167/03(04/08/17-15/11/22) Apoteósico, absorbente, majestuoso, epidérmico encuentro de Christopher Nolan (escribe, dirige y produce CON a su esposa Emma Thomas) con el cine bélico, homenajea sin maniqueísmos a la milagrosa “Operación Dynamo”, hecho clave en WWII, film al que me enfrente con reservas, pues la por muchos aclamada anterior cinta del realizador, “Interstellar”, me fue galáctica decepción pretenciosa. Aquí el cineasta edifica una de las cimas del cine, SABE contar una historia simple como algo memorable, una derrota como victoria, relato épico desde un prisma intimista, con estructura que se despoja de sensiblerías, diálogos dejados a la mínima expresión, la fuerza de las imágenes conjugadas con el sonido nos hacen sumergirnos en una experiencia sensorial epicúrea, gente común que intenta sobrevivir a toda costa, reflexiona con potencia sobre la ambigüedad de la valentía y la cobardía, la heroicidad y el egoísmo, la esperanza y la perdida de la fe, el instinto de supervivencia y el sacrificio, una oda a la complejidad de la Condición Humana. Nolan escribió el guión para producir suspense a través de las imágenes y la música, teniendo vital peso la cinematografía y lo auditivo remarcando cada segundo la miscelánea entre música y efectos de sonido, no sabiéndose donde acaba una y empieza la otra, jugándose con el inquietante “Tono Shepard”. Eufonía audiovisual orquestada en tres arcos temporales, y en tres horizontes acaban por difuminar sus contornos para unirse en una melodía homérica.

La cinta deja claras sus expresionistas intenciones en su Excelso inicio a golpe de metrónomo tictac-quero con ominosa música, 5 minutos de intensidad sofocante, sin palabras pero diciendo mucho. Marca a fuego el tono del film, extensos silencios, poder de la imagen, temor inmutable, y enemigo invisible. Este carece de rostro, se sugiere fuera de campo (disparos, aviones, torpedos,…), presencia cuasi-etérea, crea sensación metafísica de terror incorpóreo, acentúa el miedo psicológico, quizás influenciado por obras como “La patrulla perdida” (1932) de John Ford, o “El diablo sobre ruedas” (1971) de Spielberg. Decisión valiente, como hacer casi un film silente, escasos diálogos juegan a ser cuasi- intertítulos. Arriesgado es contar nada de los protagonistas, sin pasado, solo presente, esto podría eliminar la empatía, pero es utilizado por el director como aliciente, son ellos y sus decisiones para intentar sobrevivir y sus consecuencias. Componiendo un Templo al esfuerzo individual, a la solidaridad, a la esperanza, a la dignidad, en medio de acciones egoístas que el director no juzga, las hace entendibles, un retrato de la guerra crudo, caótico, despojado de manierismos tramposos y artificiosos, hay muertos de todo tipo (acribillados, bombardeados, quemados, ahogados, suicidados,…), pero sin regodearse en la casquería, mostrado en segundo plano, transpirando angustia, desesperación, entrelazando las tres intrahistorias de modo superlativo. Un relato de tientes humanistas donde la guerra es un cuasi-McGuffin, hay espectaculares escenas de acción, pero todo integrado en este relato de supervivencia.

Armonizando diferentes los tres tiempos disímiles, relativizándolos, estirándolos y condensándolos de forma majestuosa, pero culminando de modo enardecedor. Maneja Nolan un puzle de piezas de desiguales medidas temporales yuxtaponiéndolas en giros visuales asombrosos, juego de tiempos que Nolan maniobra cual prestidigitador, generando un suspense permanente, sensación de peligro inminente, ello en un circo de tres pistas (Tommy en tierra, los spittfire en el cielo y el Moonstone en el Canal de la Mancha).

Nolan se aleja del relato patriotero panfletario, radiografía la guerra no como algo glamuroso lleno de héroes, muestra miedo, tragedia, desmoralización, impotencia, en microcosmos poblado de personajes irradian humanidad en sus imperfecciones, en sus veraces interpretaciones, deben exponer mayormente a través de su lenguaje físico. Mencionar apuntes deja contextualmente Nolan, como las discrepancias entre los soldados británicos y franceses en la evacuación, muestra el coraje de la población civil a través de la tripulación del Moonstone, y recuerda de modo original el famoso discurso “Sangre, sudor y lágrimas” de Winston Churchill, pero pronunciado por un soldado anónimo que le da más trascendencia.

El elenco actoral brilla por su autenticidad, expresividad máxima en sus gestos y miradas, por falta de espacio haré comentarios telegrama: El joven Fionn Whitehead en su debut en la gran pantalla realiza una portentosa encarnación, probablemente el más humano y cercano al espectador de los protagonistas; Mark Rylance demuestra su gran dominio del hombre racional, con inquebrantable sentido del deber, sobresaliente; Cillian Murphy encarna con energía al atormentado naufrago; Tom Hardy, le basta con sus ojos y cejas para exhibir poderío expresivo; Kenneth Branagh presencia regia vestido de almirante con sus manos a espalda, autosuficiencia y carisma que desbordan la pantalla; Hay más pero con menos peso.

Puesta en escena memorable fundiéndose con el apasionante relato en miscelánea pocas veces alcanzada en una pantalla. Diseño de producción sublime de Nathan Crowley (habitual de Nolan), rodando en el lugar real histórico de la evacuación, Dunkirk (Francia); en Urk (Países Bajos), Swanage y Weymouth en Dorset (Reino Unido) y el Point Vicente Interpretive Center and Lighthouse en Rancho Palos Verdes (USA), estudio de Universal Pictures Falls Lake en Los Ángeles para filmar interiores de un barco que se hunde, en un tanque de agua. Se utilizan seis mil extras en la filmación en Francia. Gran despliegue técnico con recursos militares y civiles propios del tiempo (aviones, barcos, buques,…), tiene gran protagonismo el pequeño (43 pies de largo) yate de motor llamado Moonstone, construido en década 1930, set de rodaje, sus escenas más exigentes grabadas en el lago holandés IJsselmeer… (sigue en spoiler)