para que Frank Oz no tomara el control. Lo cierto, sea Oz, de Niro o ambos quienes dirigen, es que es una película de poco trabajo en cuanto a la dirección. Esto sucede porque el genio (en realidad fueron varios, entre guionistas, productores y creadores de la historia) que dio vida a la película hizo la soberana cagada de hacer una película de historia y no de personajes, cuando tenía en dos metros cuadrados a los tres mejores actores de sus respectivas generaciones y, sin duda, a tres "Top Ten" de la historia. El guion es bastante simple, nada alejado de las clásicas películas de robos: propuesta, preparación, ejecución y giro. Me parece absolutamente lamentable conseguir la participación de esos tres gigantes de la interpretación y hacer una película llena de convencionalismos.

Robert de Niro está soberbio. Se le da muy bien hacer de todo porque consigue que en todos sus papeles se vea algo de sí mismo, logrando así un realismo atroz en sus personajes. Marlon Brando, fabuloso en un rol secundario al que nunca pudo acostumbrarse. El gigantesco actor no tiene demasiado trabajo, pero le sobra con medio segundo para demostrar al mundo lo que es crear un personaje desde cero. El tema, aquí, está en que el tercer nombre (co-protagonista, junto a de Niro) es Edward Norton, un actor al que no se está valorando en su justa medida. Norton no tiene absolutamente nada que envidiar al mejor de Niro, al mejor Gregory Peck y, tampoco, al mejor Marlon Brando. Dentro de unos años se hablará de Norton como uno de los mejores de todos los tiempos, pero parece pecado mortal decir algo así tratándose de un actor joven que todavía tiene muchísimos años por delante en el mundo del cine. Aquí, en cada cara a cara con de Niro, Norton lo devora, aunque sea absurdo valorar esto como si se tratara de una competición.

Todo el mundo ha visto Pretty Woman. Miles de películas y series de televisión han homenajeado la secuencia en la que Julia Roberts se va de compras. Cualquier persona del planeta te podrá decir de qué va. Es un clásico comercial moderno, sin duda.

Garry Marshall dirige Pretty Woman dejando para el recuerdo un sinfín de situaciones. Lo cierto es que el guion de J.F. Lawton da muchísimo juego y brinda al director la oportunidad de divertir al espectador con unos personajes bien construídos que viven una experiencia bastante original. Ese guion lo aprovecha Marshall gracias a una interesante puesta en escena para hacer de Pretty Woman una película cuidada que, por momentos, se sale de los clichés del género a pesar de que la base sigue siendo la misma (enamoramiento - problema - reconciliación). Marshall se mueve sorprendentemente bien cuando debe retratar a la alta sociedad y es ahí donde se producen tanto los momentos más dramáticos como los más cómicos. Hay varios aciertos que hacen crecer a la película: el diseño de vestuario, la elección de la (mítica) banda sonora, los cuidados interiores y, sobretodo, la elección del reparto. Entre las curiosidades de la película puede destacarse el cambio que sufrió el primer borrador (en el que el millonario maltrataba a la prostituta) hasta convertirse en el guion que conocemos, las escenas en las que se ve el cuerpo de Julia Roberts pero no la cara (rodadas por una doble con más curvas) o el cambio del título que se pensó al principio (iba a llamarse 3000 $ y al final se adoptó el nombre de la canción que canta Roy Orbison).

Julia Roberts había empezado hacía poco en esto del cine pero su trabajo en Pretty Woman fue fabuloso. Entendió a la perfección lo que se le pedía a su personaje y lo convirtió en una interpretación muy superior a las que vemos en el género. Richard Gere, actor que tenía ya más recorrido, también hace un muy buen trabajo con un personaje que volvió a colocarle en la primera fila tras haber fracasado algunos de sus trabajos posteriores a Oficial y caballero. De los secundarios, destacar el buen hacer de Héctor Elizondo, la siempre impresionante presencia de Ralph Bellamy y la acertada interpretación de Laura San Giacomo. Jason Alexander, por otra parte, no está a la altura, ya que protagoniza lo que acaba desembocando en el segundo giro y lo hace sobreactuando de forma evidente.

Resumiendo, que es gerundio: Pretty Woman no es un clásico al estilo Matar a un ruiseñor, pero es un clásico. Un clásico moderno de gran éxito en taquilla y que crearía escuela. Una película romántica con comedia y drama más cuidada que las que se hacen ahora en serie en una fábrica de plagios. Hubo un tiempo en el que hasta el cine ligero tenía agallas para ser original, pero de esa época queda poco en estos tiempos. Muy poco, por desgracia.

Videodrome es una película rara. Siempre vendrá algún listillo a explicártela, basándose en alguna teoría que tú podrás desmontar sin esfuerzo. Lo que ves en la pantalla es lo que hay, nada más.

Aunque parezca mentira, hubo un tiempo en el que David Cronenberg no era tan conocido como ahora. Su fama se debe, en parte, al impulso que tomó su carrera gracias a Videodrome. Aquí el director canadiense nos cuenta la historia del poder que ejerce la televisión sobre los espectadores y que hay cierto tipo de audiencia que, en busca de dar rienda suelta a su fantasía y desengancharse de la vida, da por bueno todo lo que sale del televisor. Eso nos dice la película y eso es lo que hay. Lo demás es simplemente decoración. No obstante, todo lo puesto para adornar el recorrido del espectador a través de los casi 90 minutos de metraje, no sobra en ningún momento. El surrealismo en el que nos introduce Cronenberg nos lleva, por paradójico que parezca, a creer realmente en su historia y es precisamente eso lo que da tantísimo valor al trabajo del director, ya que en cierto modo está haciendo con el espectador lo mismo que está contando en la cinta. Gracias a unos efectos especiales realmente buenos para la época, Videodrome logra crear un universo palpable que no deja ningún espacio en blanco. Además, la maestría de Cronenberg a la hora de crear tensión, es un valor incalculable en favor de la cinta.

El apartado interpretativo no es que sea la bomba. Viene a ser que el protagonista es James Woods en la época en la que más se recreaba en su trabajo. Sobreactúa de tal manera que, antes de desatarse la verdadera paranoia de la película, ya estamos viendo algo totalmente postizo en ella. Por suerte, el bueno de Woods tiene en su haber algunos grandísimos trabajos (un año más tarde en Érase una vez en América, sin ir más lejos). Debbie Harry, cantante de Blondie, tampoco es que sea exactamente Meryl Streep, aunque da el pego dentro de las rarezas de la película. Jack Creley está correcto en sus cortas apariciones, algo que no puede decirse de su "hija", una Sonja Smits robótica que no transmite nada. Peter Dvorsky y Leslie Carlson cierran el reparto con dos interpretaciones pasables que llegan al aprobado porque comparten pantalla con un desafortunado elenco.

Resumiendo, que es gerundio: Videodrome es una película rara de cojones, sí, pero lo cierto es que pone sus cartas boca arriba desde el primer momento y luego dedica el resto del metraje a hacer disfrutar al espectador con un atractivo diseño de producción. Convertida en película de culto de forma merecidísima, está lejos, en mi modesta opinión, de ser La naranja mecánica de los años 80, como dijo Andy Warhol.